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2015-04-25 「インヒアレント・ヴァイス」

knockeye2015-04-25

 ポール・アンダーソン監督は、ダニエル・デイ=ルイスが主演した「ゼア・ウィル・ビー・ブラッド」が素晴らしく、わたしはあのファッションを真似して、ツナギにジャケットを着たりしていた。

 それはともかく、ポール・アンダーソン監督も、クリント・イーストウッドウディ・アレンウェス・アンダーソンといった人たちと同じで、監督の名前だけで映画館に足を運んで損しない映画監督のひとりだろう。

 今回のは、トマス・ピンチョンの「LAヴァイス」という探偵小説を原作にしている。‘ヴァイス’ていう英単語は受験英語だと反射的に「悪徳」という日本語が頭に浮かんじゃうんだけど、「インヒアレント・ヴァイス」という、邦題を考えるのを放棄したらしい耳なじみのないこの原題は、保険用語で「先験的な欠陥」てふ意味なそうな。つまり、原題でも「ん?」ていう感じをねらっているわけで、このほったらかし型の邦題の付け方もそれはそれで正しい方向ではある。

 主役は「ザ・マスター」に引き続き、ホアキン・フェニックスが、あの時のやばい感じとはうって変わって、ちょっとユーモラスなヒッピー探偵を演じている。

 舞台は1970年代のロスアンゼルス。時代を感じさせるファッションや小物が楽しい。ビールの缶がスチールだったり。

 話のスジはそうとう複雑だけど、そこまで気にしなくていい(というお気楽な鑑賞態度には批判もあるだろうが)。プロットは複雑だけど、キャラクターが印象的な描かれ方をしていて(いわゆる‘キャラが立っている’というヤツ)、そのキャラクターがきちんと処理されているので、消化不良にはならないの。

 特に際立っていたのは、ジョシュ・ブローリンかも。「メン・イン・ブラック3」で、トミー・リー・ジョーンズの若き日を演じていた、あの、なんか居るだけで可笑しい、違和感というか、すっとぼけ感というかが、ますます加速している。

 この映画は、70年代のサウンドトラックも話題なんだが、ほんとは70年代とは言えないはずの、坂本九が歌う「上を向いて歩こう」が流れる場面で、ジョシュ・ブローリンが突然、日本語を話すんだけど、もちろん、わたしたちがあれを日本語だと思うには頭の中で変換作業が必要。一瞬日本語とは気がつかなかったくらい。

 でも、あそこでジョシュ・ブローリンが唐突に日本語を話すというのは、70年代、ヒッピー文化の裏にあるのは、核戦争の脅威とベトナム戦争の厭戦気分だから、少なくとも70年代、被爆国で、非戦国だった日本のイメージは何かしらではあったのだろう。それをヒッピーのホアキン・フェニックスではなく、警官‘ビッグフット’のジョシュ・ブローリンが表すところに面白味がある。

 ジョシュ・ブローリンホアキン・フェニックスの‘トムとジェリー’と言ったっていいわけで、ジョシュ・ブローリンの敵役としてのキャラの立ち方が、この複雑な話を引き締めている。

 それから、特筆すべきは目線だな。落語でいう「かみしも」。その切り返しがあざやかだから話がだれない。最後の、目線がすーっ、すーっと動くところまで、登場人物の目線に操られている感じがある。

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2015-04-23 『つなわたり』

knockeye2015-04-23
つなわたり

つなわたり

 ツルゲーネフの『はつ恋』という、岩波文庫でいえば☆ひとつくらいの(若い世代はなんのことか分からないだろうけど、シュトルムの『みずうみ』とか、『歎異抄』とか、『方丈記』とか、みんな☆ひとつだったの。私が憶えているころは☆ひとつが100円、★ひとつ70円だった。なぜあんなまどろっこしいことをしていたのか知らないが、とにかくあれが岩波文庫の特色だった)ごく短い小説があるのだけれど、わたしはどうしても読み通せない。いかにも「さあさあ‘純愛’ですぜ、旦那」という感じがどうしてもなじめない。

 考えてみれば、このブログでも「桐原あずさの『聖☆おま○こ女学園』の1は名作だよね」とか、書かないけど、書いたとしても別に恥ずかしくはないけれど(そういえば、こないだXvideo見てたら、波多野結衣の無修正ものが流れていて、あの人、顔もスタイルも肌もきれいだけど、あそこもすごくきれいでびっくりした。今、中国で蒼井そらの後を襲う勢いだそうだ)、愛とは、恋とは、とか、そんな恥ずかしいことはとても書けない。

 今の世の中、性の情報はあふれかえっているし、セックスの話はオープンにするのに、たとえば、須賀敦子の若い時みたいに、女の子どうしで夜っぴて『人間のしるし』について語り合うなんてことは起こりうるはずもない。

