Übungsplatz〔練習場〕 このページをアンテナに追加 RSSフィード Twitter

2038-10-02

Nobuhiro Fukui | web exhibition

MD et / und GR [MD_et_und_GR]

Feburary 18, 2014 - October 2, 2038

on the internet

http://j.mp/MD_et_und_GR_03

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2014-10-30 “ ”(全角アキ)

“ ”(全角アキ)


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2014-10-29 “しかし、その意味は、公共および個人のまま。彼らはこの非常に特別

“しかし、その意味は、公共および個人のまま。彼らはこの非常に特別な人と交雑していなかった場合、多くの命が違っていただろう。確かに私の人生。”


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Vancouver Art in the Sixties / Christos Dikeakos with Lorna Brown

http://vancouverartinthesixties.com/interviews/christos-dikeakos


◇ Vancouver Art in the Sixties / Ingrid Baxter with Grant Arnold

http://vancouverartinthesixties.com/interviews/ingrid-baxter


>>>Urban Renewal: Ghost Traps, Collage, Condos, and Squats - Vancouver Art in the Sixties

http://d.hatena.ne.jp/n-291/20140413#p2

Lothar Baumgarten Unsettled Objects - Google 検索

https://www.google.co.jp/search?q=Lothar+Baumgarten+Unsettled+Objects&es_sm=91&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=Bp1QVPq9OOSOmwWiuoKwAw&ved=0CCEQsAQ&biw=1436&bih=806


◇ Lothar Baumgarten - Wikipedia, the free encyclopedia

Lothar Baumgarten (born 1944) is a German conceptual artist, based in New York and Berlin.[1] His work includes installation and film.

Born 1944 in Rheinsberg, Germany, Baumgarten attended the Staatlichen Akademie für bildende Künste, Karlsruhe (1968) and the Kunstakademie Düsseldorf (1969–71), where he studied for a year under Joseph Beuys.[2][3]

Baumgarten's body of work has included ephemeral sculptures, photographic work, slide projection pieces, 16 mm film works, recordings, drawings, prints, books, short stories, as well as site-specific works and wall drawings and architecture related interventions.[4]

Between 1968 and 1970, Baumgarten undertook a systematic photographic study of how several European ethnographic museums frame the viewer's perception through the manner in which their objects are displayed. The eighty Ektachromes that comprise Baumgarten's slide projection Unsettled Objects (1968–69) show artifacts at the Pitt Rivers Museum in Oxford, displayed much as they were when it was opened to the public in 1874.[5]

http://en.wikipedia.org/wiki/Lothar_Baumgarten

Imi Knoebel - Google 検索

https://www.google.co.jp/search?q=Imi+Knoebel&es_sm=91&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=WldQVMj7L-bwmAWTi4LwCw&ved=0CCEQsAQ&biw=1436&bih=806


◇ Imi Knoebel - Wikipedia, the free encyclopedia

Imi Knoebel (born Klaus Wolf Knoebel; 1940) is a German artist. Knoebel is known for his minimalist, abstract painting and sculpture. The "Messerschnitt" or "knife cuts," are a recurring technique he employs, along with his regular use of the primary colors, red, yellow and blue. Knoebel lives and works in Düsseldorf.

Knoebel was born in Dessau, Germany, in 1940.[1] From 1962–64 he studied at the Darmstadt "Werkkunstschule", in a course based on the ideas of the pre-Bauhaus course taught by Johannes Itten and László Moholy-Nagy. From 1964 to 1971, he studied under Joseph Beuys at the Kunstakademie Düsseldorf with fellow students Blinky Palermo (with whom he shared a studio), Jörg Immendorff and Katharina Sieverding.[2]

http://en.wikipedia.org/wiki/Imi_Knoebel

Artists Space - Wikipedia, the free encyclopedia

Artists Space is a non-profit art gallery and arts organization that was first founded in 1972 in the Tribeca area of New York City. It is now located in Soho. Artists Space has been the site of provocative discussion and experimentation within contemporary artistic debate, from the postmodern image (Douglas Crimp’s Pictures, 1977) to identity politics (Adrian Piper’s It’s Just Art, 1981), to institutional critique (Michael Asher’s Untitled, 1988) to post-conceptualism (Robert C. Morgan's Turkish Bath installation, 1976) and the AIDS Crisis (Nan Goldin’s Witnesses: Against our Vanishing, 1989).

Artists Space was founded in 1972 by arts administrator Trudie Grace and critic Irving Sandler as a pilot project for the New York State Council on the Arts (NYSCA), with the goal of assisting young, emerging artists. Artists Space quickly became a leading organization in the downtown alternative arts scene in New York, which also included burgeoning institutions such as the 112 Workshop (later renamed White Columns), and the Institute for Art and Urban Resources (later named MoMA PS1).

During its first year, Artists Space exhibitions were organized under the strict guidelines of artists chosen to select other artists to exhibit. Other early efforts to engage and help artists included the Emergency Materials Fund, which assisted artists with the presentation of their work at an established nonprofit venue, and the Independent Exhibitions Program, which supported the needs of artists who were involved in the production and presentation of work outside the context of an existing institutional structure. Through the decades, Artists Space has adapted to the shifting needs and concerns of artists and audiences in and outside of New York.

Artists Space has introduced a number of artists to a wider public, amongst them Jack Smith, Joan Jonas, Cindy Sherman, Jeff Koons, Sherrie Levine, Donald Sultan, Louise Lawler, Allan McCollum, Matt Mullican, Laurie Anderson, Barbara Bloom, John Baldessari, Haim Steinbach, Ashley Bickerton, Peter Halley, Lari Pittman, Stuart Sherman, Barbara Kruger, Laurie Simmons, Fred Wilson, Felix Gonzalez-Torres, Mike Kelley, Robert Longo, and Jenny Holzer.

In 1978 a punk subculture-influenced noise series was held at Artists Space that led to the Brian Eno-produced recording No New York, documenting James Chance and the Contortions, Teenage Jesus and the Jerks, Mars, and DNA.[1]

In March, 2007, Artists Space hosted the exhibition REALLIFE Magazine: 1979-1990 curated by Kate Fowle. The show looked at the period 1979-1990 through the lens of this publication and its extraordinary roster of contributors; including Eric Bogosian, Glenn Branca, Critical Art Ensemble, Jack Goldstein, Kim Gordon, David Hammons, Ray Johnson, Barbara Kruger, Louise Lawler, Sherrie Levine, Sol LeWitt, Robert Longo, Ken Lum, Allan McCollum, Richard Prince, David Robbins and Cindy Sherman.[2]

http://en.wikipedia.org/wiki/Artists_Space

Douglas Crimp - Wikipedia, the free encyclopedia

Douglas Crimp (born 1944) is an American professor in art history based at the University of Rochester.

Crimp has been an important critic in the development of postmodern art theory. In 1977 he curated the influential exhibition Pictures at Artists Space, presenting the early work of Sherrie Levine, Jack Goldstein, Phillip Smith, Troy Brauntuch, and Robert Longo. Two years later he elaborated the discussion of postmodern artistic strategies in an essay with the same title in October, including Cindy Sherman in what was to be known as The Pictures Generation. In his 1980 October essay On the Museum's Ruins he applies the ideas of Foucault to an analysis of museums, describing them as an "institution of confinement" comparable to the asylums and prisons that are the subjects of Foucault's investigations.[4] His most important work on postmodernist art and institutional critique was published in the 1993 book, On the Museum’s Ruins.

In 1985, Crimp was one of numerous art critics, curators, and artists who spoke at a General Services Administration hearing in defense of Richard Serra's controversial public sculpture Tilted Arc, which had been commissioned as a site-specific piece for Federal Plaza in New York and was ultimately removed in 1989.[5]

In 1987 Crimp edited a special AIDS-issue of October, entitled AIDS: Cultural Analysis/Cultural Activism. In his introduction to the edition Crimp argued for "cultural practices actively participating in the struggle against AIDS and its cultural consequences."[6] During this time he was an active member of the AIDS-activist group ACT UP in New York. Mourning and Militancy (1989) discusses the connections between the artistic representations of mourning and the politic interventions of militancy. Crimp argues that these two opposing positions should be allowed to co-exist.[7] In 1990 he published a book entitled AIDS Demo Graphics on the activist esthetics of ACT UP together with Adam Rolston. Crimp’s work on AIDS has been seen as an important contribution to the development of queer theory in the US. In 2002 he published all his previous work on AIDS in the book Melancholia and Moralism – Essays on AIDS and Queer Politics.

Crimp is currently working on memoir with the working title Before Pictures, on the relationship between the art world and the gay world in New York in the 1960s and 1970s.

http://en.wikipedia.org/wiki/Douglas_Crimp

Ray Metzker - Light Lines on Vimeo

https://vimeo.com/49301704


◇ The Photography of Ray K. Metzker and the Institute of Design (Getty Center Exhibitions)

Ray K. Metzker's Photographic Journey

Ray Metzker has repeatedly pushed an idea or a technique to the extreme, discovering its limits and its potential. With the conclusion of each of these forays to the edge, he has changed course dramatically.

Metzker titles and groups his images based on their location or technique. Collectively his various series represent an artistic vision that merges the realities of modern life with the intrinsic expressive possibilities of the photographic medium.

http://www.getty.edu/art/exhibitions/metzker/metzker.html

予言の自己成就とは - コトバンク

たとえ根拠のない予言(=噂や思い込み)であっても、人々がその予言を信じて行動することによって、結果として予言通りの現実がつくられるという現象のこと。 例えば、ある銀行が危ないという噂を聞いて、人々が預金を下ろすという行動をとることで、本当に銀行倒産してしまう、というもの。 このような社会現象メカニズムを、アメリカ社会学者マートンは「予言の自己成就」と名付けた。 これは、W・I・トマスの「もし人が状況を真実であると決めれば、その状況は結果において真実である」という定理をさらに展開した理論といえる。

https://kotobank.jp/word/%E4%BA%88%E8%A8%80%E3%81%AE%E8%87%AA%E5%B7%B1%E6%88%90%E5%B0%B1-178692


◇ 予言 - Wikipedia

自己成就予言

自己成就予言(じこじょうじゅよげん)、もしくは予言の自己成就(よげんのじこじょうじゅ)(英、self-fulfiling prophecy)とは、予言をした者もしくはそれを受け止めた者が、予言の後でそれに沿った行動を取る事により、的中するように導かれた予言の事であるジェロラモ・カルダーノの最期や、ノストラダムス2世の最期と伝えられる逸話などが当てはまる。また、より身近な例として、星座占い血液型性格分類銀行取り付け騒ぎも、示された結果を受け止めた者が、(意識的にせよ、無意識的にせよ)それに沿った行動を取る事で、当たっていると錯覚しているケースのあることが指摘されており[5]、これも一種の自己成就予言と言える。この語は、社会心理学の用語としても用いられる[6]。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E4%BA%88%E8%A8%80#.E8.87.AA.E5.B7.B1.E6.88.90.E5.B0.B1.E4.BA.88.E8.A8.80

▶ 【Preview】遠藤誉氏:チャイナマネーに買われる香港民主主義 - YouTube

http://www.videonews.com/

マル激トーク・オン・ディマンド 第707回

チャイナマネーに買われる香港民主主義

遠藤誉氏(東京福祉大学国際交流センター長)

