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2014-06-22 LACUISINEJAPONAISE?

JAPON @ Abbaye St André - Centre d'art contemporain de Meymac (CAC)

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2014-05-03

TWSレジデンス成果展「トーキョー・ストーリー2014 第1期」

2014年5月3日(土・祝)〜2014年6月8日(日)

11:00〜19:00 (最終入場は18:30) 月曜休館(祝日場合は翌火曜)

会場:トーキョーワンダーサイト本郷文京区本郷2-4-16)

   トーキョーワンダーサイト渋谷渋谷区神南 1-19-8)

   http://www.tokyo-ws.org/archive/2014/04/S0503.shtml

   http://www.tokyo-ws.org/

2014-04-19 神速仏主義(KD)

神速仏主義(KD)


f:id:n-291:20140419052220j:image







Walker Evans: Alabama Cotton Tenant Farmer's Wife (Allie Mae Burroughs)

◇ Alabama Cotton Tenant Farmer Wife - The Metropolitan Museum of Art

http://metmuseum.org/collections/search-the-collections/286463


◇ [Allie Mae Burroughs, Hale County, Alabama] - The Metropolitan Museum of Art

http://www.metmuseum.org/collections/search-the-collections/275876


◇ [Allie Mae Burroughs, Hale County, Alabama] - The Metropolitan Museum of Art

http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/275447


◇ Search results - The Metropolitan Museum of Art

http://www.metmuseum.org/search-results?ft=Alabama+Cotton+Tenant+Farmer+Wife

http://www.metmuseum.org/search-results?ft=Allie+Mae+Burroughs


◇ After Walker Evans: 4 - The Metropolitan Museum of Art

http://www.metmuseum.org/collections/search-the-collections/267214


◇ Alabama Cotton Tenant Farmer's Wife - The Art Institute of Chicago

http://www.artic.edu/aic/collections/artwork/13720


◇ Tenant Farmer Wife (Allie Mae Burroughs) - Milwaukee Art Museum

http://collection.mam.org/details.php?id=20299


◇ Explore Modern Art | Our Collection | Walker Evans | Tenant Farmer's Wife, Alabama - SFMOMA

http://www.sfmoma.org/explore/collection/artwork/28151


◇ allie_mae_burroughs_print.jpg (2590×3367)

http://jonathanbarkphotography.files.wordpress.com/2014/01/allie_mae_burroughs_print.jpg


◇ File:Allie Mae Burroughs print.jpg - Wikipedia, the free encyclopedia

http://en.wikipedia.org/wiki/File:Allie_Mae_Burroughs_print.jpg


◇ Tenant Farmer's Wife, Alabama, 1936 - The Exacting Eye of Walker Evans - Florence Griswold Museum

http://walkerevans.florencegriswoldmuseum.org/gallery/gallery.php5?id=18


◇ Compare / Tenant Farmer's Wife, Alabama, 1936 - The Exacting Eye of Walker Evans - Florence Griswold Museum

http://walkerevans.florencegriswoldmuseum.org/compare/compare.php5


◇ Walker Evans picture of Allie Mae Burroughs in 1936 - réflexions et les images de Mary

http://marypearson1.wordpress.com/2012/12/28/walker-evans-picture-of-allie-mae-burroughs-in-1936/


◇ Arts Book Review: The Story of a Photograph: Walker Evans, Ellie Mae Burroughs, and the Great Dep... - YouTube

http://www.ArtsBookMix.com

This is the summary of The Story of a Photograph: Walker Evans, Ellie Mae Burroughs, and the Great Depression (Kindle Singles) by Jerry L. Thompson.

http://youtu.be/-bH_qURhJrw


◇ Walker Evans’ Famous Picture of an Alabama Tenant Farmer’s Wife Is Celebrated and Explained - The Daily Beast

http://www.thedailybeast.com/articles/2012/07/11/walker-evans-famous-picture-of-an-alabama-tenant-farmer-s-wife-is-celebrated-and-explained.html

[Two Prints of Ticket Window, Kingston, Rhode Island, For Fortune Article: "The U.S. Depot"] - The Metropolitan Museum of Art

http://www.metmuseum.org/collections/search-the-collections/284851


◇ Walker Evans Dye transfer prints - Search the Collections - The Metropolitan Museum of Art

http://www.metmuseum.org/collections/search-the-collections?&who=Walker+Evans&what=Dye+transfer+prints&pg=1

The Collection | Walker Evans. Jack Heliker's Bedroom Wall, Cranberry Island, Maine. 1969 - MoMA

http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=45612


◇ Washstand in the dog run and kitchen of Floyd Burroughs' cabin. Hale County, Alabama - Library of Congress

http://www.loc.gov/pictures/resource/ppmsc.00242/

America, Seen Through Photographs, Darkly, Diane Arbus and a Gluten-Free Cake - What Liberty AteWhat Liberty Ate

In his 1971 catalogue retrospective at MOMA, Evans chose Whitman’s words as epigraph:

I do not doubt but the majesty and beauty of the world are latent in any iota of the world…I do not doubt there is far more in trivialities, insects, vulgar persons, slaves, dwarfs, weeds, rejected refuse, than I have supposed…I do not doubt interiors have their interiors, and exteriors have their exteriors―and that theeye-sight has another eye-sight, and the hearing another hearing, and the voice another voice.

http://whatlibertyate.com/2014/02/america-seen-through-photographs-darkly-and-diane-arbus/


◇ A PHOTOGRAPHIC HISTORY OF PHOTOGRAPHY (1992) - WALKER EVANS (1903-1975) The magnificence of plating - anthropogénie, anthropogeny

All in all, Evans was an archaeologist poet, just like Adams was a geologist poet. He does not worry about the poor and the utensils because they ask for pity, like (yet, are we sure?) in Dorothea Lange’s work, nor the social encouragement, as we sometimes find in Hine’s work. The famous 1936 reportage, whose text was written by Agee, bears the following psalm as a title: Let us now praise famous men. And the MOMA catalogue, which Evans supervised and inspired begins with an unambiguous text by Walt Whitman: ‘I do not doubt there is far more in trivialities, insects, vulgar persons, slaves, dwarfs, weeds, rejected refuse, than I have supposed...’. Which enlightens what precedes it: ‘I do not doubt but the majesty and beauty of de world are latent in any iota of the world...». We shall note the ‘beauty’, but particularly the ‘majesty’. And we shall remember that English ‘World’ is very different to the French ‘Monde’, which is derived from ‘woruld’, the environment as a horizon to every utensil graspable by man’s body and brain. Decidedly, throughout the work of Watkins, Stieglitz, Weston, Dorothea Lange, Ansel Adams and Walker Evans, we still do not manage – in American photography to date – to leave behind us the echoes of Ralph Waldo Emerson’s transcendentalism and Charles Sanders Peirce’s mystical pragmatism.

What must have been the change when Evans, consequently, switched from 8 x 10 or 8 x 5 plates – which were fascinating yet burdensome – to the very easy to transport 35 mm that allowed him to photograph travellers on the New York subway? ‘These are assuredly quite different photographic activities’, he tells Student 17, yet the vision-construction is fundamentally the same. As the 1940 Subway Portraits (**MO, 149) show very well, the walls of the subway cars offered his outlook the same referential as the Havana buildings and the walls of the interiors and exteriors of Let Us Now Praise Famous Men: a strict shot that is close, firm, square, solid, and also small enough for the relationship between the show and the image should remain frontal, with the very same bias in relation to the horizontal he had practiced for so long. No, there is a difference. The texture is now smoother with rapid films that detail less the material than the plates, which allows him to introduce the vectoriality of outlooks in the global fluidity. Whitman’s epigraph is then concluded: ‘interiors have their interiors, and exteriors have their exteriors’.

http://henrivanlier.com/anthropogeny/hpp_evans_an.htm

INTERVIEW: Walker Evans - "The Thing Itself is Such a Secret and so Unapproachable" (1974) - AMERICAN SUBURB X

“The Thing Itself is Such a Secret and so Unapproachable”


George Eastman House, Image Magazine, Vol. 17., No.4, December, 1974, Originally Published in Yale Alumni Magazine, February, 1974.