 内田樹がどこかでいっていたことを私が誤解していないとしたら、‘青春’は、‘近代’に特異的な事象であり、‘恋愛’が‘青春’の一局面であるとすれば、近代がようやく終わろうとしながら、それでもまだ近代の価値観を完全に客体視できない今、‘恋愛’は、とてつもなく狭い川幅を流れているか、さもなくば、すでに伏流水として地下に潜っているか、それを小説家が見つけ出すのは、ツルゲーネフの時代ほど一筋縄ではいかなくなっているのはたしかだろう。

 小林信彦の『つなわたり』を読んだ(前置きながっ!)。すごくおもしろい(結論みじかっ!)。

 小林信彦は、その今という時代に恋愛小説が可能な水脈を発見したわけである。まさか恋愛小説だったとは。してやったりと思ってるに決まってる。どや顔で阿川佐和子のインタビューに登場していた。

 そのインタビューでいちばん意外だったのは、最近、筧美和子が気になっているとの発言。いままでずっと、おっぱい大きい子がきらいだったのにな。

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2015-04-19 桂文枝 春風亭小朝 東西落語名人会

knockeye2015-04-19

 神奈川県民ホールで、「桂文枝 春風亭小朝 東西落語名人会」を聴いた。

 演目は

 桂三語 「桃太郎」

 春風亭小朝 「男の花道」

 桂三歩 「ないしょ話」

 桂文枝 「喫茶店の片隅で」

 まず、前座の桂三語てふ人の「桃太郎」は、前座というと、場を整えるだけみたいな噺にならざるえないことが多いのに、自分でひとくふう加えていて、なかなか斬新な「桃太郎」になっていたのには感心した。

 それから、桂三歩さんは、わたしは関西を離れて長くなるので、このひとのごく若い頃、タレントとしてテレビに出ていたころのことしか憶えていなかったが、なかなかどうして噺家として自分のスタイルをつかんだらしい、よい仕上がりになっていた。

 タレント桂三枝にではなく、噺家桂三枝について研鑽した跡が見える。べつに大げさではなく、こころざしが人を運ぶという実例を見せられた気がしてうれしい気がした。「ないしょ話」は人物のキャラクターが立っているし、それが三歩自身のキャラクターにも合っていて小品ながら上出来。

 春風亭小朝の「男の花道」を聴いていて、思いがけず涙ぐみそうになった自分に驚いた。ストーリーは実に他愛もない。江戸時代、大阪の人気役者だった某が江戸へ下る道すがら、たまたま同宿した貧乏医者に救われる。それで、この恩には一筆「参れ」としたためてくだされば、何をおいても参上すると約束したその三年後、今度は、医者の方が、時の権力者との酒の席でのいざこざで、某役者を呼ばざるえなくなるが、そのころ役者の方は座の真っ最中、さてどうなるかというようなことである。近年の落語ブームの背景には、江戸時代の価値観の中で、とくにこうした「信義に篤い」という価値観の再評価があるだろうと思う。

 桂文枝の「喫茶店の片隅で」はもっと練って絞れる噺だと思う。

 桂文枝は、ずっと新作にこだわってきた人で、また、そういう創作ができる人なんだけれど、推測にすぎないけれど、たぶん、書いて創ってしまう人なんだと思う。それはかまわないけれど、高座に上げる段階では、書いたものの匂いを消していなければならないと思う。作為が見えるというのとはまたちがって、ライブ感が損なわれるというのか、英語をしゃべれるひとが英語で語るスピーチと、いったん日本語で書いて翻訳したスピーチの差というか、そういう感じがあった。

 それは、今回の場合ではまくらと本題の違いからもわかる。まくらは、昨年、一昨年の小朝との会でのエピソードで、これはすごく面白かった。まくらが面白いということは、その噺家が面白いということなのだが、新作の噺家の場合は本題の面白さまで自分で責任を負わなければならないところがつらいところ。古典落語だと、たとえば、昨日書いた「土橋万歳」とかは面白くないのは百も承知で聴きに行くわけだから。

 「喫茶店の片隅で」は、カフェ全盛のご時世、なんとなく時代がかってきた「喫茶店」に着目したのはよいセンスだと思う。それで登場人物が多くなったのは、あくまで喫茶店という場が主役の、群像劇にしたかったからだろうと思うが、登場人物とエピソードが羅列されすぎて、やはり聞いているこちらとしては分かりづらい。

 古典に似たような群像劇を求めると「長屋の花見」なんかがそれだろうと思うが、あれは、「貧乏長屋の連中が花見にくりだすとどうなるか」という太いプロットがあるので、エピソードが羅列的であっても聞いていてわかりやすい。今回はそのプロットが弱いので長く感じる。