 香港民主化を求めるデモが続いている。

 今回のデモは8月31日中国政府が発表した、香港行政長官選挙の新制度案に反発し­た市民たちによるもの。現行制度では一部の特定団体に所属する1200人の選挙委員に­よって行政長官選挙は行われていて、約350万人の有権者には事実上投票権が無い状態­が続いてきたが、北京政府は2007年に一人一票の民主的選挙制度の導入を約束して­いた。ところが、今回、中国政府が示した新制度案は、投票権こそ全有権者に与えられる­ものの、候補者事実上中国政府の意に沿う者に限られるという、上辺だけの普通選挙­に過ぎないものだった。

 香港1997年英国から中国に返還されて以来、中国の施政下にあるが、北京政府は­返還から50年間は一国二制度を維持し、香港民主制を守ることを約束していた。しか­し、今回の中国政府対応で、その約束が空約束だったことが明らかになり、反発した学­生らが現職行政長官の辞任とともに、民主的普通選挙の実施を求めて抗議デモが始まっ­た。

 しかし、デモの発生から1ヶ月が過ぎても、香港政府は新制度案は覆すことはできないと­いう立場をとり続けている。

 中国国内情勢に詳しい東京福祉大学国際交流センター長の遠藤誉氏は「中国は50年後の­2047年に向けて一国一制度に移行するための準備を着々と進めているに過ぎない」と­指摘する。現在の香港中国の一行政区日本で言う都道府県のような位置付けにある。­いまは資本主義が許されている一行政区を今後33年かけて中国本土の政治体制に移行さ­せようというのが中国側の思惑のようだ。…

 問題はこの問題が香港だけにとどまらない可能性が大きいことだ。チャイナマネーは世界­中のあらゆるところに進出しているが、特に台湾が徐々に香港と似たような道を歩み始め­ている。台湾でも経済界中国なしには成り立たない状態になりつつあり、中国政府を批­判する言論の自主規制が始まっていると遠藤氏はいう。

 しかし、その中国自身も大きな問題を抱えている。指導層や政府高官に蔓延する汚職と、­経済成長に伴って拡大している貧富の格差が、もはや危機的状況にあると遠藤氏は言う。­ここに来て習近平汚職の摘発に本腰を入れているが、汚職による公金の横領は50兆円­にも及び、毎年2万人が汚職によって逮捕起訴されているという異常な事態を招いている­。伝統的に縁故と賄賂によって社会が回ってきた歴史のある中国だが、汚職をこれ以上放­置することは国家体制の維持を困難にするほどの重大問題になっていると遠藤氏はいう。

 さらに経済格差の拡大に歯止めがかからないことも国内の不満を高める要因になっている­。中国小平の提唱した富める者から先に富もうという先富政策によってこれまで格差­を容認してきたが、今や人口の0.4%の裕福層が国内の約6割の富を独占している状況­で、不満を持った貧困層による暴動が中国各地で年間20万件も起きているという。これ­は毎日500件以上の暴動が中国のどこかで起きているというということだ。

 元々先富政策はいずれはその富を平等に分け合う共富政策に転換することが前提だったが­、ここで経済政策を転換し、約3億人の貧困層が豊かさを実感できる状態を作らなければ­、現在の共産党一党独裁体制が正当性を維持することは難しいことは中国政府も自覚して­いるようだ。だからこそ習近平政権は、腐敗撲滅と格差是正を最優先課題に掲げているの­だと、遠藤氏は指摘する。

 今回の香港民主化デモとそこから見えてくる中国の動向、そしてその中国とわれわれはど­う向き合うべきかなどについて、中国問題の専門家、遠藤誉氏とともにジャーナリストの­神保哲生社会学者宮台真司が議論した。

https://www.youtube.com/watch?v=R-aIjS_f5CY#t=153

喜安 朗『パリの聖月曜日 ―― 19世紀都市騒乱の舞台裏 ――』(岩波書店

19世紀初頭のパリで繰り返された民衆騒乱の背景には何があったのか.労働者月曜日も痛飲して休みにしてしまう「聖月曜日」の習慣,路上で物売りをして生計をたてる人々,コレラ流行の際に流れた毒薬散布の噂,居酒屋でつくられる仲間同志の絆…….近代初めの都市の日常生活世界を生き生きと描き出した社会史の傑作.

http://www.iwanami.co.jp/.BOOKS/60/6/6001910.html

 「花の都」と呼ばれ,ヨーロッパ芸術・文化の中心として多くの文人たちの憧れの的となった都市パリ.しかし,19世紀前半,とくに下層労働者たちの住む街区において,この都市がどのような状態であったのかを知れば,多くの人は肝をつぶすにちがいない.

 上下水道は整備されておらず,地方から流入してくる出稼ぎ労働者たちの住む貧民街は不潔きわまりない状態で,糞便は五階の便所からあふれ出,住民たちは屑の上に寝ていた.また,値段の高い風呂屋を利用できない民衆は,セーヌ川の水浴場で身体を洗っていたという.

 フランス革命後のパリは,医療・交通・警察教育など,あらゆる近代的社会制度が未整備な状態で,しかも旧制度下に存在した中間社団は解体してしまっていた.そのなかで人々は,「聖月曜日」(労働者が,日曜日ばかりか月曜日まで痛飲して仕事を休みにしてしまう習慣)に象徴される自律的な生活習慣を保ち,「関の酒場」などを中心とする人的結合関係を築いていた.そして,そこに暮らす人々の自由自律的なありかたが,いわば労働者独自の「文化」をつくりあげ,七月王政期のストライキ運動を支えていた,というのだ.

  本書は,このような近代初頭の都市民衆の生活空間のありかたを,当時の公衆衛生学者警察調査報告などから日常生活の細部にそくして生き生きと描く,歴史叙述の傑作であるコレラ流行の際にさえ,人々は病院に収容されることを嫌がり,あまつさえ当局によって毒薬が散布されたという噂が広まり暴動が起きかかるエピソードなどは,当時の民衆の心的態度を象徴しているようで興味深い.小説映画だけではわからない,もう一つの19世紀パリの世界が,ここにある.

(現代文庫編集部中西沢子)

http://www.iwanami.co.jp/moreinfo/6001910/top.html

再録(http://d.hatena.ne.jp/n-291/20140604#p3

セバスティアンブラントと『阿呆船』 - CiNii 論文

拙論は、フランスアルザスのルネサンス時代において、その当時最も優れた文学作品ひとつである風刺詩集『阿呆船』と、その著者セバスティアンブラント(1458-1510)を取り上げる。『阿呆船』は現代フランス思想史ミシェル・フーコーがその『狂気の歴史』において、狂気についてのすぐれた文学的例証であると指摘した作品であるブラントの『阿呆船』は、ゲーテの『若きウェルテルの悩み』に先駆するヨーロッパ世界で最初のベストセラー作品となり、もっとも読まれる作品となった。ブラントバーゼル大学法学部に学び、のちに母校の法学部長を長く勤めた後、生まれ故郷のストラスブールに戻って市参事会書記に転進し、ストラスブールの名声を高めるとともにアルザス人文主義(ユマニスム)を発展させている。拙論はブラントの生涯と当時のストラスブールの文化状況(活版印刷術の発明など)についても考察する。

http://ci.nii.ac.jp/naid/110006607310


◇ 阿呆船 - Wikipedia

『阿呆船』(あほうせん) Das Narrenschiff は、15世紀ドイツ作家セバスティアンブラントSebastian Brantによって書かれた諷刺文学である。1494年にバーゼルで刊行された。1497年にはラテン語訳も刊行され、その後英語フランス語オランダ語など各言語に翻訳されて16世紀ヨーロッパにおけるベストセラーになった。

ありとあらゆる種類・階層の偏執狂、愚者、白痴、うすのろ、道化といった阿呆の群がともに一隻の船に乗り合わせて、阿呆国ナラゴニアめざして出航するという内容である。全112章にわたって112種類の阿呆どもの姿を謝肉祭の行列のごとく配列して、滑稽な木版画の挿絵とともに描写しており、各章にはそれぞれに教訓詩や諷刺詩が付されている。巻頭第一章を飾るのは、万巻の書を集めながらそれを一切読むことなく本を崇めている愛書狂(ビブロマニア)であり、ここでは当時勃興した出版文化の恩恵に与りながら、有効活用もせず書物蒐集のみに勤しむ人々を皮肉っている。その他にも、欲張りや無作法、権力に固執する者などが諷刺されている。本書は同時代ドイツにおける世相やカトリック教会の退廃・腐敗を諷刺したものとされる。

「阿呆船」の題名は、新約聖書のルカ福音書にあらわれる「ペテロの舟」を意識したものらしい。

和訳は、現代思潮新社の叢書「古典文庫シリーズより上下二巻として刊行されている。翻訳者は尾崎盛景。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E9%98%BF%E5%91%86%E8%88%B9


◇ 小俣和一郎『近代精神医学の成立』など (阿呆船は実在したか) - 本読みのつまずき

「阿呆船」Narrenschiff は「愚者の船」などとも訳されますが、今でいう精神病患者などを乗せて水上を彷徨う船舶を意味し、こうしたモチーフは15・16世紀ごろの北方ヨーロッパの習俗や文学・絵画などに散見されます。代表的なところでは15世紀末にバーゼルで出版された『阿呆船』と題された風刺文学 (セバスティアンブラント作) がヨーロッパ中で大ヒットし、また同時期のフランドル画家ヒエロニムス・ボスもこれを題材にした作品を残しています。

さて、こうした船が歴史的に実在したのか否かがここでの問題です。フーコーは『狂気の歴史』(1961年) でそれを実在の船であると述べており、今回取り上げる小俣の著作も同様です。しかし、結論からいえば専ら狂人を乗せて都市から都市へと移動するような「阿呆船」が歴史的に実在したと信ずるに足るような論拠はない、というのが衆目の一致するところであるように思います。

小俣の著作に疑問を感じるのは、フーコー仕事からすでに40年ちかくが経過し、フーコーへの批判も1980年代初頭にすでに唱えられていたにも関わらず、やはりフーコーと同じ過ちを犯しているように思えるために他なりません。

http://d.hatena.ne.jp/distracted/20100309


◇ 本の紹介 『阿呆船』(ゼバスチャン・ブラント、尾崎盛景訳、現代思潮社、新装版 2002年 原版 1968) - 「アタマの引き出し」は生きるチカラだ!

http://e-satoken.blogspot.jp/2010/01/2002.html


◇ Sebastian Brant - Wikipedia, the free encyclopedia

http://en.wikipedia.org/wiki/Sebastian_Brant


◇ ヒエロニムス・ボス-愚者の船-(画像壁紙

http://www.salvastyle.com/menu_renaissance/bosch_ship.html

2014-10-28 “コメントやページの数十に印刷さ挑発的なフェードせずに走った写真

コメントやページの数十に印刷挑発的なフェードせずに走った写真シリーズに示す”


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訃報赤瀬川原平氏 | Art Annual online

(2014年10月28日追記)

瀬川氏の逝去に際し、氏が新美術新聞(1984年6月21日号)に寄せたエッセイ「パイクの居眠り」を転載します。同エッセイ1984年西武美術館(東京池袋)での個展のために来日したヨーゼフ・ボイス赤坂草月ホールナム・ジュン・パイクと行った「アクションピアノパフォーマンス」を観て執筆されたものでした。

http://www.art-annual.jp/news-exhibition/news/42221/

超芸術トマソン報告用紙:::Hyperart Thomasson

http://thomasson.kaya.com/about.php

私自身は、トマソン面白いと思ったことは、ほとんどありません。

音楽ネタUFo 確認したくない飛行物体 - YouTube

確認したくない飛行物体


音楽秋元きつね 1998

映像秋元きつね 2001-2008

Yokohama Triennale 2001

秋元きつね 横浜トリエンンーレ2001に出品

PSゲームせがれいじり」のテーマソングに使用

CD&iTunes「セケンのヨウス」に収録

http://youtu.be/mKLMnnxSPAc

[]向後兼一さんのウェブサイト

◎ Kenichi kohgo.net

http://kenichikohgo.net/

資料として。

2014-10-27 “何度も何度も「風の中の鼻」から民俗学者”

“何度も何度も「風の中の鼻」から民俗学者


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U B U W E B :: Iain Baxter - Statements

Statements (1970)

Iain Baxter (President, N.E. Thing Co. Ltd.)