Yale: What do you tell your students?


W.E.: First of all, I tell them that art can’t be taught, but that it can be stimulated and a few barriers can be kicked down by a talented teacher, and an atmosphere can be created which is an opening into artistic action. But the thing itself is such a secret and so unapproachable. And you can’t put talent into anybody. I think you ought to say so right away and then try to do something else. And that’s what a university is for, what it should be ― a place for stimulation and an exchange of ideas and a chance to give people the privilege of beginning to take some of the richness of general life that’s in everybody and has to be unlocked.

http://www.americansuburbx.com/2011/10/interview-walker-evans-with-students.html

磯崎新建築論集 2 / 磯崎 新【著】/松田 達【編集協力】 - 紀伊國屋書店ウェブストア

内容説明

十九世紀以降の都市の変貌を独自の視点で整理し、脱近代の都市像を鮮やかに浮かび上がらせる卓抜な現代文明論。一見均質な近代都市空間が重層的なネットワークの形成で変容し、あたかも海に浮かぶ群島のごとく、相互に異質な集合体=虚体都市が次々に出現する現代社会の様相を明らかにする。二十一世紀世界への予見的洞察。


目次

1 虚体都市都市破壊業KK;流言都市廃墟論)

2 都市デザイン―方法と政治都市デザインの方法;スコピエ計画の解剖;都市開発の政治テーマ・パーク)

3 不可視大都市(“島”的都市の発想と歩く空間;座標と薄明と幻覚;軽量で、可搬的なものたちの侵略;見えない都市

4 不可侵の超都市(「都市」は姿を消す;“しま”の析出;都市の類型)


著者紹介

磯崎新[イソザキアラタ]

1931年生。東京大学大学院建築学博士課程修了。建築設計事務所磯崎新アトリエ主宰。世界各地で建築都市の設計に携わり、展覧会を開催。国際的建築競技設計(コンペ)の審査委員を務める。英国王立芸術院米国芸術文学アカデミー名誉会員。建築家であると同時に、芸術家批評家思想家として横断的に活躍


松田達マツダタツ]

1975年生。建築家東京大学工学部都市工学科卒業同大学大学院建築学専攻修士課程修了。隈研吾建築都市設計事務所を経て、パリ第12大学パリ都市計画研究所DEA課程修了。現在東京大学先端科学技術研究センター助教松田達建築設計事務所代表(本データはこの書籍が刊行された当時に掲載されていたものです)


出版社内容情報

19世紀以降の都市の変貌をw 虚体都市」w 不可侵の超都市」など独自の視点で整理し,脱近代の都市像を鮮やかに浮かび上がらせる卓抜な現代文明論.一見均質な近代都市空間が重層的なネットワークの形成で変容し,海に浮かぶ群島の如く,相互に異質な集合体=虚体都市が出現する現代社会の様相を明らかにする.21世紀世界への予見的洞察.

http://www.kinokuniya.co.jp/f/dsg-01-9784000286022


◇ 『磯崎新建築論集 全8巻』

http://www.iwanami.co.jp/moreinfo/028601+/top2.html

メモ

◇ TUESDAY, AUGUST 09, 2005 - think photo

1900ー1930


20世紀前半「機械時代(マシーンエイジ)」とも。機械化は人々のものの考え方や経験の仕方、感じ方に深い影響を及ぼした。


一方で迫り来る機械文明への一種の反動として、機械的で即物的なイメージを拒絶し、懐古的に印象派的な朦朧とした絵画イメージを追い求める「ピクトリアリズム」の写真流行


アメリカ写真モダニズム


ピクトリアリズム(絵画主義)と称された写真芸術運動は、19C松から20C初頭にかけてロンドンを拠点にパリをはじめとした大陸都市、さらにはアメリカへと広がりを見せる。


アルフレッド・スティーグリッツ


特にアメリカではヨーロッパとは異なる独自の展開を見せる。中心人物はアルフレッド・スティーグリッツであった。スティーグリッツは1880年代にドイツ留学1889年アメリカ帰国後ヨーロッパ芸術写真の息吹をアメリカに伝える戸とtも似時刻の芸術写真の進展に尽力。1902年にはフォトセセッション結成。次第に「純粋写真」「ストレート写真」に向かう。1917年の『カメラワーク』最終号は、スティーグリッツの写真美学の一つの大きな転換を示す。そこでは芸術写真が尊んだ絵画イメージを追放したポール・ストランドの特集が組まれた。スティーグリッツも1922年には雲をストレートにとらえた連作の政策を開始。彼の写真芸術重要概念である等価物(イクィヴァレント)」に導く。すべての芸術芸術家の生の体験の「等価物」であるとして、写真の対象の意味を対象そのものにではなく写真家の内面性に置くと言うモダニスト的立場を明確にした。


ウェストンとアダム


ウェストンは、写真にとって最も重要なのは被写体ではなくどのようなイメージを最終的にプリントとして作り上げるかであると主張。写真制作における主体としての個人の優位を明確にする。


アダムズはスティーグリッツとアダムズが切り開いたモダニズム写真美学継承しながら、風景写真の領域でストレート写真美学を開花させる。


ウェストンとアダムズは、「f.64」という写真か集団を結成し「ストレート写真」を独自の写真のあり方として確立しようとした。


こうして20C初頭から1930年代アメリカ写真芸術では、世紀末的な絵画主義写真からストレート写真へというダイナミックな展開が見られた。同様の傾向は、ヨーロッパモダニズム写真にも「新即物主義ノイエザハリヒカイト)」などとして現れる。


ヨーロッパ前衛芸術運動と写真


未来派

フィリッポ・トマゾマリネッティ1909年パリの『フィガロ』紙に「未来派宣言」を発表。機械スピードの美を称賛し、過去伝統的な美的価値観の打破を叫ぶ。


ダダ

1914年第一次世界大戦によって機械の仮借なき暴力性が意識され進歩的歴史観を揺るがすことになった。伝統的な芸術のあり方を根底から否定するラディカルな芸術運動が見られた。既成の価値観を否定し嘲笑を浴びせることで大衆を挑発することである。とりわけベルリンダダでは「フォトモンタージュ」という表現形式によるラディカルな展開を見る。ここで伝統的な写真概念は崩壊したと言える。


シュルレアリスム

ダダの運動は「否定」の精神に貫かれていたため「創造」というポジティヴな力として持続しにくかった。1924年アンドレ・ブルトンが「シュルレアリスム宣言」を行う。否定というダダ精神を受け継ぎながらも、「創造」していく技術運動へとシフトしてゆく。フロイト精神分析理論に影響を受け、無意識の領域を描き出すという動きが現れる。写真に置けるシュルレアリスム重要作家アメリカ人マン・レイであった。超現実的イメージ写真の創造者として注目される。また、フランスのドキュメンタリストであるウジェーヌ・アジェを世に出したことでも重要であるアジェは19C末から20C初頭にかけてのパリの街並みを記録したが、事物の本来の意味曖昧になり未知のイメージに添加するような写真も見いだされたことで注目を浴びる。1930年にはフランスドイツ写真集アジェ』が同時に出版される。


構成主義

1917年ロシア革命により社会主義国誕生したのを契機に1920年頃姿を現した芸術運動。1910年代ロシア・アヴァンギャルド画家たちによる抽象絵画運動が到達した徹底的な抽象化幾何学的な造形の原理を引き継ぎながら、20世紀機械文明を芸術の新たな可能性として積極的に受け止め、グラフィック建築テキスタイルなど様々な造形領域で新社会にふさわしい革命的な芸術を追求し実験と実践を行う。伝統の否定という点ではダダシュルレアリスムに通じるtが、造形芸術生産的活動の一環ととらえた点。したがって、構成主義では芸術家特権的な創造者と言うよりむしろ創造的な技術者として位置づけられる。アレクサンドル・ロトチェンコなど。