 修正案としては、オチのところのおかまの親子の再会を全体を貫くプロットにしてしまう。その再会の場に喫茶店を貸してくれと頼みにくる常連客と店主の会話で小ネタは処理できると思う。魅力的なおばはんキャラの会話は、その途中で常連客の嫁さんが邪魔に入ることにすればよい。喫茶店で内密な話をしているんだから、客が来て邪魔が入いるくらいのほうが臨場感がある。

 それで、最後に「見てください、これがお父さんの写真です」となったときに、「まあ、いい男やないの・・・あれ?ちょっと待って、これアケミやないの。三年前までここで店持ってたわよ」「エエっ?!」みたいなことでね。オチまで思いつかないけど、たとえば、「アケミやないの、えらいカマトトぶって」「それはおねえさん、かまのととですもん」とか。

 ゲーテが(こういうときにはゲーテを持ち出すにかぎる)『詩と真実』に、「書くことは話すことの情けない代用にすぎない」と書いている。『若きウェルテルの悩み』がバカ売れしたころ、各地を講演旅行してまわった。ゲーテ自身も人前で話すのが好きだったらしく、けっこうドッカンドッカンうけていたらしい。その頃のことを回想した一節だったと思う。

 いずれにせよ、書くことと話すことは別の技術にはちがいないだろう。落語はどこまでも話で、同じ話でも誰かから聞く楽しみと、書いたものを読む楽しみはまた別だからこそ、落語という芸が21世紀の今も成立する。

 落語の映画化はけっこうむずかしくて、うまくいっているのは「幕末太陽傳」くらいだと思う。あれはたぶん日本映画界の職人的なレベルが経済的なバランスの臨界点ぎりぎりまで高くなっていた時代の奇跡だろう。あんなどうということもない話に、品川遊郭のディテールをあそこまで再現するすごさは、映画を作る裏方の技術が、ストーリーとかプロモーションとか映画の表側を完全に凌駕している。逆にいえば、そういうことがすんなりできる技術集団がいなければ、落語は映画化できないのかもしれない。

 だが、映画の落語化はたぶんそんなにむずかしくない。それは浜村純が証明している。彼の映画紹介なんて、もうすこし練るとそのまま落語になる。それは映画を落語で語るとき、落語の方は、かみしもの使い分けでひとりでボケとツッコミをやりつつ、ト書きの部分も語りで処理できるからだ。ただし「バードマン」を落語にできるかというと、それはかなりチャレンジングでしょう。だから、他のスタイルにできない、他のスタイルにすれば消えてしまう表現に価値がある。

 ただ、常にそういう他の分野の刺激は必要だろう。たとえば「土橋万歳」にしても、今では意味が分からなくなっているが、元は、芝居のパロディなのである。だから、元の芝居がポピュラーだったころの観客は、今とは違う受け止め方をしていた。だから古典として生き残っている。今回の「喫茶店の片隅で」にも、テレビのワイドショーネタ、歌謡曲ネタなどが入り込んでいる。これからは、インターネットのSNSネタなんかも取り入れる噺家が出てくるだろう。

 ダウンタウンの松本人志が、いま漫才をやらない理由について、漫才というのは、客の前で何回も繰り返しやっているうちにかたちになるので、突然やれといわれてもできないと言っていた。おそらく新作落語も何度も高座にかけていくうちに固まっていくものだろう。今回の「喫茶店の片隅で」も、これからだんだん練れていくのではないかと思う。そういう意味では、落語の人気が復興して、上方落語でいえば繁昌亭のような常打ちの小屋もでき、各地で落語会が人を呼べるようになった状態でようやく新作が生まれる状況が整ったといえるのだろう。桂文枝もそうだが、桂雀三郎、笑福亭仁智といった新作の人たちが、もうすこし注目されてもよいように思う。



 

 

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2015-04-17 「マジック・イン・ムーンライト」

knockeye2015-04-17

 米朝師匠が亡くなったのに、このブログで何も書かなかったのは薄情なようだけれど、米朝師匠の場合は、何年も前から、少しずつ少しずつ準備をなされていたかの感があり、大往生としか言いようがないものを、今さら駄文を書き連ねるのも、何か空々しいとしかおもえなかった。

 私が初めて米朝師匠の(ところで、関西人はまず例外なく「米朝師匠」と呼称する。噺家でも、弟子でもなくても。「桂米朝」などと呼び捨てにするのはよほどの田舎者か、北朝鮮のスパイだろう。)噺を聴いたのは、サンケイホールで「土橋万歳」だった。 それ以来、今に至るまで、他の噺家が「土橋万歳」というネタをやるのを聴いたことがない。初心者にふさわしいネタであったかどうか疑問だが、それでも、細部こだわって演じられる、奥行きの深い噺の世界に魅了された。落語という芸の楽しみそのものを教わった。米朝師匠はそういう存在だった。