“I feel I am the new Hudson River School traditionalist, using water, air, sky, land, clouds, and boats.”


Canvas, which should be left for the tent- and awning-makers, is returning in my work in the form of tents and awnings.”


Magazine reproductions are part of today’s landscape.”


“N.E. Thing Co. is anything.”



* Quotes from the catalogue of the “Conceptual Art and Conceptual Aspects” Exhibition, 1970. The New York Cultural Center, New York.

http://www.ubu.com/papers/baxter_statements.html


◇ IAIN BAXTER&: Conceptual Artist AND... - YouTube

http://youtu.be/laWClngIpbg


過去のIain Baxter関連

http://d.hatena.ne.jp/n-291/searchdiary?word=Iain%20Baxter

2014-10-26 “作るの実装で同時に計り知れない喜びに鋭い知性の彼の稀なブレンド

“作るの実装で同時に計り知れない喜びに鋭い知性の彼の稀なブレンド、高い芸術と大衆文化の間で怖いもの知らずの-貪欲な-ホアヒン前後振動を生成しなけれユニークです”


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Eva Respini on James Welling - YouTube

Eva Respini is Curator in the Department of Photography at the Museum of Modern Art, New York, and has organized numerous exhibitions, including the recent Cindy Sherman retrospective (2012), Boris Mikhailov: Case History (2011), Staging Action: Performance in Photography since 1960 (co-curated, 2010), and Pictures by Women: A History of Modern Photography (co-curated, 2010). Respini's interview with Welling appears in the catalogue accompanying James Welling: Monograph.


http://hammer.ucla.edu//show_id/2084578/

http://youtu.be/BVU5SQCdc2o

Fotomuseum Winterthur | Blow Up - YouTube

Zur Ausstellungseröffnung BLOW-UP – ANTONIONIS FILMKLASSIKER UND DIE FOTOGRAFIE interviewte art-tv den Kurator Thomas Seelig.

http://youtu.be/DeeRpL_ojok


◎ Fotomuseum Winterthur

http://www.fotomuseum.ch/

CANDIDA HöFER. DüSSELDORF / MUSEUM KUNSTPALAST on Vimeo

Candida Höfer. Düsseldorf

Museum Kunstpalast

14.09.2013 – 09.02.2014

Das Museum Kunstpalast zeigt erstmals eine Ausstellung von Candida Höfer, einen Über­blick von etwa 70 Werken, die im Laufe von 40 Jahren aus­schließlich in Düssel­dorf ent­standen sind. Präsentiert werden großformatige Einzelbilder, Bildergruppen, Projek­tionen und ein früher Film der Künstlerin, den sie 1975 gemeinsam mit Tony Morgan im Düssel­dorfer Eiscafé Da Forno drehte. Die meisten der Arbeiten waren bisher noch nicht öffent­lich zu sehen.

Candida Höfers Schaffen ist eng mit der Stadt Düsseldorf verbunden. Hier fand ihre erste Einzelausstellung in einer Galerie statt, und hier ist sie auch seit Beginn ihres Studiums an der Kunstakademie bei Bernd Becher immer wieder auf neue, sehr unterschiedliche Motive gestoßen.

Seit 10 Jahren begleiten wir Candida Höfer in allen Bereichen Ihres künstlerischen Prozesses. Exklusiv für die Ausstellung in Düsseldorf wurde unser Dokumentarfilm um 10 Minuten verlängert. Wir zeigen Candida Höfer beim Fotografieren in Düsseldorf (Maxkirche, Rubenssaal), bei der Bilderauswahl in ihrem Studio und beim Hängen der Ausstellung.

Dieser Trailer entstand exklusiv für die Kunstsammlung NRW und zeigt Candida Höfer während Ihres Shootings im Rubenssaal und im Gespräch mit dem Generaldirektor Beat Wismer.

ein Film von Ralph Goertz

gefilmt mit HPX 200, AF 101, ARRI LWZ, Schneider Cine Xenar

© 2013 IKS-Medienarchiv

Alle Werke © Candida Höfer / VG Bild-Kunst 2013 / mit freundlicher Genehmigung

https://vimeo.com/74229761


◇ SMKP: Stiftung Museum Kunstpalast: 2013

http://www.smkp.de/en/exhibitions/archive/2013.html


◇ Candida Hoefer. Duesseldorf - Kunstmuseum Luzern

http://www.kunstmuseumluzern.ch/en/exibitions/candida-hoefer-duesseldorf/


◇ Candida Höfer Düsseldorf ARTBOOK | D.A.P. 2014 Catalog Richter|Fey Verlag Books Exhibition Catalogues 9783941263628

RICHTER|FEY VERLAG


Candida Höfer: Düsseldorf

Published by Richter|Fey Verlag

Edited by Gunda Luyken, Beat Wismer. Text by Lothar Baumgarten, Benjamin H.D. Buchloh, Fanni Fetzer, Friedrich Wolfram Heubach, Gabriele Hofer-Hagenauer, Candida Höfer, Erika Krugel, Gunda Luyken, Michael Oppitz, Friedemann von Stockhausen, Beat Wismer.


Alongside Andreas Gursky, Thomas Ruff and Thomas Struth, Candida Höfer (born 1944) belongs to the first generation of photographers that graduated from Bernd and Hilla Becher’s famous class at the Düsseldorf Arts Academy in the early 1980s. Since then, Höfer has traveled the world, photographing at a respectful distance the motifs that she encounters on her travels, whether single objects, architectural spaces or people. Her photographs of public spaces almost devoid of people--interiors, libraries, museums and entrance halls--are characterized by a cool objectivity and the precise rendering of detail. This publication gathers old and new work from the past four decades, with a special emphasis on the works produced in Düsseldorf since her time at the Arts Academy, and on works made since 2011.

http://www.artbook.com/9783941263628.html

Dying Technologies: the end of 35 mm slide transparencies | Tate

June 2011 – December 2012

Since the 1960s, a number of contemporary artists have adopted 35 mm slides for use as an artistic medium – attracted to them either because the technology was readily available, or because of their specific aesthetic qualities. Many artists also valued the sculptural aspects of the visible apparatus, and the impact this has on the experience of the work. In addition, a carousel slide projector creates a unique soundscape, with the whirr of the fan and the click of the motor as the carousel rotates and alternates the slides. Among the artists associated strongly with 35 mm slides are James Coleman, Francis Alÿs, Hilary Lloyd, Lothar Baumgarten and Nan Goldin.

http://www.tate.org.uk/about/projects/dying-technologies-end-35-mm-slide-transparencies


◇ Darsie Alexander, Charles Harrison, Robert Storr『Slideshow: Projected Images in Contemporary Art』(Penn State University Press, April 20, 2005)

“New babies just home from the hospital, children cavorting under the Christmas tree; weddings, receptions, birthday parties—these and many other happy memories live on through the magic of color slides.” —Kodak instruction manual, 1967

Interview with Darsie Alexander, Curator, BMA, August 2004


Since the Renaissance, most art has been prized because of the prodigious skills that went into its making. Why would any artist choose to work with slides?


It’s tempting to see slide projection as quick and easy. Indeed, many artists cite these qualities when explaining their initial attraction to the medium. But the process can be complicated, involving not only the creation of the transparency itself but also its arrangement, projected scale, and timing. A single carousel may contain as many as eighty images that must be numbered and ordered, a task that grows all the more complicated with the addition of each new slide grouping. When we rediscovered a piece by one of the performance artists in the exhibition, I thought he was going to cry. The prospect of putting the whole complex thing back together was painful, even though he was delighted to see his work again. Of course, slide projection is low-tech and notoriously accident-prone. But I think the medium owes a lot of its immediacy to its tendency as an apparatus to jam, to burn out a bulb, to turn a well-planned show into a logistical nightmare. Good art often courts disaster.


Is the development of slide art connected to the ferment of the 60s?


During the 1960s and 1970s, public projection of slides became a vehicle for social and political activism. Slide projection’s portability made this possible, enabling artists (Krzysztof Wodiczko, for example) to project powerful, challenging images onto public buildings. When Lucy Lippard wanted to publicize the exclusion of women from the Whitney Annual of 1970, she projected slides against the surface of the museum to protest its curatorial policies. This application of slides as critical commentary had historical precedents: in the 1880s, the photographer Jacob Riis used slides of the urban poor to arouse the concern of people who might have been able to help.


Did the strong associations of slides with family entertainment have any impact on the ways artists adapted the medium?


The fact that the medium promotes a collective viewing experience is important for both artists and popular users. The act of looking at images, especially still photographs, generally involves a single spectator and a stationary object, but with slides you are often sitting in the same room with other people, sharing the experience with them. People who watch Nan Goldin’s The Ballad of Sexual Dependency, for example, find themselves on the same emotional roller coaster. It’s like the family slide show in a way; people participate in a joint emotional response to images of past events. Of course, the memories and feelings such a work stimulates are different for everyone, and that is the reason The Ballad is such a great piece. Marcel Proust as well as Ingmar Bergman have called attention to the mesmerizing power of the magic lantern shows they saw as children.


Is there any connection between those shows and slide shows by such artists as Dennis Oppenheim or James Coleman?


Projection is a mysterious process that evokes all kinds of fantasies. The ancient meaning of the term “to project” is related to the alchemical process for changing base metal into gold. Nearly every artist I interviewed remembers being fascinated by shadows on the wall as a kid, or lying in the dark using the beam of a flashlight to make patterns in the darkness. An artist like James Coleman extends this magical experience to viewers by manipulating the transformative properties of slides as images that are not quite real; indeed, the projections themselves are totally intangible. But all the works in the exhibition invite viewers to read meaning into translucent pictures.


Is slide technology a thing of the past?


Over the past five years, at least, PowerPoint presentations have supplanted slide shows. PowerPoint facilitates overlays, dissolves, syncopated fades, and collage. As consumers, we have become accustomed to a barrage of images and are easily bored. No matter how fancy your equipment, slide projection will always seem a slower, more regulated process. Slides and slide projectors are generally a monocular form of vision and, though users can combine projectors to multiply the frames they project, it is rare that people—including artists—use more than two. And please remember: anyone who would like to use a projector must go to the secondhand market. The last slide projector was manufactured in September 2004.


How does the book SlideShow relate to the SlideShow exhibition?


I am not trying to replicate the exhibition in a book; that’s impossible! The book cannot but give its reader a visual experience radically different from that afforded viewers of the exhibition. I think of the book SlideShow as a document, an expansion, a reflection, an interrogation of SlideShow the exhibition.