バウハウス

1919年ドイツワイマールバウハウスが設立される。その教育理念は、20Cの機械文明の重要性を明確に意識したもの。写真の領域においても注目すべき活動が生まれた。中心人物の一人は、モホイ=ナジである。新時代の写真は対象の描写という伝統的な役割から解放され、写真を他の芸術から区別する本質的な現象である「光」による造形活動であると主張。バウハウス写真をフラフィックデザインの要素として用いる手法において、同時代の商業美術にも大きな影響を与えた。

http://aoi-june-photo.blogspot.jp/2005/08/19001930-20-19c20c-18801889t1902191719.html

どなたかのメモメモ。ただし要検証。













WW2WE/US2JP [DemosKratia]

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2014-04-18 ”victims of fashionable nonsense” and/or ”casualties of fashi

"victims of fashionable nonsense" and/or "casualties of fashionable nonsense"


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Sache とは - コトバンク

世界大百科事典内のSacheの言及

【こと(事)】より

…〈こと〉は〈もの〉と対立する優れて日本的な存在概念である英語のevent,matter,ドイツ語のSache,Sachverhalt,フランス語のchose,faitなどを時によっては〈事〉と訳す場合もあるが,元来の発想はそれらとは異質であるグラーツ学派のマイノングが,高次対象論において学術的概念として導入した〈objektiv〉をはじめ,後期新カント学派,初期現象学派,論理分析学派などの学術的概念のなかには〈こと〉に類するものがないわけではないが,それらとて〈こと〉とはかなりのへだたりがある。…

※「Sache」について言及している用語解説の一部を掲載しています。

http://kotobank.jp/word/Sache

La révolution surréaliste N°7, juin 1926

http://inventin.lautre.net/livres/La-revolution-surrealiste-7.pdf

Eugène Atget*3


◇ La révolution surréaliste N°8, décembre 1926

http://inventin.lautre.net/livres/La-revolution-surrealiste-8.pdf

Eugène Atget*1


◇ La Révolution surréaliste - Wikipedia, the free encyclopedia

http://en.wikipedia.org/wiki/La_R%C3%A9volution_surr%C3%A9aliste

中井正一メディア論−深田康算,久野収,新村猛,武谷三男,三木清,戸坂潤,西田幾多郎,田辺元らとの関係における中井弁証法

著者紹介  

後藤嘉宏(ごとう・よしひろ)

筑波大学大学院図書館情報メディア研究科情報メディア社会分野)助教授

学群(学部)担当科目メディア論社会学、知識資源論

博士前期課程修士課程担当科目;専門情報・資料(社会

鎌倉市に生まれ、育ち、在住する傍ら、つくば市でも住み、働く

慶應義塾大学文学部文学科仏文専攻卒業

東京大学大学院社会学研究科社会学専攻(B新聞学)修士課程修了(社会学修士

東京大学大学院博士課程単位取得満期退学

九州大学より博士(比較社会文化)の学位を得る

日本社会学会、日本マス・コミュニケーション学会思想の科学研究会

メディア研究会日本社会情報学会情報メディア学会日本出版学会、各会員

日本の生んだ数少ない独創的思想家の一人といわれる中井正一(1900-52)のメディア論を、彼の京大時代の恩師深田康算の美学からの影響、及び中井の在学・在職当時京大で影響力のあった西田幾多郎田辺元弁証法理解への批判、あるいは三木清などの先輩や、新村猛、和田洋一久野収武谷三男などの友人とのかかわりから解き明かす。本書は、九州大学より博士の学位を受けた論文中井正一におけるメディウムとミッテルに関する一考察――中井の2つの媒介概念と、資料、官庁資料、本、図書館」を大幅に増補・改稿したものであり、中井研究において一定の意義あるものであると同時に、日本の現代のメディア状況を照らすものとなるべく努めた。

http://www.geocities.jp/yoshiclassic/aboutmybook


多目的ホールの楽屋裏−Yoshi`s website(2)

http://www.geocities.jp/yoshiclassic/

ル・コルビュジエブルータリス研究(21520142) - KAKEN

2009年度〜2012年

伊集院 敬行

研究者番号:90304245

島根大学・法文学部准教授

本年度は、ル・コルビュジエブルータリスムのシュルレアリスム性を説明する理論として、ル・コルビュジエの機械美学映画理論と接合した中井正一(1900-1952)の美学について考察した。これまで全く論じられていないが、中井映画ハイデガーに即して論じるために精神分析理論を応用している。そこでは映画精神分析が行われる場、すなわち無意識のエスが暴露される場として理解され、これが現存在の本来的在り方と重ね合わされた。一方、中井ル・コルビュジエの機能美学存在論的に論じたり、映画と結びつけて論じたりしている。

23年度は、主にこの点を強調したけ研究成果を、日本映像学会の第37回大会(於:北海道大学)、意匠学会大会(於:国立民族博物館)で口頭発表した。前者では主に中井の映像論の精神分析的側面について、後者では中井のそのような映像論とル・コルビュジエの機械美学との関連についての考察を発表した。また、現在、『映像学』に研究成果をまとめた論文を投稿し、審査を受けている。

さて、中井が「機械美の構造」で映画ル・コルビュジエの機能主義美学を結びつけていることから、このような中井映画精神分析的理解は、ル・コルビュジエの機能主義美学にも当てはまると考えられる。これを踏まえるなら、ル・コルビュジエの後期スタイルであるブルータリスムに見られるシュルレアリスム性について、映像論的、精神分析的、存在論的な考察が可能になる。そして、これにより、単純な機能主義的からはみ出るものとしてモダンデザインの再定義が可能になるだろう。

http://kaken.nii.ac.jp/d/p/21520142

モダンフォトグラフィ」受容の重層性──『フォトタイムス』誌に見る言説空間と写真実践── 高橋千晶

 こうした背景のもと、大正13[1924]年にオリエンタル写真工業宣伝部内フォトタイムス社は、月刊写真雑誌『フォトタイムス』を創刊する【図1】。編集主幹の木村専一(1900-1938)は、昭和5[1930]年に「新興写真研究会」を設立したことから、「新興写真」の名付け親と目されるが1、『フォトタイムス』編集においては、ラースロー・モホイ=ナジ(Laszlo Moholy-Nagy:1895-1946)や、マン・レイ(Man Ray:1890-1976)など新進気鋭の欧米作家の動向を、翻訳論文写真図版を通して多数紹介することによって新機軸を打ち出した。こうした事例から、『フォトタイムス』は、『アサヒカメラ』(朝日新聞社昭和2[1926]年創刊)、『光画』(聚楽社、昭和8[1933]年創刊)とともに、新興写真運動を語る上で不可欠の写真雑誌の一つと見なされている。たとえば飯沢耕太郎は、「新興写真研究会」と『フォトタイムス』における木村専一の活動が「自分たちの方法を模索していた日本写真家たちに、明確な指針を与えるものであった」と高く評価し、「『新興写真』の時代のはじまりを告げるもの」と本誌を位置づける2。同様に、西村智弘も「新興写真の誕生」を語る際に木村専一と『フォトタイムス』に言及し、「新興写真運動が生まれる上で木村とこの写真雑誌が果たした役割は大きかった」と指摘する3。

