前回配本の巻は本文600ページだったが、今回は700ページである。帯の文句の”宮廷・教会の芸術から市民の芸術へ”が実にうまく内容を要約している。本巻では、各章の執筆者による個性が色濃く出ている。宮下の第1章は、８割がイタリアで残りがスペインだ。バロック様式がダイナミックな総合芸術を目指すと言う事がよくわかった。例えば聖堂内に、絵画、彫刻、祭壇の調和により聖なる空間を作ろうと言う姿勢だ。バロックの５つの特徴が整理されているが、要はルネサンス様式のもたらす調和の感覚ではなく、躍動的・劇的である事を目指した物だ。カラバッジオの強烈な光と闇のコントラストもその文脈で理解できる。この章では、ベラスケスの”ラス・メニーナス”を解説する宮下の筆致に感銘を受けた。
続く２章のフランス古典主義では、細部にわたる固有名が執拗に提示されるが、それが何かの明確な像を結ぶ事が少なく平板な印象を受けた。白眉であろうプッサンの”マナの収集”を語る筆致も読者に迫る物が少なかった。
17世紀ネーデルラント絵画を扱う３章は、取り上げる作家をしぼったせいで深い分析が成され、非常に興味深く読む事ができた。評者はルーベンスの良さをよく理解できていなかったのだが、”キリストの昇架”の解説で蒙を開かされた。フェルメールの”牛乳を注ぐ女”での右隅の足温器やその周囲のタイルの模様等の細部の意味が面白い。
フランスのロココを扱った章では、それまでロココなんて缶入りクッキー詰め合わせの蓋によくあるキラキラした絵だろう等としか思っていなかったが、よくよくフラゴナールやブーシェの作品を見ると、そこに描かれた官能的な女性や見事な色彩による木々の葉のすばらしさを認識できた。このきらめくような官能性に批判が出て来て、新古典主義へと移行するのも宜なるかな、と言う感じだ。
作品のモノクロの画像ではもちろん満足できるはずもないが、画像として取り上げられた作品や本文で触れられるのみの作品もほとんどすべてネットで検索すれば簡単にカラーで大きく見る事ができるし、それがむしろ必須だろう。版元もそう考えていると思われる。
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