Review

The fact that release of this book coincides with the coming obsolescence of the medium of slide projection makes it especially timely and valuable. --Harry Cooper, The Fogg Art Museum


This finely conceived and timely exhibition catalogue offers an intelligent exploration of an important and intriguing, but also largely unexamined, aspect of post-sixties art: the slide display utilized as artwork in its own right rather than as a medium for viewing reproductions. --Alex Potts, University of Michigan


While this reader may be biased towards the catalog's content, the essays are both readable and scholarly. . . . This book is well illustrated with both color and black-and-white plates and contains the usual, if abbreviated, scholarly apparatus. --Gregory P. J. Most, Chief, Library Image Collections, Art Documentation


This finely conceived and timely exhibition catalogue offers an intelligent exploration of an important and intriguing, but also largely unexamined, aspect of post-sixties art: the slide display utilized as artwork in its own right rather than as a medium for viewing reproductions. --Alex Potts, University of Michigan


While this reader may be biased towards the catalog's content, the essays are both readable and scholarly. . . . This book is well illustrated with both color and black-and-white plates and contains the usual, if abbreviated, scholarly apparatus. --Gregory P. J. Most, Chief, Library Image Collections, Art Documentation


About the Author

Darsie Alexander is Curator of Prints, Drawings, and Photographs at The Baltimore Museum of Art. A specialist in contemporary and vernacular photography, she has written on the development of posed photographs, representations of the body, and the role of documentation photographs in 1970s performance art.


Charles Harrison is Professor of History and Theory of Art at the Open University, London. From 1966 to 1975, he was a contributing editor to a leading contemporary art journal, Studio International, and he has published extensively on Conceptualism. He is a member of the artists' group Art & Language.


Robert Storr is Rosalie Solow Professor of Modern Art at the Institute of Fine Arts, New York University. He is the curator of Site Santa Fe (2004); his exhibitions also include international retrospectiveson Tony Smith, Chuck Close, Gerhard Richter, and Robert Ryman.

http://www.amazon.com/Slideshow-Projected-Images-Contemporary-Art/dp/0271025417


◇ Rhizome | Projected Projects: Slides, PowerPoints, Nostalgia, and a Sense of Belonging

http://rhizome.org/editorial/2011/nov/28/projected-projects-slides-powerpoints-nostalgia-an/


◇ greg.org: the making of: Non-Sensical Non-Site Non-Art?: Smithson's "Hotel Palenque"

http://greg.org/archive/2006/10/09/nonsensical_nonsite_nonart_smithsons_hotel_palenque.html


Slide show - Wikipedia, the free encyclopedia

Slide show in art[edit]

Since the late 1960s, visual artists have used slide shows in museums and galleries as a device, either for presenting specific information about an action or research or as a phenomenological form in itself. According to the introduction of Slide Show, an exhibition organized at the Baltimore Museum of Art: “Through the simple technology of the slide projector and 35 mm color transparency, artists discovered a tool that enabled the transformation of space through the magnification of projected pictures, texts, and images.” Although some artists have not necessarily used 35 mm or color slides, and some, such as Robert Barry, have even abandoned images for texts, 35 mm color film slides are most commonly used. The images are sometimes accompanied by written text, either in the same slide or as an intertitle. Some artists, such as James Coleman and Robert Smithson, have used a voice-over with their slide presentations. Slide shows have also been used by artists who use other media such as painting and sculpture to present their work publicly. In recent years there has been a growing use of the slide show by a younger generation of artists. The non-profit organization Slideluck Potshow holds slide show events globally, featuring works by amateur and professional artists, photographers, and gallerists. Participants in the event bring food, potluck style, and have a social dinner before the slide show begins.

Other known artists who have used slide shows in their work include Bas Jan Ader, Francis Alys, Jan Dibbets, Dan Graham, Rodney Graham, Nan Goldin, Louise Lawler, Ana Mendieta, Jonathan Monk, Dennis Oppenheim, Allan Sekula, Carey Young and Krzysztof Wodiczko.

http://en.wikipedia.org/wiki/Slide_show

ナン・ゴールディンのスライドショー作品

◇ The Long Weekend 2008: Nan Goldin and John Kelly | Tate

http://www.tate.org.uk/context-comment/video/long-weekend-2008-nan-goldin-and-john-kelly


◇ Nan Goldin "The Ballad of Sexual Dependency(1)" (NYC Moma 03/2009) - YouTube

Multimedia installation with 690 slides & programmed soundtrack (by NGoldin)

(1979/2004)

(1) http://youtu.be/q-BqIx5DHgg

(2) http://youtu.be/Ejn36rgr2Tw

(4) http://youtu.be/dnNUg7TAq4s


◇ Nan Goldin - I'll be your mirror - SAPO Vídeos

http://videos.sapo.pt/Ystuom59225zPJLZrmp7

Jack Pierson - Wikipedia, the free encyclopedia

He is considered to be part of a group of photographers known as the Boston School -- David Armstrong, Philip-Lorca diCorcia, Nan Goldin, Mark Morrisroe and twins Doug and Mike Starn,[2] among others. All of them knew one another in the early 1980s and photographed their immediate circle of friends in situations that were, or appeared to be, casual or intimate.[3]

http://en.wikipedia.org/wiki/Jack_Pierson

Joseph Beuys and His Students - YouTube

http://www.vernissage.tv | On the occasion of the 100th year of Deutsche Banks presence in Turkey, Sabancı University Sakıp Sabancı Museum (SSM) hosts an exhibition entitled Joseph Beuys and His Students Works from the Deutsche Bank Collection from 9 September until 1 November 2009.

The exhibition is the first to combine works on paper by Joseph Beuys with drawings, photographs and prints by his most important students: Peter Angermann, Lothar Baumgarten, Walter Dahn, Felix Droese, Imi Giese, Jörg Immendorff, Anselm Kiefer, Imi Knoebel, Inge Mahn, Ulrich Meister, Meuser, Blinky Palermo, Katharina Sieverding and Norbert Tadeusz. The show has been curated by Deutsche Bank Art Director Friedhelm Hütte and art critic Ahu Antmen.

In this video, Nazan Ölçer, Directrice of the Sabancı University Sakıp Sabancı Museum, and Britta Färber of Deutsche Bank Art talk about the museum and the current exhibition.

Joseph Beuys and His Students at Sakıp Sabancı Museum Istanbul. Opening and Press Tour, September 8 and 11, 2009.

http://youtu.be/jPqFy-VdEPs


Deutsche Bank - ArtMag - 56 - on view - Joseph Beuys and his Students - Works from the Deutsche Bank Collection at the Sabanci Museum

The wide variety of artistic approaches demonstrates that independently of his own artistic position, Beuys saw himself as an educator and encouraged his students to pursue their own individual path. Thus, the spectrum ranges from the geometric, Russian Constructivist-inspired works of Imi Knoebel and Blinky Palermo and the photographic self-portraits of Katharina Sieverding to Jörg Immendorff’s ironic and expressive paintings that critically examined German post-war history and the role of the artist. Along with drawings, photographs, and prints by Peter Angermann, Lothar Baumgarten, Walter Dahn, Felix Droese, Imi Giese, Anselm Kiefer, Inge Mahn, Meuser, and Reiner Ruthenbeck, drawings by Norbert Tadeusz depicting Beuys’s legendary 1974 Coyote: I like America and America likes Me action at the New York René Block Gallery are also on show.

http://db-artmag.com/en/56/on-view/joseph-beuys-and-his-students---works-from-the-deutsche-bank-col/


Joseph Beuys - Transformer (1979) - YouTube

"This 60-minute documentary features avant-garde German artist Joseph Beuys and his unique sculpture art during a 1979 exhibit at the Guggenheim Museum in New York City. The tape features Beuys' work, interviews with him, and footage of him speaking before the patrons at his Guggenheim showing. The main feature of the video is Beuys telling a little of his own history -- how his life changed when the Russians shot down his German airplane during World War II, as well as his opinions on art, mankind, the state of the world, and some of his artistic inspirations. This documentary captures the world of an artist at the pinnacle of his fame."

http://youtu.be/WPUoGOFIN0w

コーヒーブレイク] ローター・バウムガルテンの写真作品。 ◇ Lothar... - 291 workshop (写真・映像・芸術・ワークショップ

コーヒーブレイク

ローター・バウムガルテンの写真作品。


◇ Lothar Baumgarten // Carbon on Vimeo

https://vimeo.com/44066417


◇ Lothar Baumgarten: Seven Sounds, Seven Circles - photo-eye

http://www.photoeye.com/bookstore/citation.cfm?Catalog=dq375


◇ 'El Dorado - Gran Sabana', Lothar Baumgarten | Tate

http://www.tate.org.uk/art/artworks/baumgarten-el-dorado-gran-sabana-t05839

https://www.facebook.com/291ws/posts/532365863558143

A Movie - Bruce Conner - YouTube

Copyright Disclaimer Under Section 107 of the Copyright Act 1976, allowance is made for "fair use" for purposes such as criticism, comment, news reporting, teaching, scholarship, and research. Fair use is a use permitted by copyright statute that might otherwise be infringing. Non-profit, educational or personal use tips the balance in favor of fair use.

http://youtu.be/4FMjBtvsx2o


◇ A Movie - Wikipedia, the free encyclopedia

A Movie is a 1958 experimental collage film in which Bruce Conner put together snippets of found footage, taken from B-movies, newsreels, soft-core pornography, novelty short films, and other sources, to a musical score featuring Respighi's Pines of Rome.

The film is associational, in which a number of narratively and spatially unrelated shots from a number of sources are edited together to evoke emotions and make thematic points. A Movie consists of many shots of animals and people moving quickly, precariously balanced objects, cars and people crashing, and, perhaps most importantly, violence and war. The word 'movie' keeps showing up on the screen.

In 1994, A Movie was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being "culturally, historically, or aesthetically significant".

Since 2013 the work is a part of permanent exposition in Centre Pompidou in Paris.

http://en.wikipedia.org/wiki/A_Movie


Brian Eno & David Byrne - America Is Waiting_土豆_高清视频在线观看

http://www.tudou.com/programs/view/wqwPd5gBLcU


◇ Bruce Conner - Clip 1 - TatortKunst

http://www.tatortkunst.at/video/bruce-conner-clip-1

America is waiting - David Byrne & Brian Eno - YouTube

A video to accompany the track from the 1981 release, My Life in the Bush of Ghosts.

http://youtu.be/PTFIzLKaZj4


◇ Eno & Byrne - America is Waiting (HQ Audio) - YouTube

http://youtu.be/TZ3w3TIYo7I

Frank Film, Frank MOURIS, 1973 - Vídeo Dailymotion

http://www.dailymotion.com/video/x700s6_frank-film-frank-mouris-1973_creation


◇ Coney (1975) by Frank & Caroline Mouris - YouTube

http://youtu.be/uEKO7oFU6EU


◇ Impasse (1978) by Frank & Caroline Mouris - YouTube

http://youtu.be/vruGOlm1XIk


◇ Frankly Caroline (1998) by Frank & Caroline Mouris - YouTube

http://youtu.be/stLlZW3B7q4

Frieze Magazine | Archive | Archive | Roe Ethridge

Issue 97 March 2006

Roe Ethridge

ANDREW KREPS GALLERY, NEW YORK, USA

http://www.frieze.com/issue/review/roe_ethridge/

The man who could not see far enough - Peter Rose Picture

http://www.peterrosepicture.com/movies.php?id=18

ヴォーティシズム - Wikipedia

ヴォーティシズム (Vorticism) とは、キュビスム未来派の影響を受けて、1910年代半ば(1913年または1914年)にイギリスに興った、美術(および詩)に関する運動およびそのグループ。「渦巻き派(渦巻派)」とも呼ばれる。

主たる参加者は以下のとおり(ラストネーム五十音順)。

中心メンバーは、ウインダム・ルイスエズラ・パウンド、デイヴィッド・ボンバーグ、ウィリアム・ロバーツあたりである

上記以外に、エズラ・パウンドに対する影響から、詩人・評論家哲学者であるT・E・ヒューム(Thomas Ernest Hulme, 1883年-1917年)をメンバーに含める考え方もある。また、写真家アルヴィン・ラングダン・コバーン(作品Vortographなど。Alvin Langdon Coburn, 1882年-1966年)を含める考え方もある。