 しかしながら、1930年前後の『フォトタイムス』誌面を見ると、必ずしも本誌が「新興写真」という概念に首尾良く折り込まれるわけではないことに気づく。むしろ、口絵掲載の写真作品や投稿記事の中には、新興写真が繰り返し否定してきた「芸術写真」を彷彿させる事例も散見され、『フォトタイムス』という場が、相反する要素を貪欲に吸収・消化した複雑なメディア空間であったことが浮かび上がってくる。このことは、1930年代日本写真界を席巻した「新興写真」と呼び慣わされる思潮が、必ずしも明確に定義できるものではなく、複数の方向へと分岐する流動的な動きであったことと無縁ではない。

 問題はそれだけではない。『フォトタイムス』創刊の時代、つまり大正末から昭和初期の写真界は、明治から続く老舗の写真雑誌写真月報』や『写真新報』に加えて、福原信三の『写真芸術』(写真芸術社、大正10[1921]年創刊)、高桑勝雄主筆の『カメラ』(アルス大正10[1921]年創刊)、淵上白陽主幹の『白陽』(白陽社、大正11[1922]年創刊)、中島謙吉主幹の『芸術写真研究』(アルス大正11[1922]年創刊)など、主としてアマチュア写真家を読者層とした写真専門誌がしのぎを削った時代であった。大正後期の写真界は、「芸術写真」を標語とした写真雑誌創刊ブームの渦中にあったと言える。このブームにやや遅れて誕生した『フォトタイムス』は、創刊当初からアマチュア写真家のみならず、「プロ」の写真家も読者層に取り入れることを明確に意識し、従来の写真雑誌と異なる路線の開拓を目指していた4。本誌が先行する競合誌との差異化をはかるために、「モダンフォトグラフィ」というモード戦略的に取り入れたと考えることはそれほど難しくはないだろう。

 以上を踏まえて、本稿では、1930年代前後の『フォトタイムス』誌掲載のテクスト写真イメージに注目することによって、「モダンフォトグラフィ」受容の重層性を明らかにし、モードとしての「モダンフォトグラフィ」――国際的であること/同時代的であること/社会性があること(プロフェッショナルであること)――の戦略的利用の様相を浮き彫りにすることを課題とする。

第2章第3節 板垣鷹穗の「新しい視覚」

 新興写真においては、運動を牽引した論者が必ずしも写真家だけではなく、板垣鷹穂や村山知義など、同時代の批評家芸術家が中核に位置していたことも、それまでとは異なる側面であった26。板垣は自ら写真を撮影・発表したわけではないが、その理論を実践するために堀野正雄や渡邊義雄を協力者として、いわゆる「グラフモンタージュ」を共同制作する。「グラフモンタージュ」とは、主に雑誌誌面での写真の発表形式の一つであり、あるテーマを複数の写真の組合せによって、視覚的に報告する働きを持つ。『フォトタイムス』では、こうした写真の発表の仕方を「グラフ」と呼んで他の記事と区別しているが【資料参照】、明確な線引きはなされていないようである。いずれにしても、堀野正雄が連載した「新しきカメラへの途」は、後の「グラフモンタージュ」の萌芽とみなせる取り組みであり、板垣の指導によって堀野が自らの路線を開拓していく様がはっきりと読みとれる。

 ここでは、板垣が自らの機械美学写真によって実験した著作、『優秀船の芸術社会学的分析』(天人社、1930年)刊行に先立って、『フォトタイムス』に掲載した「機械的建造物の乾板撮影」と、板垣の指導によって堀野が撮影した瓦斯タンクシリーズを取り上げて、板垣の「新しい視覚」の内実を探ることにする。

26  村山知義昭和2[1926]年から『アサヒカメラ』誌上でマン・レイやエル・リシツキーの作例に言及しながらフォトグラムやフォトモンタージュを「写真の新しい機能」として紹介している。新興美術の立役者であった村山の関心は、美術作品と写真の共鳴にのみ向けられたわけではなく、正確な再現性に写真の使命があることを指摘し、新興写真が掲げた理念を共有していた。「写真は先づ第一に迅速正確な報導者であり、再現者でなければならない。此の使命と可能性を忘れて古い芸術手段である所の絵画の真似をしやうとしたのが、所謂「芸術写真」であって、これは誤った道である事は、最早言ふ迄も無い。」『アサヒカメラ昭和5[1930]年4月号、403頁。

http://www.kyoto-seika.ac.jp/researchlab/wp/wp-content/uploads/kiyo/pdf-data/no38/takahashi_chiaki.pdf


ドイツ工作連盟主催「Film und Foto」展(一九二九年)と「独逸国際移動写真展」(一九三一年) : 新しい「展示システム」をめぐって(第六十二回美学会全国大会発表要旨) 江口みなみ

http://ci.nii.ac.jp/naid/110009480057


◇ 独逸国際移動写真展 - Wikipedia

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E7%8B%AC%E9%80%B8%E5%9B%BD%E9%9A%9B%E7%A7%BB%E5%8B%95%E5%86%99%E7%9C%9F%E5%B1%95

日本芸術写真──写真史における位置をめぐって 特別講演録(2011年4月16日

では、写真における表現という観点で写真史をみた場合、ピクトリアリズムの時代においては、残念ながら表現を基準にした写真歴史、つまり「通史」は書かれてきておりません。それがはっきり書かれるのは、1920年代の終わりから1930年代にかけてです。近代的写真表現というものを追求していくなかで、写真歴史というものが書かれていくのです。図録にも書かせていただきましたが、『写真眼 Foto Auge』(1929年)という写真集のなかにフランツ・ローの「メカニズムと表現」という文章があります。そのなかで写真歴史を初期の時代、頽廃の時代、現在と三つの時代に分け、初期の時代はよかった、次のいわゆる芸術写真の時代はよくなかった、そしてそれを否定することによって今後の新しい表現が生み出されていくと書かれています。この歴史観によって、その後さまざまな写真歴史が書かれてきていますが、その基本的な枠組みはずっと崩れてきておりません。たとえば、ボーモント・ニューホールというアメリカ写真歴史家が書いた『写真歴史──1839年から現在までThe History of Photography from 1839 to the Present Day』(初版1949年)でも基本的にその枠組みは踏襲されておりますし、ほぼ同時期に写真歴史について興味を持ち書き始めたヘルムート・ゲルンシャイムの『世界の写真史A Concise History of Photography』(1965年)にも共通していると思います。日本でも、たとえば田中雅夫さん(『写真130年史』1970年)とか、伊奈信男さん(『写真昭和五十年史』1978年)なども、やはりその基本的な枠組みは踏襲されております。

https://syabi.com/contents/images/info/journal/kiyou_11/03.pdf

活動報告 - 東京都写真美術館紀要 - 東京都写真美術館

東京都写真美術館紀要 No.13

[1]表紙〜目次 [ pdf_212Kb ]

[2]図版資料 P5〜「シンポジウム日本写真の1968』全記録」、P8〜「ロマンチシズムからヒューマニズムへ―大束元の再評価をめぐって」、P10〜「視点としてのユートピア:ガイ・ティリムのドキュメンタリー写真『Jo’burg』シリーズ歴史の地層を読む」[ pdf_2.74Mb ]

[3]P13〜P51「シンポジウム日本写真の1968』全記録」倉石信乃、土屋誠一、冨山由紀子、小原真史、金子隆一 [ pdf_1.70Mb ]

[4]P53〜P59「新進作家から見るデジタル時代における身体とその思考〜表現の時代背景から〜」山峰潤也 [ pdf_376kb ]

[5]P61〜P67「展覧会『シュタイデルとの本の作り方』について」伊藤貴弘 [ pdf_468kb ]

[6]P69〜P77「ロマンチシズムからヒューマニズムへ――大束元の再評価をめぐって」山田裕理 [ pdf_736kb ]

[7]P79〜P85「東京都写真美術館ワークショップ 暗室での現像体験の意義」徳本宏子 [ pdf_464kb ]