 さて、「マジック・イン・ムーンライト」の話だが、毎年、ウディ・アレンの映画を観に行くようになって、これはなんか、米朝師匠の落語会を聴きにいく感じに似てるなと思い始めている。ウディ・アレンの映画のスタイルは、彼がNYでスタンダップコメディを演じていた頃の語り口を想像させる。小林信彦によると、声が小さすぎてあまり受けなかったという話だが。

 前回の「ブルー・ジャスミン」は、実を言えば、救いのない苦い悲劇なのを、ジャズをBGMに軽やかに語り終えた、ストーリーテリングのあざやかさに感服したのだったが、今回の「マジック・イン・ムーンライト」も実に小粋だ。「ブルー・ジャスミン」は、思いがけず(というと失礼だが)、ケイト・ブランシェットがアカデミー賞を獲得したわけだが、もし、デートにオススメするなら、まちがいなくこっちだ。

 「英国王のスピーチ」のコリン・ファースが、皮肉屋のマジシャンを演じている。台詞の中にも「ミザントロープ」という単語が出てきたように思う。英語が聞き取れるわけではないが、「ミザントロープ」は、モリエールの戯曲のタイトルだし。「人間ぎらい」とか訳されているが、「ミザントロープ」という言葉は、どうも元のフランス語のまま世界中に通用しているようなのがなんとなく可笑しい。

 コリン・ファースのその「ミザントロープ」ぶりが、なんと言っても(いまプロットの転換点になっているあるシーンを思い出して笑っているところ)ちょっとしたものだが、思い出してみれば「ブリジット・ジョーンズの日記」のころから、この人のオハコというか、モチネタというか、そういうものかもしれない。

 ヒロインは、「バードマン」で、マイケル・キートンの娘役を演じたエマ・ストーン。1920年代のファッションが話題になっていたが、この頃と「バードマン」までの間には、大恐慌と数え切れない戦争が挟まっているわけだが、「グランド・ブダペスト・ホテル」とか、邦画で言えば、「小さいおうち」とかに描かれたモダニズムの時代に、人々が多分なんとなく信じていた人間性への信頼を、私たちは思い出してみてもいいわけである。というか、こうした「あたりまえ」の人間性を声高な教条主義に否定させないことを私としては信条にしているつもりでいる。

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2015-04-14 山口小夜子 未来を着る人

knockeye2015-04-14

 東京都現代美術館で、山口小夜子の展覧会「山口小夜子 未来を着る人」を観にいってきました。

 山口小夜子の美しさは今でも色褪せない。タレントやアイドルにも、きれいな人はいっぱいいるけれど、彼女らはむしろみずからすすんで、自分のイメージを消費に提供しているようにみえる。というか、「これってこういうお仕事でしょ?」と、自分のイメージが消費されていくことを、当然のように受け入れているように見える。

 しかし、山口小夜子は消費されない。たぶんイメージを消費しているのは彼女の方なんだろう。わたしたちの山口小夜子像は、見るたびに山口小夜子に奪われてしまう。山口小夜子のイメージを支配しているのは、どこまでも山口小夜子なのだ。そのイメージは山口小夜子の表現なのであって彼女のレジュメではないのだ。表現者として表現の場にいることを確信している、その表現者としての姿が美しい。

 山口小夜子が、パリコレのモデルとして活躍を始めた70年代のその当時、ファッションデザイナーでさえたぶん表現者と認知されていなかったのではないか。ましてや、ファッションモデルについてのイメージはまだ明確な像さえ結んでいなかったのではないかと思う。

 そういうときに山口小夜子の表現は、ショーでも、写真でも、明らかに確信している。服を着ること、メイクをすること、歩くこと、動くこと、それどころか、存在すること自体が表現に徹していて、そこに、かけらほどのナルシシズムもない。小夜子の存在が場を支配しているが、そんな時の小夜子は、自我など歯牙にもかけない。

 東洋人として、初めてのパリコレモデルであるので、東洋人の美しさが認知されたように言われることがあるとしたら、それは間違いだと思う。あれは山口小夜子の美しさなのであって、東洋人であろうが、西洋人であろうが、誰も真似できない。だからこそ、多くのデザイナー、カメラマン、画家たちを惹きつけてきた。

 今になって、「山口小夜子とは本当はどんな人だったろう?」とか考えてしまうのは、おのれの凡庸を明かすことにしかならないだろう。今でも、山口小夜子の美しさは圧倒的で、誰かの考えた山口小夜子の「実像」などというものは、彼女の遺したイメージにたちまち焼き尽くされてしまうだろう。

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