1914年機関紙BLAST』を刊行し、宣言を掲載した(BLASTは、翌年の第2号まで刊行されている。なお、BLASTには、T・S・エリオット(詩人、Thomas Stearns Eliot, 1888年-1965年)もかかわっている)。しかし、翌年の1915年にはグループは解散し、短命に終わった。

美術に関しては、「動き」を重視する点から、未来派の一分派と考えられることが多い一方で、幾何学的な形態や力強い線の強調(ここに、キュビスム由来のプリミティズムを見ることも可能)から、未来派とは一線を画すとする考え方もある。

20世紀前半のイギリスにおいては、「運動」と呼べる、唯一の美術グループといってよい。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%B4%E3%82%A9%E3%83%BC%E3%83%86%E3%82%A3%E3%82%B7%E3%82%BA%E3%83%A0


◎ Welcome to the home of British Vorticism

http://www.vorticism.co.uk/

存在しない架空の町がいつのまにか実在、そして再び消え去っていたことが明らかに - GIGAZINE

この世には、地図には記載されているにもかかわらず本当には存在しない「ペーパータウン」と呼ばれる架空の町があります。その多くは、地図出版社が他社による著作権侵害を防止するために作り出すものなのですが、アメリカではそんなペーパータウンがいつ間にか本当に存在していたことが発覚し、しかもその後には再び姿を消してしまっていたことがわかりました。


An Imaginary Town Becomes Real, Then Not. True Story : Krulwich Wonders... : NPR

http://www.npr.org/blogs/krulwich/2014/03/18/290236647/an-imaginary-town-becomes-real-then-not-true-story


その町は「Agloe」という名前のペーパータウンで、アメリカニューヨークの北に位置する小さな町「ロスコー(Roscoe)」の近くに存在することになっていました。

http://gigazine.net/news/20141024-agloe/

耳なし芳一 - Wikipedia

耳なし芳一(みみなしほういち)は、安徳天皇や平家一門を祀った阿弥陀寺(現在の赤間神宮山口県下関市)を舞台とした物語、怪談。小泉八雲の『怪談』にも取り上げられ、広く知られるようになる。

八雲が典拠としたのは、一夕散人(いっせきさんじん)著『臥遊奇談』第二巻「琵琶秘曲泣幽霊(びわのひきょくゆうれいをなかしむ)」(1782年)であると指摘される[1][2]。

『臥遊奇談』でも琵琶師の名は芳一であり、背景舞台は長州の赤間関阿弥陀寺とある。これは現今の下関市、赤間神社のことと特定できる。

昔話として徳島県より採集された例では「耳切り団一」[3]で、柳田國男が『一つ目小僧その他』等で言及している。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E8%80%B3%E3%81%AA%E3%81%97%E8%8A%B3%E4%B8%80


◇ 耳切団一とは - コトバンク

耳切団一 みみきり-だんいち

民話の主人公

徳島県につたわる話では琵琶(びわ)法師で,官女の霊にとりつかれ,毎夜墓場で琵琶を弾奏。心配した旅の僧に全身にまじないをしてもらったが,まじないをうけわすれた耳を迎えにきた霊にとられる。寺の小僧が山姥(やまうば)においかけられる類話が福島県,新潟県につたわる。

https://kotobank.jp/word/%E8%80%B3%E5%88%87%E5%9B%A3%E4%B8%80-1113398


◇ 耳切り団一の話: ケペル先生のブログ

この話は徳島県鳴門に伝わる伝説であるが、ほかにも四国には「耳切坊主」の話が伝わるし、沖縄にも同様の話が伝えられる。南方系説話とみることができる。「耳切り団一」の話に平家の亡霊のしわざであるという付加的な要素が加えられたのが小泉八雲の「耳なし芳一である。8歳で二位の尼に抱かれて壇ノ浦の海に沈んだ安徳天皇の墓前であり、平家琵琶の「壇ノ浦の合戦」のもの悲しい調べとともに、聞くものの涙をさそうようになった物語は文学的に高められている。

http://shisly.cocolog-nifty.com/blog/2013/03/post-bc63.html


耳なし芳一と地蔵信仰: BLOG FRY

 学習院大学の兵藤先生の学会での「物語の語り手と地霊の信仰」のご発表に触発されて、国際日本文化研究センターの怪異・妖怪伝承データベース等を色々と調べていた。

http://www.nichibun.ac.jp/


 問題なのは、ラフカディオ・ヘルンの耳なし芳一の原話を探る作業が必要になってくる点である。実際にこのデータベースの分類番号0640052で確認することが出来た。

 大正3年6月に徳島県鳴門市で収集された民話で、「耳切り団一」というのがある。

「団一という盲目の琵琶法師が、女に誘われてから毎晩御殿に琵琶を弾きに行った。ある旅の僧が墓地を通りかかると、やせ衰えた琵琶法師が一心不乱に琵琶を弾いていた。旅の僧は話を聞き、琵琶法師の体中にまじないを書いたが耳だけに忘れた。翌晩、女が来て団一を連れて行こうとしたが、まじないがあるから連れて行けず、耳だけを持って行ってしまった。」

 ここで注目されるのは、原話は平家の亡霊譚ではないことである

 話型を明確にする為に、記号化分析を行ってみると、

http://fry.asablo.jp/blog/2008/12/01/3984273


小泉八雲著「耳なし芳一の話」 - 文学にみる障害者

http://www.dinf.ne.jp/doc/japanese/prdl/jsrd/norma/n182/n182_036.html

2014-10-25 “自分は自分でない自分になりゆくところの自分である。”=“I am

自分自分でない自分になりゆくところの自分である。”=“I am "I" who is becoming "I" who is not I.”


f:id:n-291:20141025012436j:image

The show that made Harald Szeemann a star | Art | Agenda | Phaidon

Harald Szeemann, curator of Live In Your Head. When Attitudes Become Form: Works - Concepts - Processes - Situations - Information

http://uk.phaidon.com/agenda/art/articles/2013/february/08/the-show-that-made-harald-szeemann-a-star/

ハラルド・ゼーマン写真が、、

Wade Guyton - Standard - N°37, October/December 2012 - Timothée Chaillou

http://www.timotheechaillou.com/conversations/wade-guyton/

W.J.T. ミッチェル『イコノロジー ― イメージテクストイデオロギー』(訳:鈴木聡・藤巻明 勁草書房

http://www.amazon.co.jp/dp/4326100990


◇ イコノロジー - 株式会社 勁草書房

絵画彫刻美術作品などのイメージが、心的な言語的/文学的イメージと、又イメージをつくり出す人間とどう関わるのか。ゴンブリッチ等歴史的重要テクストから考察

序論 イコノロジー

第一部 イメジャリーの観念

 第1章 イメージとはなにか

第二部 イメージテクスト 差異比喩

 第2章 絵画文章 ネルソングッドマン差異の文法

 第3章 自然と因襲 ゴンブリッチの幻覚

 第4章 空間時間 レッシングの『ラオコーン』とジャンル政治学

 第5章 眼と耳 エドマンド・バーク感受性政治学

第三部 イメージイデオロギー

 第6章 偶像破壊の修辞学 マルクス主義イデオロギー、物神崇拝

原註

訳註

訳者あとがき

文献目

http://www.keisoshobo.co.jp/book/b26607.html

Jasper Johns: set elements for Walkaround Time — Collections — Walker Art Center

Title

set elements for Walkaround Time


Artist

Jasper Johns


Date

1968

Type

Sculpture


Accession Number

2000.404.1-.14


Edition

N.A.


Physical Description

A set of seven inflatalble plastic pillows that are painted wilth images taken from Duchamp’s The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even (The Large Glass) 1915-1923 that were created for Merce Cunningham’s Walkaround Time dance performance 1968. Exhibition copy acquired with Cunningham collection, 2011.

http://www.walkerart.org/collections/artworks/set-elements-for-walkaround-time


◇ duchamp with cage, cunningham, rauschenberg, and johns | beccahall

https://raptorarms.wordpress.com/tag/duchamp/

デュシャンにおけるコピーの問題――レディ・メイドを中心に 熊谷薫 文学部美術史学 - 真贋のはざま

■レディ・メイド一覧(第一版にエディションがないもの、1921年まで)

1913『自転車車輪』手を加えたレディ・メイド自転車車輪、白色に塗られた台所用スツールに天地逆に取り付け/作者自ら回しては眺め、瞑想にふけるために製造/炎にも例えられる視覚効果オリジナル紛失/レプリカ:1916(作者)、1951(シドニージャニス)、1963(ウルフリンデ、ストックホルム)、1964(ガレリアシュヴァルツミラノ、製造数13)

1914『薬局』手を加えたレディ・メイド印刷物にグワッシュでペイント/記入:薬局 マルセル・デュシャンオリジナル三点中一点現存

1914『瓶乾燥機パリ製、百貨店にて購入。レディ・メイド。何も手を加えていない/鉄製瓶掛け、亜鉛メッキテキスト記入、内容は現在不明/レデイ・メイドオリジナル紛失/レプリカ:1921頃(作者)、1961(マン・レイ)、1963、1964(製造数8)

1915『折れる腕に備えて』ニューヨーク製、レディ・メイド。何も手を加えていない。/亜鉛メッキ性鉄製シャベル、柄は木製/つり下げて展示/記入:折れた腕の前に マルセル・デュシャン(より)1915年オリジナル紛失/レプリカ:1945 3月(作者、キャサリンドライア―の為に購入)、1963、1964(製造数12)

1916『櫛』レディ・メイド灰色の鉄製犬用櫛/美しくも醜くも無い理想的レディ・メイドとの発言あり/記入:高さ三、四滴は野生とはなんの関係もない M.D.1916年2月17日午前11時/レプリカ:1963、1964(製造数12)

1916『旅行者用折り畳み用品』ニューヨーク製 レディ・メイド/アンダーウッド・タイプライターのカヴァー1916年4月の、ニューヨーク ブルジョワギャラリーでの「近代美術展」に出品の二点のうちの一点と推定される/オリジナル紛失/レプリカ:1963、1964(製造数12)

1916『秘めたる音に』幇助されたレディ・メイド/より紐の玉の中にアレンズバーグによるデュシャンも知らないオブジェ、二枚の真鍮板に挟み込み四本の長いボルトで固定/記入:(テキスト省略)ソフィー・マルセル 1916年 イースターレプリカ:1963、1964(製造数8)

1917『エナメルを塗られたアポリネールニューヨーク 修正されたレディ・メイド、/厚紙とペイントされたブリキ(サポリンエナメル看板)に鉛筆とペイント/記入:マルセル・デュシャン(から)1916 1917/レプリカ:1965(ガレリアシュヴァルツ、製造数8)

1917『泉』レディ・メイド男性用便器を90度回転させて展示/記入:R.Mutt/オリジナル紛失/レプリカ:1951(シドニージャニスニューヨーク)、1953(作者、パリ)、1963、1964

1917『帽子掛け』ニューヨーク、レディ・メイド/木製帽子掛け/つり下げて展示/オリジナル紛失/レプリカ:1921(作者、パリ)、1961(マン・レイパリ)、1961(ロバート・ラウシェンバーグニューヨーク)、1963、1964(製造数8)

1919『L.H.O.O.Q』パリ、修正されたレディ・メイドレオナルド・ダ・ヴィンチモナ・リザの複製に口ひげ、顎ひげ、タイトルを記入/レプリカ:1920(ピカビアによって雑誌『391』に収録)、1930(作者、ルイ・アラゴンのために)、1941(作者『トランクの箱』のために)、1955(作者、マックス・エルンストのために)、1965(ピエール・ド・マッソ著作のために 35部)