[8]P87〜P101「視点としてのユートピア:ガイ・ティリムのドキュメンタリー写真『Jo’burg』シリーズ歴史の地層を読む」栗栖美樹 [ pdf_1.01Mb ]

[9]P103〜P117 “Utopia as a perspective: Reading historical strata in Guy Tillim’s documentary photo essay Jo’burg series” Miki Kurisu [ pdf_712kb ]

http://syabi.com/contents/info/kiyou_13.html

とりわけガイ・ティリムについての論文が気になります。

ブルームズベリー・グループ - Wikipedia

ブルームズベリー・グループは、1905年から第二次世界大戦期まで存在し続けたイギリス芸術家学者からなる組織である

もともとは、姉妹であるヴァネッサ・ベルとヴァージニア・ウルフを含む4人のケンブリッジ大学生によって、結成された非公式な会合がきっかけであり、メンバーたちの卒業後もこの集いは存続した。

1910年ドレッドノート舞台とした「偽エチオピア皇帝事件」にはメンバーの多くが参加したが非国民という悪名を負う羽目となり、また彼らのストレート平和主義・左派自由主義の信念は戦時中において非難を引き起こすことがあった。第一次世界大戦後その組織統一は弱まり、意見や信念もばらばらなものとなってしまった。

ブルームズベリー・グループの意見や信念は第二次世界大戦を通して話題を呼び、広く非難されたが、次第に主流となりそれは終戦まで続いた。ブルームズベリー・グループのメンバーであった経済学者ジョン・メイナード・ケインズの著作は経済学の主要な理論となり、作家ヴァージニア・ウルフの作品は広く読まれ、そのフェミニズムの思想は時代を超えて影響を及ぼしている。他には伝記作家リットン・ストレイチー画家ロジャーフライ作家のデイヴィッド・ガーネット、E・M・フォースターがいる。また早くから同性愛に理解を示していた。イギリス哲学者で熱心な反戦活動家であったバートランド・ラッセルも、このグループの一員と見なされることがある。

ブルームズベリー・グループは組織一丸となっての活動成果よりも個々人の芸術的な活動成果が主に評価されているが、20世紀の終わりが見えた頃から、組織内での複雑な人間関係が、学問的注目を集め研究対象となっている。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%96%E3%83%AB%E3%83%BC%E3%83%A0%E3%82%BA%E3%83%99%E3%83%AA%E3%83%BC%E3%83%BB%E3%82%B0%E3%83%AB%E3%83%BC%E3%83%97

スーザン・ソンタグ遺言/『良心の領界』スーザン・ソンタグ - 古本屋の覚え書き

彼女はこの序文を書いた10ヶ月後に亡くなった──

 序

 若い読者へのアドバイス……

(これは、ずっと自分自身に言いきかせているアドバイスでもある)

 人の生き方はその人の心の傾注(アテンション)がいかに形成され、また歪められてきたかの軌跡です。注意力(アテンション)の形成は教育の、また文化そのもののまごうかたなきあらわれです。人はつねに成長します。注意力を増大させ高めるものは、人が異質なものごとに対して示す礼節です。新しい刺激を受けとめること、挑戦を受けることに一生懸命になってください。

 検閲を警戒すること。しかし忘れないこと──社会においても個々人の生活においてももっとも強力で深層にひそむ検閲は、【自己】検閲です。

 本をたくさん読んでください。本には何か大きなもの、歓喜を呼び起こすもの、あるいは自分を深めてくれるものが詰まっています。その期待を持続すること。二度読む価値のない本は、読む価値はありません(ちなみに、これは映画についても言えることです)。

 言語スラム街に沈み込まないよう気をつけること。

 言葉が指し示す具体的な、生きられた現実を想像するよう努力してください。たとえば、「戦争」というような言葉。

 自分自身について、あるいは自分が欲すること、必要とすること、失望していることについて考えるのは、なるべくしないこと。自分についてはまったく、または、少なくとももてる時間のうち半分は、考えないこと。

 動き回ってください。旅をすること。しばらくのあいだ、よその国に住むこと。けっして旅することをやめないこと。もしはるか遠くまで行くことができないなら、その場合は、自分自身を脱却できる場所により深く入り込んでいくこと。時間は消えていくものだとしても、場所はいつでもそこにあります。場所が時間の埋めあわせをしてくれます。たとえば、庭は、過去はもはや重荷ではないという感情を呼び覚ましてくれます。

 この社会では商業が支配的な活動に、金儲けが支配的な基準になっています。商業に対抗する、あるいは商業を意に介さない思想と実践的な行動のための場所を維持するようにしてください。みずから欲するなら、私たちひとりひとりは、小さなかたちではあれ、この社会の浅薄で心が欠如したものごとに対して拮抗する力になることができます。

 暴力を嫌悪すること。国家の虚飾と自己愛を嫌悪すること。

 少なくとも一日一回は、もし自分が、旅券を【もたず】、冷蔵庫電話のある住居を【もたない】でこの地球上に生き、飛行機に一度も乗ったことの【ない】、膨大で圧倒的な数の人々の一員だったら、と想像してみてください。

 自国の政府のあらゆる主張にきわめて懐疑的であるべきです。ほかの諸国の政府に対しても、同じように懐疑的であること。

 恐れないことは難しいことです。ならば、いまよりは恐れを軽減すること。

 自分の感情を押し殺すためでないかぎりは、おおいに笑うのは良いことです。

 他者に庇護されたり、見下されたりする、そういう関係を許してはなりません──女性の場合は、いまも今後も一生をつうじてそういうことがあり得ます。屈辱をはねのけること。卑劣な男は叱りつけてやりなさい。

 傾注すること。注意を向ける、それがすべての核心です。眼前にあることをできるかぎり自分のなかに取り込むこと。そして、自分に課された何らかの義務のしんどさに負け、みずからの生を狭めてはなりません。

 傾注は生命力です。それはあなたと他者をつなぐものです。それはあなたを生き生きとさせます。いつまでも生き生きとしてください。

 良心の領界を守ってください……。

 2004年2月

  スーザン・ソンタグ

【『良心の領界』スーザン・ソンタグ/木幡和枝〈こばた・かずえ〉訳(NTT出版2004年)】

http://d.hatena.ne.jp/sessendo/20100428/p5

2014-04-17 」◎「」◎「

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'Amerika' トークのお知らせ - art blog VOID CHICKEN DAYS オキュパイしてけろ!

【報告会&トーク】Talk event

Amerika: idea/ fantasy / dream / myth / image

What America means for non-Americans.


日時:4月18日(金)19:30-

場所:コリント/渋谷区神宮前3-38-11原宿ニューロイヤルマンション301

(ゴーライトリーのオフィスです)

 ゲスト:アレスデール・ダンカンアーティスト

     眞島竜男(アーティスト


'Amerika': idea/ fantasy / dream / myth / image

What America means for non-Americans.


date: 4.18(fri.)19:30-

place: #301 Harajuku New Royal Manshion, 3-38-11, Jungumae, Shibuya-ku

Guest: Alasdair Duncan (artist, co-organizer)

    Tatsuo Majima (artist)

http://voidchicke.exblog.jp/22448724/

トリン・T・ミンハ『ここのなかの何処かへ――移住・難民・境界的出来事』日本語版刊行記念 上映&トークイベント - UPLINK

1980年代以降、ヴェトナムアメリカ人女性としての自らの異質性を足場とし、領域横断的に思考しながら旅するなかで独自の文化批評空間を立ち上げてきたトリン・T・ミンハ。約20年ぶりに満を持して放たれた今回の評論集には、これまで明かされることのなかった故国ヴェトナムにおける出自の物語に加え、日本文化論、人種主義の亡霊が回帰するアメリカや3・11後の日本といった現実政治への直接的言及など、彼女の新たな一面が垣間見られるエッセイが数多く盛り込まれている。