1919パリ空気』レディ・メイドガラスアンプル/レプリカ:1949(作者、ウォルター・アレンズバーグのために)、1963、1964(製造数12)

1920『フレッシュ・ウィドウ』ニューヨーク職人発注のレディ・メイドフランス窓のミニチュア(ペイントされた木製窓枠、黒い革で覆われた八枚の窓ガラス、木製の台座)/記入:フレッシュ・ウィドウ 著作権ローズセラヴィ 1920年レプリカ:1961(ウルフリンデ、P.O.ウルフヴェト、ストックホルム)、1964(製造数12)

1921『なぜくしゃみをしない、ローズセラヴィ?』ニューヨーク セミ・レディメイド/角砂糖形態をした大理石立方体152個、体温計、イカの甲、鳥篭、木製の棒4本/記入:なぜくしゃみをしない、ローズセラヴィ? 1921年レプリカ:1963、1964(製造数13)

1921『ベル・アレーヌ(美しき吐息)、ヴェール水』ニューヨーク幇助されたレディ・メイド/リゴー香水瓶にデュシャンマン・レイの模造したラベル、ケース/記入:ローズセラヴィ 1921年

Dalia Judovovitz, Unpacking Duchamp, University of Chicago Press, Los Angels, 1995

Arturo Schwarts, The complete works of Marcel Duchamp, Delaco Greenidge Edition, New York,1997

Francis Naumann, Marcel Duchamp, The Art of Making Art in the Age of Mechanical Reproduction, Abrams, New York, 1999


1963年レプリカはすべてウルフリンデ、ストックホルム1964年はすべてガレリアシュヴァルツミラノによる。

http://www.um.u-tokyo.ac.jp/publish_db/2001Hazama/03/3200.html


マルセル・デュシャン年譜 − レディ・メイドを中心に −

http://ha5.seikyou.ne.jp/home/seamew/profile/duchamp1.htm

Helen Frankenthaler - September 11 - October 18, 2014 - Images - Gagosian Gallery

http://www.gagosian.com/exhibitions/helen-frankenthaler--september-11-2014/exhibition-images


◇ helen frankenthaler - Google 検索

http://j.mp/1tgobLj

古谷利裕さんのブログ経由で改めて。

【告知】個展「最高速でぶれる崖」(札幌/CAI02) | KAWAMURA Motonori

http://cai-net.jp/exhibition_next/


会期:2014年11月8日(土) 〜 11月29日(土) ※日曜休館

時間:13:00〜23:00

会場:CAI02 (札幌市中央区大通西5 昭和ビルB2)

さっぽろアートステージ2014美術部門との合同オープニングレセプション 11/8(土)19:00-21:00


キュレーション:大下裕司

主催:CAI現代芸術研究所/CAI02

http://kawamuramotonori.com/?p=608

Z-Trash Diary(@osamukanemura)さん | Twitter

https://twitter.com/osamukanemura

Akio Nagasawa - Gallery & Publishing

AKIO NAGASAWA Gallery | Publishingオープンのお知らせ

2014年11月5日(水)、銀座4丁目に「Akio Nagasawa Gallery/Publishing」がオープン致します。

オープニングは国内外の20名の作家によるグループ展

『AKIO NAGASAWA Inaugural Exhibition』を開催いたします。

皆さまのお越しを心よりお待ちしております。

『AKIO NAGASAWA Inaugural Exhibition』

猪瀬光、小川隆之、加納典明杵島隆倉田精二坂田栄一郎沢渡朔柴田敏雄須田一政瀬戸正人、立木義浩内藤正敏野村佐紀子、細江英公森山大道吉永マサユキ吉増剛造、吉行耕平、サラ・ムーン、ウィリアム・クライン

会期:2014.11.5 (Wed.) – 11.30 (Sun.)

中央区銀座4−9−5 銀昭ビル6F

www.akionagasawa.com

http://www.akionagasawa.com/

なぜバンクシーけが壁に描くことを許されるのか | VICE Japan | The Definitive Guide to Enlightening Information

http://jp.vice.com/program/vice-com-original-program/7931

from Susto (1981)

◇ Masabumi Kikuchi - Circle/Line - YouTube

http://youtu.be/0kPzaKaId4I


◇ Masabumi Kikuchi - New Native - YouTube

http://youtu.be/Gp9_HwbYXUM

2014-10-24 zou-gyo

2006年10月 : 撮れ撮れダイアリー

http://ohtoretore.exblog.jp/m2006-10-01/


2011-09-05 - 新しい展示のお知らせ STREET PHOTOGRAPHS - TAP gallery

http://d.hatena.ne.jp/tapgallery/20110905


◇ 斎藤明彦/林隆文/山方伸 写真展『STREET PHOTOGRAPHS』 - TAP

http://tapgallery.jp/exhibition/201109street02.html


◇ 斎藤明彦/林隆文/山方伸 写真展インタビュー: 反省芸術・糸崎公朗blog3

http://itozaki.cocolog-nifty.com/blog/2011/09/post.html

アール・ブリュットコレクション - Wikipedia

アール・ブリュットコレクション (Collection de l'art brut) は、アール・ブリュットの概念を提唱したフランスの画家、ジャン・デュビュッフェが蒐集したコレクションをもとに発足した、スイスローザンヌにあるアウトサイダーアート美術館

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%83%BC%E3%83%AB%E3%83%BB%E3%83%96%E3%83%AA%E3%83%A5%E3%83%83%E3%83%88%E3%83%BB%E3%82%B3%E3%83%AC%E3%82%AF%E3%82%B7%E3%83%A7%E3%83%B3

去年のバーゼル滞在時には訪問できなかったものの、いずれ訪れることができればと思っています。


ジャン・デュビュッフェ - Wikipedia

ジャン・デュビュフェ(Jean Dubuffet, 1901年7月31日 - 1985年5月12日)は、20世紀フランスの画家。アンフォルメル先駆者と見なされ、従来の西洋美術の伝統的価値観を否定して、「生の芸術」を提唱した。

デュビュフェフォートリエ、ヴォルスらとともに、アンフォルメル(「非定形」の意。1950年代に盛んになった前衛美術運動)の先駆者と見なされ、20世紀美術の流れをたどる上で重要な画家の一人である。彼は、若い頃にパリで絵画を学んだこともあったが、やがてワイン商をしていた父の仕事を継いだ。本格的に画家として立つことを決意したのはかなり遅く、40歳を過ぎてからのことであった。

彼は1946年、パリのルネ・ドゥルーアン画廊で「ミロボリュス・マカダム商会、厚塗り」という奇妙な題名の個展を開く。マカダムとは、道路のアスファルト舗装工法の基礎を築いた人物の名前である。実際、この個展に展示された作品群は、砂、アスファルトガラス片などを混入した、まるで道路の表面のような厚塗りの画面に子供の落書きのような筆致で描かれたもので、見る人を困惑させた。この「厚塗り」展は、同じ頃にドゥルーアン画廊で相次いで開かれたフォートリエの「人質(オタージュ)」展(1945年)やヴォルスの個展 (1947年) とともに、第二次大戦後の西洋美術の新たな出発を告げるとともに、アンフォルメルなどの1950年以降の新たな美術の流れの原点に位置するものと言える。

デュビュフェは従来の西洋美術の洗練された技法や様式、巨匠の名人芸といったものに価値を認めなかったばかりか、西洋文明そのものを痛烈に批判し、子供、「未開」人、精神障害者などによる絵画をアール・ブリュット=生の芸術と呼んで賛美した。彼は精神障害者らの絵画を収集し、展示したこともある。1976年、デュビュフェの蒐集した作品をベースに、スイスローザンヌアウトサイダー・アート美術館であるアール・ブリュットコレクションが開設された。1985年にパリで死去。

アール・ブリュットコレクションは、全世界からアウトサイダーアートの作品を蒐集、展示しており、文字通りアウトサイダーアート美術館として機能しているが、その名称に美術館(Musée)という言葉は用いられていない。これはこれまでの美術や文化の伝統的価値観を否定したジャン・デュビュッフェ美術館という言葉を嫌い、コレクション(Collection)を用いることにしたことによる[8]。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%B8%E3%83%A3%E3%83%B3%E3%83%BB%E3%83%87%E3%83%A5%E3%83%93%E3%83%A5%E3%83%83%E3%83%95%E3%82%A7


アウトサイダー・アート - Wikipedia

日本においては、1993年世田谷美術館における「パラレルヴィジョン」という企画によって、本格的に紹介されている。また、デュビュッフェはこれらの作品を収集し、このコレクションは現在スイスローザンヌ市でアール・ブリュットコレクションとして所蔵されている。

また、オーストリアのウイーン郊外にあるマリア・グギング国立精神病院内のグギング芸術家の家[3]は、入院患者のうち絵画の才能のある人たちが居住して創作活動を行っており、アウトサイダー・アートの拠点となっている。

2007年には日本各地でアール・ブリュット展が行われた。 そして、2008年にはスイスローザンヌ市で日本人12人によるのアール・ブリュット展が行われた。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%82%A6%E3%83%88%E3%82%B5%E3%82%A4%E3%83%80%E3%83%BC%E3%83%BB%E3%82%A2%E3%83%BC%E3%83%88


◇ 日本のアウトサイダー・アート - Wikipedia

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%97%A5%E6%9C%AC%E3%81%AE%E3%82%A2%E3%82%A6%E3%83%88%E3%82%B5%E3%82%A4%E3%83%80%E3%83%BC%E3%83%BB%E3%82%A2%E3%83%BC%E3%83%88

Ashik Kerib - YouTube

A 1988 film by Soviet-Armenian film-maker Sergei Parajanov based on a short story by Mikhail Lermontov

http://youtu.be/HzNOrHe97hU

ヒューリスティクス - Wikipedia

ヒューリスティック(英: heuristic, 独: Heuristik[1])とは、必ず正しい答えを導けるわけではないが、ある程度のレベルで正解に近い解を得ることが出来る方法である。また、答えの精度は保証されないが、回答に至るまでの時間が少なくて済む。主に計算機科学心理学の世界で使われる語。どちらの分野での用法も根本的な意味は一緒だが、指示対象が違う。計算機科学ではプログラミングの方法を、心理学では人間の思考方法を指して使われる。論理学では仮説形成法と呼ばれている。

計算機科学ではコンピューターに計算やシミュレーションをさせる際、ヒューリスティックを用いることがある。大抵の計算は計算結果の正しさが保証されるアルゴリズム、または計算結果が間違っているかもしれないが誤差がある範囲内に収まっていることが保証されている近似アルゴリズムを用いて計算する。しかし、そのような方法だと計算時間が爆発的に増加してしまうような場合に、妥協策としてヒューリスティックを用いる。ヒューリスティックは精度の保証はないが、平均的には近似アルゴリズムより解の精度が高いことが多い。ヒューリスティックの中でも任意の問題に対応するように設計されたものはメタヒューリスティックという。

心理学におけるヒューリスティックは、人が複雑な問題解決等のために何らかの意思決定を行う際、暗黙のうちに用いている簡便な解法や法則のことを指す。これらは経験に基づく為、経験則と同義で扱われる。判断に至る時間は早いが、必ずしもそれが正しいわけではなく、判断結果に一定の偏り(バイアス)を含んでいることが多い。ヒューリスティックの使用によって生まれている認識上の偏りを、認知バイアスと呼ぶ。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%92%E3%83%A5%E3%83%BC%E3%83%AA%E3%82%B9%E3%83%86%E3%82%A3%E3%82%AF%E3%82%B9


アブダクション - Wikipedia

仮説形成や仮説的推論などと訳されている。古くはアリストテレスがアパゴーゲー(古代ギリシア語: ἀπαγωγή、apagōgē)について議論している[1]。のちにアパゴーゲーはアブダクション(abduction)と英訳された。チャールズ・サンダース・パースは演繹(deduction)、帰納(induction)に対する第三の方法としてアブダクションの語を用いた。

結果や結論を説明するための仮説を形成することを言うこともある。哲学やコンピュータの分野でも定義づけされた言葉として使われている。アブダクションの意味や思考法は、演繹法帰納法ともまた異なるものであり、失敗の原因を探ったり、計画を立案したり、暗黙的な仮説を形成したりすることにも応用できる。例えば、プログラム論理的な誤りを探し出し直すという過程では、アブダクティヴな解釈と推論が行われており、一般的な立証論理の手法と通じるものがある。

アブダクションは、関連する証拠を――真である場合に――最もよく説明する仮説を選択する推論法であるアブダクションは観察された事実の集合から出発し、それらの事実についての最も尤もらしい、ないしは最良の説明へと推論する。アブダクションという用語はまた、たんに観察結果や結論を説明する仮説が発生することを意味するためにもときおり使われる。だが哲学やコンピュータ研究においては、前者の定義がより一般的である心理学などではヒューリスティクスと呼ばれている。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%83%96%E3%83%80%E3%82%AF%E3%82%B7%E3%83%A7%E3%83%B3

チャールズ・サンダース・パースによる記号の要素とクラス - Wikipedia

論理学者、数学者哲学者および科学者であったチャールズ・サンダース・パース(1839 - 1914)は、記号論もしくは記号関係の理論についての著作を、1860年代に始めた。その頃には、彼は三つのカテゴリーに関するシステムを考案していた。彼は記号過程(semiosis)を最終的に以下のように定義した。"action, or influence, which is, or involves, a cooperation of three subjects, such as a sign, its object, and its interpretant, this tri-relative influence not being in any way resolvable into actions between pairs"(Houser 1998, 411)。つまり、記号・対象・解釈内容(解釈項)という3つの主題が、相互に協力し合う活動もしくは作用と定義した。この三項関係の作用は、2項間の活動にはどのようにしても分解できないものである。 このように定式化された三項関係は、「形式的記号論としての論理学」をパースが理解するにあたっても、根本となるものである。彼は「論理学」を哲学的論理学という意味で使用した。最終的に、彼は(哲学的論理学すなわち形式的記号論を以下のように分類した。 (1)思弁的文法学、または stechiologyとは、記号学の要素(記号、オブジェクト、解釈内容)にかんして、記号がどのように特定するか、以下の事柄と関連付けながら考える。どのような種類の記号や対象や解釈内容があるか、またどのように記号が結びついて行くか、どのようにある記号が具体化したり、他の記号を取り込んだりしていくか。(2)批判的論理学、または論理学そのものとは、推論の様式に関すること。(3)思弁的修辞学、または methodeutic とは、探求の哲学的理論であり、これは彼によるプラグマティズムを含むものである。彼の思弁的文法学 またはstechiology (つまり(1)の項目)が、この記事の主題である

パースは、表象・解釈・広義の主張のような事柄を、心理学言語学社会科学的見地からよりも、むしろ哲学的論理学の見地から、広範に考えるとともに議論した。彼は哲学を、一般性のレベルに置いた。それは、数学と、自然や心などに関する特殊科学との中間に位置する。[1]例えば、数学からは諸原則を引き出し、特殊科学へは諸原則を供給するようなものである。一方で、彼の記号学は、問題を解決するために、特定の経験や特定の実験に頼らないのだが、他方で、共通の経験から実例を常に引き出しており、彼の記号論は、数学や演繹的体系には含まれないし、また、純粋の仮説的な対象や事例についての必然的な結論を導き出すようには進まない。哲学的論理学としては、演繹・帰納・仮説的説明のいずれかの結論を引き出すことであるパース記号論は、その分類、推論の種類の批判的分析、探求の理論などにおける、哲学的論理学なのである。その論理学は、一般に明白な現象としての記号とその三項関係から研究される。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%81%E3%83%A3%E3%83%BC%E3%83%AB%E3%82%BA%E3%83%BB%E3%82%B5%E3%83%B3%E3%83%80%E3%83%BC%E3%82%B9%E3%83%BB%E3%83%91%E3%83%BC%E3%82%B9%E3%81%AB%E3%82%88%E3%82%8B%E8%A8%98%E5%8F%B7%E3%81%AE%E8%A6%81%E7%B4%A0%E3%81%A8%E3%82%AF%E3%83%A9%E3%82%B9

エンジニアのための記号論入門ノート −分析ツールとしての記号論− 田沼正也

http://www.wind.sannet.ne.jp/masa-t/isej/index.html


◇ Semiotics for Beginners -初心者のための記号論- Daniel Chandler (University of Wales) 田沼正也 訳

http://www.wind.sannet.ne.jp/masa-t/

『情報学事典』での「記号論記号学)」の解説(NULPTYX:石田英敬研究室

http://www.nulptyx.com/jyohoziten.html

記号学記号論 | 現代美術用語辞典ver.2.0

記号学記号論

Semiology/Semiotics

さまざまな「記号(sign)」を分析対象とする学問分野の総称。「記号学(仏:sémiologie)」という名称はスイス言語学者フェルディナン・ド・ソシュールに、「記号論(英:semiotics)」という名称はアメリカ哲学者チャールズ・サンダース・パースに由来する。両者はほぼ同時代人であるが、その記号学記号論の創出に関して相互の影響関係は存在しない。ソシュール記号学に関する体系的な著作を残していないが、学生の講義ノートに基づく『一般言語学講義』によれば、記号は「シニフィアン(意味するもの、記号表現)」と「シニフィエ(意味されるもの、記号内容)」という二つの構成要素から成り立つとされる。この両者の恣意的な結びつきからなる諸記号が言語における差異の体系として存在する、というのがソシュール記号学の根底にある考え方である。また、言語を(諸単語の集積としてではなく)差異の体系と捉えるソシュールの思想は、20世紀半ばに流行した構造主義の源流でもある。他方、パースは記号を類似、指標、象徴の三種類に分類し、それぞれ順に「イコン」「インデックス」「シンボル」という呼称を与えた。パースは生前に複数の論文を発表しているが、死後に彼が残した草稿が膨大であるという事情もあり、現在でも彼の思想の全貌が明らかになっているとは言いがたい。しかし、上述の記号の三分類をはじめとする彼の記号論が、R・クラウスをはじめとする後代の批評家たちに与えた影響は小さくない。この両者に源流を持つ記号学記号論は、20世紀半ばに哲学者批評家のU・エーコやR・バルトらの手によって広く文化現象の分析手法へと適用されることになる。70年代から80年代にかけてその流行は頂点に達し、20世紀後半における最も大きな思想的動向のひとつとなった。

著者: 星野太


参考文献

ソシュール一般言語学講義 コンスタンタンのノート』,フェルディナン・ド・ソシュール影浦峡田中久美子訳),東京大学出版会,2007

記号論(1・2)』,ウンベルト・エーコ池上嘉彦訳),岩波書店,1996

パース著作集2 記号学』,Ch・S・パース(内田種臣編訳),勁草書房,1986

モードの体系 その言語表現による記号学的分析』,ロラン・バルト佐藤信夫訳),みすず書房,1972

記号学 意味作用とコミュニケイション』,ピエール・ギロー(佐藤信夫訳),白水社,1972

http://artscape.jp/artword/index.php/%E8%A8%98%E5%8F%B7%E5%AD%A6%EF%BC%8F%E8%A8%98%E5%8F%B7%E8%AB%96

米盛裕二 - Wikipedia

米盛 裕二(よねもり ゆうじ、1932年3月10日 - 2008年3月19日)は日本の哲学者琉球大学名誉教授

略歴

沖縄県生まれ。1955年琉球大学卒業。1960年オハイオ州立大学大学院博士課程修了。チャールズ・サンダース・パースの哲学を日本に紹介した。


著書

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E7%B1%B3%E7%9B%9B%E8%A3%95%E4%BA%8C


パース記号学 - 株式会社 勁草書房

パースは現代記号学(記号に関する一般理論)の創設者の一人であり、我々の認識と思考を本質的に「記号過程」ととらえた。難解なパース理論を分りやすく紹介する。

まえがき

第一章 記号主義

 一 記号学認識論

 二 直感的認識の否定

 三 思考――推論的表意作用

 四 記号、人間、存在

 五 スコラ実在論

 六 パース哲学について

第二章 現象学カテゴリー

 一 科学的哲学

 二 現象、記号、現象学

 三 三つのカテゴリー――その多面性と不還元性

 四 第一次性

 五 第二次性

 六 第三次

第三章 記号の概念と分類

 一 規範科学としての記号学

 二 記号学の体系

 三 記号の概念

 四 記号分析の原理と方法

第四章 諸記号の概説

 一 記号それ自体の在り方――性質記号、個別記号、法則記号

 二 記号の表意様式――類似記号、指標記号、象徴記号

 三 記号の言明様式――名辞、命題、論証

 四 論証の三分法――演繹、帰納、アブダクション

 五 アブダクション

第五章 プラグマティシズム――論理的解釈内容、習慣、実際的結果

 一 解釈内容の概念

 二 論理的解釈内容

 三 習慣と実際的結果

 四 パースとジェイムズ

 五 プラグマティシズムの意味論

索引

http://www.keisoshobo.co.jp/book/b26742.html

記号学 - Wikipedia

記号学(きごうがく、英語:semiology)は、言語を始めとして、何らかの事象を別の事象で代替して表現する手段について研究する学問を指す。記号論(きごうろん、英語:semiotics)ともいう。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E8%A8%98%E5%8F%B7%E5%AD%A6

フォトジェニーとは - コトバンク

ブリタニカ国際大百科事典 小項目事典の解説

フォトジェニー

フォトジェニー

photogénie


映画用語。「光」の意の photoと,「精霊」の意の génieが結びついた映画の表現概念。本来は写真的表現効果をさす写真用語。フランスの映画理論家リッチョット・カニュードが,映画は劇的な真実よりフォトジェニーな真実を目指すべきだと主張したことに始まり,次いでフランスのルイ・デリュックが,映画を光と精霊の神秘的な一致,光と影のシンフォニーであると考えた。

デジタル大辞泉の解説

フォトジェニー 【(フランス)photognie】


映画の特質を表す語。レンズを通すことで、対象の本質がつかまれ、さらけ出されるということ。1920年代フランスで用いられ、現代に至るまで多くの映画人が影響を受けた。

世界大百科事典 第2版の解説

フォトジェニー【photogénie[フランス]】


写真うつりがいいことを意味するフランス語で,〈フォトジェニックphotogénique(写真うつりがいい)〉という形容詞一般的に使われるが,映画用語としてはカメラうつりがいい俳優(とくに女優)の美しさを意味するとともに,サイレント時代の映画美学としての映面史的な意味をもつ。 かつて世界の市場を支配したフランス映画が,第1次世界大戦を機にハリウッド映画に圧倒されていた当時,フランスもっとも先駆的な映画人の1人であったルイ・デリュックLouis Delluc(1890‐1924)は,映画の本質を〈フォトジェニー〉ということばであらわし,《フォトジェニー》(1920)と題する著書も出した。

https://kotobank.jp/word/%E3%83%95%E3%82%A9%E3%83%88%E3%82%B8%E3%82%A7%E3%83%8B%E3%83%BC-123513