イベントでは、トリンと長年にわたり対話を続けてきた訳者の小林富久子がホストとなり、文化人類学者の今福龍太、詩人の吉増剛造をゲストに迎え、今回の著作とも関係の深い映像3作品――出世作にして最高傑作と名高い『ルアッサンブラージュ』、ヴェトナムにおける女性史を綴った『姓はヴェト、名はナム』、日本を対象にした『四次元』――を改めて観直すことで、トリン・T・ミンハの足跡を辿り直すとともに、その魅力の真髄に迫る。


“elsewhere, within here”――ここのなかの、何処か別の場所へ。自己と他者、内と外、主観と客観、日常と非日常、西洋と非西洋、中心と周縁…。そのいずれにも属することなく二項対立の境界線上にとどまりながら、世界を翻訳し、揺さぶってみせる。トリン・T・ミンハの越境の詩学は、未だ強度を失うことなく私たちの世界を見る目を相対化し、思考を刺激してやまない。

http://www.uplink.co.jp/event/2014/26170

「ドイチュラントビルダー」展 - 現代美術用語辞典ver.2.0

「ドイチュラントビルダー」展

“Deutschlandbilder”(独)

1997年9月7日から翌年1月11日まで、ベルリンマルティン・グロピウス・バウにおいて開催された約500点からなる20世紀「ドイツ」美術の大展覧会。監修はエックハルト・ギレン、キュレーターはギレンおよびルドルフ・ツヴィルナーが務めた。展覧会の副題は「分断された国の芸術」であるが、東西ドイツ分断の始まりをナチスが政権を獲得した33年と定め、M・ベックマンの小さなブロンズ彫刻《暗闇の中の男》(1934)が展示会場の導入地点に置かれた。また、展覧会評に「常に既に見てきた作品を新たに見て学ぶ稀な展覧会」と書いた『ツァイト』誌に従えば、展示方法は芸術史的な区分にもとづいたものではなかった。代わりに導入されたのは、第一次世界大戦従軍者(O・ディクスら)、ヴァイマル時代(P・クレー、O・シュレンマーら)、強制収容所の犠牲者(F・ヌスバウム、O・フロイントリッヒら)、軍事および武装ナチ親衛隊世代(J・ボイスら)、戦争下に生まれた子供たち、戦後世代、分断された国の住民たち、という視座であった。出展作家は90組を越えたが、ボイス以降の世代では、A・キーファーやR・ムハなど西側ドイツに生まれた作家に加え、幼少時に家族とともにアメリカ合衆国に亡命したユダヤ系作家のE・ヘス、戦後西ドイツからアメリカ合衆国に渡り成功をおさめたH・ハーケ、東ドイツから西ドイツに移住して活躍していたS・ポルケ、G・リヒター、G・バゼリッツ、A・R・ペンクらが参加した。また、ボイスと同世代のB・ハイジグ、W・マットイヤーなど、東ドイツにおいて重要な絵画動向であったライプツィヒ派の作品も展示された。

著者: 長チノリ

http://artscape.jp/artword/index.php/%E3%80%8C%E3%83%89%E3%82%A4%E3%83%81%E3%83%A5%E3%83%A9%E3%83%B3%E3%83%88%E3%83%93%E3%83%AB%E3%83%80%E3%83%BC%E3%80%8D%E5%B1%95


ライプツィヒ造形美術館 | Leipzig Tourismus und Marketing GmbH - ライプツィヒ観光局 | Leipzig Tourismus und Marketing GmbH

ライプツィヒ造形美術館には500年にわたるヨーロッパ美術史が集約されています。2004年に完成した斬新な建物の内部には4階にわたって柔らかな日の光が差し込み、その贅沢な空間に様々な時代・芸術家テーマの作品が並びます。商業や学問の中心地として発展したライプツィヒでは芸術に造詣の深い実業家や知識人たちが様々な美術品を収集し、それらが市に寄贈され、現在のコレクションが形成されてゆきました。その所蔵品は中世から現代まで、絵画3,000点以上・彫刻約850点・グラフィックアート作品55,000点以上にのぼり、ドイツでも最古・最大級の市民コレクションとなっています。常設展に加え、多彩な特別展にも多くの美術ファンが集まります。


常設展ではルーカスクラーナハ(父)によるヴァルトブルク城閉居時代のルターの肖像『騎士イェルクに扮したマルティン・ルター』(1521)、フランス・ハルス『ムラート』(1627)、カスパー・ダヴィット・フリードリヒ『人生の諸段階』(1835)、ポール・ドラローシュ『フォンテーヌブローのナポレオン』(1845)、アルノルト・ベックリンの連作の一つ『死の島』(1886)、マックス・クリンガーの伝説的作品『ベートーヴェン像』(1885-1902)、オットーミュラー恋人たち』(1919)などといった名作を見ることができ、また東ドイツ時代に国民の苦しみを代弁する役割を担ってきた「ライプツィヒ派」の諸作品も充実しています。


ひときわ目を引くベートーヴェン像は、美術史上の音楽を題材とした作品の傑作に数えられます。ライプツィヒ出身の彫刻家マックス・クリンガー(1857〜1920)は楽聖ルードヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンを古代神になぞらえ、7年の歳月を費やしてその姿を完成させました。そして1902年にウィーン分離派会館にてグスタフ・クリムトの大作『ベートーヴェンフリーズ』と隣り合う形で初めて公開され、社会的反響を呼び起こします。その存在感ある造形は広く知られるようになり、1918年6月1日の徳島県・坂東俘虜収容所におけるベートーヴェン交響曲第9番(第九)』日本初演時のプログラムの表紙にも当像がデザインされたほどです。クリンガーベートーヴェン像は、日独交流の歴史にもその姿を残しています。

ライプツィヒ物知り事典11

ライプツィヒ派・新ライプツィヒ

Leipziger Schule - Neue Leipziger Schule


ライプツィヒ派(Leipziger Schule)」は東ドイツ美術界における絵画の一派。ライプツィヒの視覚装丁芸術大学(Hochschule für Grafik und Buchkunst)(*注)を中心に発展したためこの名がある。


(*注)「視覚芸術アカデミー」とする訳例もあるが、ドイツ語の「アカデミー(Akademie)」という呼称は(英語の"academy"とは異なり)学士院・学術団体としての意味合いが強い。同校は国立の専門大学として視覚芸術・装丁芸術の高等教育を行う機関であるため、ここでは「視覚装丁芸術大学」と表記する。


東ドイツことドイツ民主共和国(1949〜1990年)では芸術・文化さえも国家によって政治的に操られ、音楽でも文学でも絵画でも、労働者を賛美するような題材ばかりが奨励された。このようなプロパガンダ芸術は国民に受け入れられるはずもなく、政治主導の美術潮流は国民の嗜好から乖離するばかりだった。


そのような中で視覚装丁芸術大学教授のベルンハルト・ハイズィヒ(Bernhard Heisig)は、1964年にヴォルフガング・マットイヤー(Wolfgang Mattheuer)、ヴェルナー・テュプケ(Werner Tübke)らと共に絵画グループを結成した。この一派はプロパガンダ美術とは一線を画した作品を次々と発表し、次第に彼らは「ライプツィヒ派」として国民に人気となる。これらの画家たちは反政治色を直接的に表現するのではなく、陰鬱な、そして奇抜な色使いとテーマを用いた作品を描き、国民たちはこれを東ドイツ社会における人々の不自由を代弁するものと理解した。政治的規制によって国民の味わう苦しみが一切報道されない東ドイツにおいて、ライプツィヒ派の絵画は民衆の苦悩を表現する?代替メディア?として熱狂的に支持されるようになった。東ドイツにおいて絵画とは画家のためだけでなく、民衆にとっても重要な表現手段として機能してゆく。これは1989年にライプツィヒから始まった平和革命とも無関係ではない。政治批判の許されない東ドイツにおいて、国民とりわけライプツィヒ市民たちは、美術作品の中に社会主義体制の矛盾を感じ取り、これに立ち向かう意志を学び取ったのだった。


美術作品は東西ドイツ統一によってこのような役割は担わなくなったものの、視覚装丁芸術大学を中心とする美術の伝統は受け継がれ、現在ここでは「新ライプツィヒ派(Neue Leipziger Schule)」が新たな興隆を見せている。一派の旗手であるネオ・ラオホ(Neo Rauch)、マティアス・ヴァイシャー(Matthias Weischer)らの表現する超現実的な画風は、東ドイツライプツィヒ派の伝統を受け継いでいるからこそ、我々に多くを訴える。新ライプツィヒ派の多くは市街西部の旧紡績工場シュピネライにアトリエを構え、それゆえシュピネライはヨーロッパ有数の現代美術の発信地となり、さらなる成長を続けている。

http://www.leipzig.travel/jp/___1379.html


ライプツィヒ - Wikipedia

第二次大戦による惨禍の後、ライプツィヒのある中部ドイツはソ連占領区となり、1949年にそれがドイツ民主共和国東ドイツ)となった。社会主義化したこの時代にはドレスデンカール・マルクス・シュタット(現・ケムニッツ)と共に東ドイツの主要工業地域を形成した。メッセは社会主義政権下でも継続され、西側世界との貴重な窓口となった。東ドイツ時代末期の1989年にはニコライ教会での集会を発端とする「月曜デモ」と呼ばれる反体制運動が起き、これが東ドイツにおける民主化運動の出発点となった。当地の市民蜂起に始まり、ベルリンの壁崩壊、そして東西ドイツが犠牲者を出すことなく統一された一連の出来事は、現在東欧革命の一部として「東ドイツ平和革命(Friedliche Revolution)」と呼ばれる。

ドイツ再統一後には街並みの修復や再開発、芸術・文化面の再興などで再び急速な変遷を遂げ、現在のドイツ中部圏を代表する文化・経済都市となっている。ポルシェやBMWの開発を担う新工場の建設や、アマゾンヤマザキマザックによる拠点開設、そしてDHLのヨーロッパ・ハブのブリュッセルから当地への移転といった企業進出に加え、音楽に代表される文化的環境(後述)を生かした文化・創造産業も盛んである。

2015年には史料初出から1000年目を迎え、千年史記念祭の開催が予定されている。

美術

当地における印刷工芸の発達、そして商人たちによる美術品の収集・芸術活動の促進によって、市民による膨大な美術コレクションが形成されていった。これらは現在ライプツィヒ造形美術館やグラッシィ工芸美術館(Grassimuseum für Angewandte Kunst)に収められている。1764年には美術院も創設され、若きゲーテはライプツィヒ大学に通う傍ら、ここで美術の手ほどきを受けた。美術院の後身である視覚装丁芸術大学(Hochschule für Grafik und Buchkunst)は現在もドイツ有数の美術学校として美術界をリードしている。東ドイツ時代には社会主義政権を暗に批判する絵画の一派「ライプツィヒ派(Leipziger Schule)」が民衆に大きな影響を与え、ライプツィヒから反体制の市民蜂起が起きる一つの遠因となった。現在は画家ネオ・ラオホ(Neo Rauch, 1960〜)に代表されるこの伝統を受け継いだ「新ライプツィヒ派(Neue Leipziger Schule)」が隆盛を迎えている。市街西部には多くの現代芸術家たちが居を構える旧紡績工場シュピネライがある。書籍印刷の歴史と相まってグラフィック・アートも盛んである。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%A9%E3%82%A4%E3%83%97%E3%83%84%E3%82%A3%E3%83%92

魔術的リアリズム - 現代美術用語辞典ver.2.0

魔術的リアリズム

Magic Realism(英), Magischer Realismus(独)

マジック・リアリズム、マギッシャー・リアリスムスとも言う。特定の潮流を指す名称ではなく、時代、地域、ジャンルを超えてさまざまな文脈で適用されてきた。文学の領域では現代イスパノアメリカ文学の一傾向を表わすが、美術においてはワイマール共和国時代のドイツにその発祥を見出すことができる。すなわち、1920年代の初頭、第一次世界大戦後の社会不安のなか、反表現主義的な立場から生まれた新しいリアリズムの潮流である。即物的、客観的な態度で対象の再現にのぞむ具象表現という観点から、G・F・ハルトラウプが提唱した新即物主義(ノイエ・ザッハリヒカイト)と混同して語られるか、もしくはその一部とみなされることが多い。ハルトラウプが「新即物主義表現主義以後のドイツ絵画」展をマンハイム美術館で開催した25年、美術史家・写真家のF・ローは『表現主義以後』と題された著書を刊行し、ここに初めて魔術的リアリズムの名称が登場する。同書でローは、表現主義表現主義以降の美術を「エクスタシー的対象/醒めた対象」「客体抑圧的/客体の明確化」「動力的/静力学的」などの二項対立で図式化し、さらにその後、表現主義以後の動向の代表格として、M・ベックマン、O・ディクス、A・カノルト、A・レーダーシャイト、G・シュリンプフらのほか、イタリアフランススペインの画家の名前をリストに挙げた。卑近な対象を冷たく無機質な描写で描き、事物の背後にひそむ謎めいた感覚を引き出すのが魔術的リアリズムの典型的なスタイルと言える。こうした作風は、ジョルジョ・デ・キリコの絵画がドイツの画家たちに与えた影響を物語るものである。魔術的リアリズムは、その後オランダアメリカスペインにも第二世代にあたる潮流を生み出した。また、50年代後半あたりから活動を開始した現代スペインの写実画家アントニオ・ロペスガルシアとその周辺に集う画家たちも、徹底した観察眼で対象に迫りながらどこか超現実的な雰囲気を醸し出す作風から、「魔術的リアリズム」あるいは「マドリードリアリズム」と称されるときがある。

著者: 中島水緒

http://artscape.jp/artword/index.php/%E9%AD%94%E8%A1%93%E7%9A%84%E3%83%AA%E3%82%A2%E3%83%AA%E3%82%BA%E3%83%A0


マジックリアリズム - Wikipedia

魔術的リアリズム」とは元々、ドイツ人写真家、美術評論家であるフランツ・ローが1925年のマンハイム美術館で行われた『新即物主義展(ノイエ・ザッハリヒカイト)』で展示されていた「冷静に現実を表現することによって現れる魔術的な非現実」を感じる作品群の美術的表現であるが、次第に文学表現にも使われるようになった。ヴァイマール時代の魔術的リアリズムの最大の作家はエルンスト・ユンガーだろう。まさに「魔術的非現実」と「合理的現実」を同時に見るという複眼的視線に基づくユンガーの文学は、ドイツ魔術的リアリズムの代表とされ、また夢への強い志向や高度な幻想性を持つユンガーの立場は、ドイツ固有のシュルレアリスム、あるいはシュルレアリスムドイツ的代替として評価されている(Karl Heinz Bohrer:Die Aesthetik des Schreckens.)。またフランツ・カフカギュンター・グラス魔術的リアリズムカテゴライズされることがある。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%9E%E3%82%B8%E3%83%83%E3%82%AF%E3%83%AA%E3%82%A2%E3%83%AA%E3%82%BA%E3%83%A0


◇ Magic realism - Wikipedia, the free encyclopedia

Etymology

While the term magical realism in its modern sense first appeared in 1955, the German art critic Franz Roh first used the phrase in 1925, to refer to a painterly style also known as Neue Sachlichkeit (the New Objectivity),[4] an alternative championed by fellow German museum director Gustav Hartlaub.[5] Roh believed magic realism is related to, but distinctive from, surrealism, due to magic realism's focus on the material object and the actual existence of things in the world, as opposed to the more cerebral, psychological and subconscious reality that the surrealists explored.[6] Magic realism was later used to describe the uncanny realism by American painters such as Ivan Albright, Paul Cadmus, George Tooker and other artists during the 1940s and 1950s. However, in contrast with its use in literature, magical realist art does not often include overtly fantastic or magical content, but rather looks at the mundane through a hyper-realistic and often mysterious lens.[7] The extent to which magical elements enter in visual art depends on the subcategory, discussed in detail below.