フランス ルイ・デリュックによる「フォトジェニー論」 - 映画中毒者の映画の歴史

 フランスのルイ・デリュックは、著書「フォトジェニー」の中でフォトジェニー論を唱えて、注目を集めている。

 この「フォトジェニー」について少し詳しく書いておきたい。定義すると、「映画の本質や特質を規定する概念で、映画特有の映像美や美的効果といった『映画的なるもの』のこと」ということになり、幅が広い。ジャン・エプスタンらに影響を与えていくこの理論は、多くの人によって独自の解釈が施されて、内容は微妙に変化していく。

 デリュック自身が考えた元々のフォトジェニーとは、写真的な映像美のことであったという。とはいっても、技巧を凝らした作為性の強い芸術写真のことではなく、偶然に自然にキャメラが捉えたスナップショットニュース映画の類を指していた。

 「沈黙」は、フィルムダール社のために監督された作品である。1人の男がベッドの上で過去を回想し、最後には自殺するという物語だった。観客を現在や過去へと導くために、フラッシュ・バックやクロス・カッティングを大々的に使用し、1人の登場人物の中で高揚しているように演出されているという。デリュックは、デリュッククロス・カッティングの重要性を理解していたと言われ、次のようにも述べている。

 「映像による現在と過去、現実と想い出という対照は、映画芸術の最も魅力的な議論の一つである。(中略)私は、数々の想い出についての妄想や過去への根源的な回帰を映画に転写する以上に魅力的なものは何も知らない」

 また、「沈黙」では、セット、照明、撮影が雰囲気を生み出し、字幕のような「説明文」がなくても成り立つようになっていたという。しかし、興行的には失敗した。美しい映像や、豪華な描写がなかったためとも言われている。

 デリュックは「沈黙」以後も、カメラが生み出す「フォトジェニー」を映画美の本質と捕らえ、フォトジェニー論を実践した作品を以後監督していき、1920年代のフランス映画界に大きな影響を与えていく。

http://d.hatena.ne.jp/cinedict/20090722/1248273335


フォトジェニックとは - はてなキーワード

photogenic 英語

形容詞。写真うつりの良いこと。

原義はphoto- + -genic(〜によって作られた)すなわち「光によって生じた」の意味で、19世紀中頃に"photogenic drawing"(「写真」を意味する初期の表現)として用いられたのが最初。写真映りがよい、の意味が加わったのは1928年

なお英語としては、ほかにphotogenic cell(発光細胞)など「光を生じる」の意味もある。

http://d.hatena.ne.jp/keyword/%A5%D5%A5%A9%A5%C8%A5%B8%A5%A7%A5%CB%A5%C3%A5%AF

何を根拠に“写真映りがよい、の意味が加わった”のが1928年としているのかが気になるところ。

CiNii 論文 - 現前という狂気 : ロラン・バルト『明るい部屋』再読

現前という狂気 : ロラン・バルト『明るい部屋』再読

Les mots craches : sur l'economie de l'acte de parole chez Celine


梅木 達郎

UMEKI Tatsuro

http://ci.nii.ac.jp/naid/110004811973


◇ 小池隆太 ロラン・バルト『明るい部屋』における「写真論」の意味

http://webcache.googleusercontent.com/search?q=cache:M0K7GlaFAoAJ:repo.lib.yamagata-u.ac.jp/bitstream/123456789/5676/1/ywjcyp-44-04.pdf+&cd=1&hl=ja&ct=clnk&gl=jp

器官なき身体 - Wikipedia

官なき身体(きかんなきしんたい)とはジル・ドゥルーズとフェリックス・ガタリがアントナン・アルトーの言葉をもとに自らの哲学的概念として展開した概念である

身体には有機体的サイクルとは別個の欲望する身体とでもいうべき「器官なき身体」が存在し、それにとって個体の生存を維持する諸器官は必要とされない。植物における成長サイクルと生殖サイクルをたとえにすれば、人間にとっては生殖器という器官は性行動にとって結果として使われるものに過ぎず、五感、全身を使って生殖活動があらゆる社交活動、創造活動へと広がってゆく。それは女性的な身体と言えるかもしれない。器官ある身体が、男性的身体、生存してゆく身体、個体を形成する身体だとすれば、器官なき身体とは、女性的な、包み込む、癒しの身体、対象を欲望し、また生み出す身体ということがいえるかもしれない。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E5%99%A8%E5%AE%98%E3%81%AA%E3%81%8D%E8%BA%AB%E4%BD%93


◇ La poupée qui fait: 器官なき身体 Corps sans organes

http://lapoupeequifait.blogspot.jp/2013/10/corps-sans-organes.html


◇ BOOKSTEADY Lesson.1 8/13「ドゥルーズレッスン器官なき身体、欲望する機械について」 PART.1 - donner le mot

http://donnerlemot.com/2011/03/04000869.html


◇ 「器官なき身体」覚え書き - Arisanのノート

http://d.hatena.ne.jp/Arisan/20070504/p1

スラヴォイ・ジジェク『身体なき器官』(書評)小泉義之 - 立命館大学大学院 先端総合学術研究科 | 背負ったものを賭けるに値する研究のために

 本書での大きな構図はこうである。異教信仰−ユダヤ教キリスト教の三幅対は、歴史的に二度繰り返された。すなわち、スピノザカントヘーゲルと、ドゥルーズデリダラカンである。これら三幅対において、ドゥルーズは、異教信仰とスピノザに相当するわけだが、本書でジジェクは、実はドゥルーズヘーゲルラカンにも相当すると主張する。

 この主張の賭け金はこうである。近年ドゥルーズは現代哲学の中心的参照点になってきた。政治的にも「反グローバリズムを掲げる現代の左派や資本主義への抵抗の理論的基礎として役立っている」。そして、ジジェクの診断によれば、ドゥルーズのいう「器官なき身体」は「生産の場としての潜勢的なもの」であり、これが自己組織化するマルティテュードと読みかえられ、観念論的主観主義と結びついた左翼急進主義の理論的支柱となってきた。こうした「アングロ・サクソン化」「ガタリ化」されたドゥルーズヤッピー的に読まれた後期資本主義イデオローグとしてのドゥルーズ浅田彰構造と力』を想起しておこう)に対して、「もう一人別なるドゥルーズ精神分析ヘーゲルにより近いドゥルーズ、その帰結がより破壊的なドゥルーズ」を際立たせること、これがジジェクの賭け金である

 別なるドゥルーズとは、とりわけ『意味の論理学』のドゥルーズであるジジェクの解釈によれば、純粋な出来事=意味の発生器である無意味、言いかえるなら、不毛な場としての潜勢的なものを静的に発生させる準原因や暗き先触れ、これはヘーゲルの否定性やラカンファルス=身体なき器官に相当するのであって、これが構造化する「影の劇場」こそが、昨今の政治左翼以上に、現実の変革においては決定的に重要なのであるドゥルーズ自身はそのことに気づいていなかったからこそ、「内的に行き詰まって」ガタリの下へ走ったというわけである

 以上のドゥルーズ解釈に対してはさまざまな異論が思い浮かぶがそれは措いて、ジジェクの賭け金に対して疑問を一つだけ記しておく。別なるドゥルーズ、言いかえるなら、ヘーゲルラカンの現実破壊性は、ジジェクの卓抜なヘーゲルである『厄介なる主体』を参照してもそれほど明確ではないし、最近のジジェクの旺盛なパウロ論やレーニン論と整合するとはとても思えない。別に悪いことではないが、ジジェクにしても、二人のジジェクがいるような気がする

週刊読書人』第2562号 2004/11/12

http://www.ritsumei.ac.jp/acd/gr/gsce/s/ky01/041112.htm

2014-10-23 モードの提携(あるいは定型)

マーシャルマクルーハン機械花嫁産業社会フォークロア』(訳:井坂学 竹内書店新社)

http://www.amazon.co.jp/dp/4803500401


マーシャルマクルーハン - Wikipedia

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%9E%E3%83%BC%E3%82%B7%E3%83%A3%E3%83%AB%E3%83%BB%E3%83%9E%E3%82%AF%E3%83%AB%E3%83%BC%E3%83%8F%E3%83%B3

10+1 web site|磯崎新をどのように読み継ぐか──批評手法歴史をめぐって|テンプラスワン・ウェブサイト

浅田彰京都造形芸術大学教授)×岡粼乾二郎美術家批評家)×日埜直彦(建築家

http://10plus1.jp/monthly/2014/10/issue-01.php

ルートヴィヒ・アンドレアス・フォイエルバッハ - Wikipedia

ルートヴィヒ・アンドレアス・フォイエルバッハLudwig Andreas Feuerbach, 1804年7月28日 - 1872年9月13日)は、ドイツ哲学者青年ヘーゲル派の代表的存在である刑法学者のアンゼルムフォイエルバッハの四男。

ゲオルク・ヴィルヘルム・フリードリヒヘーゲル哲学から出発し、のちに決別。唯物論的な立場から、特に当時のキリスト教に対して激しい批判を行った。また現世的な幸福を説くその思想は、カール・マルクスフリードリヒ・エンゲルスらに多大な影響を与えた。マルクス観点から見た哲学史では、ヘーゲルマルクスの橋渡しをした人物としてその名を見ることができるが、近年[いつ?]のフォイエルバッハ研究では、マルクスには解消されないフォイエルバッハ独自の可能性が指摘されている。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%AB%E3%83%BC%E3%83%88%E3%83%B4%E3%82%A3%E3%83%92%E3%83%BB%E3%82%A2%E3%83%B3%E3%83%89%E3%83%AC%E3%82%A2%E3%82%B9%E3%83%BB%E3%83%95%E3%82%A9%E3%82%A4%E3%82%A8%E3%83%AB%E3%83%90%E3%83%83%E3%83%8F

青年ヘーゲル派 - Wikipedia

歴史は、1814年に成立したウィーン体制王政復古)から、1848年革命に到り、旧勢力(封建制社会)から新勢力(自由主義社会主義)へと転換した時期でもあった。 このように、青年ヘーゲル派の足跡は、この後にマルクス主義哲学と、実存主義哲学とに受け継がれていくこととなる。

青年ヘーゲル派の哲学者として、ダーフィト・シュトラウス、フォイエルバハ、ブルーノ・バウアー、マックス・シュティルナーなどがいるが、さらにこの青年ヘーゲル学派の影響下にあった人物としてカール・マルクスキルケゴールアナキストバクーニン詩人ハイネが挙げられるだろう。

ヘーゲル左派の詳しいメンバーは、ヘーゲル主義者の一覧#青年ヘーゲル派の項を参照されたい。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E9%9D%92%E5%B9%B4%E3%83%98%E3%83%BC%E3%82%B2%E3%83%AB%E6%B4%BE


ヘーゲル主義者の一覧 - Wikipedia

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%98%E3%83%BC%E3%82%B2%E3%83%AB%E4%B8%BB%E7%BE%A9%E8%80%85%E3%81%AE%E4%B8%80%E8%A6%A7

Photography Unlimited by Susan Sontag | The New York Review of Books

JUNE 23, 1977 ISSUE

Such images are indeed able to usurp reality because a photograph is not only an image (as a painting is an image), an interpretation of the real; it is also a trace, something directly stenciled off the real, like a footprint or a death mask.

http://www.nybooks.com/articles/archives/1977/jun/23/photography-unlimited/

"Six Photographs": René Burri on Vimeo

https://vimeo.com/68146128

2014-10-22 「タイムトラベラー」by ノーター