Determining who coined the term magical realism (as opposed to magic realism) is controversial among literary critics. Maggie Ann Bowers argues that it first emerged in the 1955 essay "Magical Realism in Spanish American Fiction" by critic Angel Flores. She notes that while Flores names Jorge Luis Borges as the first magical realist (some critics consider him a predecessor, not actually a magical realist), he fails to acknowledge either Alejo Carpentier or Arturo Uslar-Pietri for bringing Roh's magic realism to Latin America.[6] However, both Luis Leal and Irene Guenther, (referencing Pietri and Jean Weisgerber texts, respectively), attest that Pietri was one of the first, if not the first, to apply the term to Latin American literature.[8][9]

Surrealism

Surrealism is often confused with magical realism as they both explore illogical or non-realist aspects of humanity and existence. There is a strong historical connection between Franz Roh's concept of magic realism and surrealism, as well as the resulting influence on Carpentier's marvelous reality; however, important differences remain. Surrealism "is most distanced from magical realism [in that] the aspects that it explores are associated not with material reality but with the imagination and the mind, and in particular it attempts to express the 'inner life' and psychology of humans through art." It seeks to express the sub-conscious, unconscious, the repressed and inexpressible. Magical realism, on the other hand, rarely presents the extraordinary in the form of a dream or a psychological experience. "To do so," Bowers writes, "takes the magic of recognizable material reality and places it into the little understood world of the imagination. The ordinariness of magical realism's magic relies on its accepted and unquestioned position in tangible and material reality."[59]

Visual art

Historical development

The painterly style began evolving as early as the first decade of the 20th century,[68] but 1925 was when magischer realismus and neue sachlichkeit were officially recognized as major trends. This was the year that Franz Roh published his book on the subject, Nach Expressionismus: Magischer Realismus: Probleme der neuesten europäischen Malerei (translated as After Expressionism: Magical Realism: Problems of the Newest European Painting) and Gustav Hartlaub curated the seminal exhibition on the theme, entitled simply Neue Sachlichkeit (translated as New Objectivity), at the Kunsthalle Mannheim in Mannheim, Germany.[69] Irene Guenthe refers most frequently to the New Objectivity, rather than magical realism; which is attributed to that New objectivity is practical based, referential (to real practicing artists), while the magical realism is theoretical or critic's rhetoric. Eventually under Massimo Bontempelli guidance, the term magic realism was fully embraced by the German as well as in Italian practicing communities.[70]


New Objectivity saw an utter rejection of the preceding impressionist and expressionist movements, and Hartlaub curated his exhibition under the guideline: only those, "who have remained true or have returned to a positive, palpable reality,"[71] in order to reveal the truth of the times,"[72] would be included. The style was roughly divided into two subcategories: conservative, (neo-)classicist painting, and generally left-wing, politically motivated Verists.[72] The following quote by Hartlaub distinguishes the two, though mostly with reference to Germany; however, one might apply the logic to all relevant European countries. "In the new art, he saw"[72]


a right, a left wing. One, conservative towards Classicism, taking roots in timelessness, wanting to sanctify again the healthy, physically plastic in pure drawing after nature...after so much eccentricity and chaos [a reference to the repercussions of World War I]... The other, the left, glaringly contemporary, far less artistically faithful, rather born of the negation of art, seeking to expose the chaos, the true face of our time, with an addiction to primitive fact-finding and nervous baring of the self... There is nothing left but to affirm it [the new art], especially since it seems strong enough to raise new artistic willpower.[73]


Both sides were seen all over Europe during the 1920s and 1930s, ranging from the Netherlands to Austria, France to Russia, with Germany and Italy as centers of growth.[74] Indeed, Italian Giorgio de Chirico, producing works in the late 1910s under the style arte metafisica (translated as Metaphysical art), is seen as a precursor and as having an "influence...greater than any other painter on the artists of New Objectivity."[75][76]


Further afield, American painters were later (in the 1940s and 1950s, mostly) coined magical realists; a link between these artists and the Neue Sachlichkeit of the 1920s was explicitly made in the New York Museum of Modern Art exhibition, tellingly titled "American Realists and Magic Realists."[77] French magical realist Pierre Roy, who worked and showed successfully in the US, is cited as having "helped spread Franz Roh's formulations" to the United States.[78]

http://en.wikipedia.org/wiki/Magic_realism

アレホ・カルペンティエル - Wikipedia

アレホ・カルペンティエル(アレッホ・カルペンティエール、Alejo Carpentier y Valmont, 1904年12月26日 - 1980年4月24日)はキューバジャーナリスト小説家音楽評論家。20世紀のラテンアメリカ文学に大きな影響を与えた。

1904年、スイスのローザンヌに生まれる(長い間、彼の出生直後に転居したハバナ生まれと思われていたが、彼の死後に出生証明書がスイスで発見された)。母はロシア語の教授、父はフランスの建築家だった。12歳時にパリへ転居し、音楽理論に傾倒した。キューバ帰国後はハバナ大学で建築学を学んだ。やがて左翼ジャーナリストになり、独裁者ヘラルド・マチャードを非難し若干の刑期を過ごす。

1928年、フランス亡命後は、アンドレ・ブルトンポール・エリュアールルイ・アラゴンジャック・プレヴェール、アントナン・アルトーシュールレアリスムの作家たちと交友。1933年、処女作『エクエ・ヤンバ・オ』を刊行。フランス滞在時にスペインを何度か訪問し、バロックに対する興味を高めた。帰国後はジャーナリストとして活躍。ブードゥー教の儀式に出席し、アフロ・キューバン主義に関心を持った。パリ滞在中には画家の藤田嗣治と親交を結び、1931年に藤田夫妻をキューバに招待。その際、藤田は盗難に会うが、作品を描き、チャリティーを行なって旅費を稼いだといわれている。

1943年に演出家ルイ・ジューヴェとともにハイチを訪れ、19世紀の黒人王アンリ・クリストフの建てたシタデル・ラ・フェリエールの砦とサン=スーシ宮殿を見学。このときオスヴァルト・シュペングラーの著作を読み、その循環史観から『この世の王国』(1949年)の着想を得た。1945年からフルヘンシオ・バティスタ独裁政権の干渉を受けてベネズエラに在住。キューバ革命後の1959年に帰国し、フィデル・カストロ政権の元、文化活動のリーダーとして大御所的存在となる。1968年以降、文化担当官としてパリに在住。1978年にはスペイン語圏最高の文学賞であるセルバンテス賞を受賞。1980年4月24日にパリで逝去。2000年にキューバで彼の名を冠したカルペンティエル文学賞が創設された。

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%83%AC%E3%83%9B%E3%83%BB%E3%82%AB%E3%83%AB%E3%83%9A%E3%83%B3%E3%83%86%E3%82%A3%E3%82%A8%E3%83%AB


◇ アレホ・カルペンティエル (1904-1980) - キューバ研究室 Sala de Estudio sobre Cuba

 小説『光の世紀』、『この世の王国』などで知られる、キューバの代表的な作家、アレホ・カルペンティエルを紹介しよう。


 今世紀に入り、キューバは、90年代に苦しんだ国内の経済危機も回復する中、出版活動も回復のきざしを見せ始め、カルペンティエルの作品が、再び注目を集めている。2004年には、生誕100周年の記念シンポ、会議、再出版、テレビでの特集など行われ、カルペンティエルは、20世紀キューバ文学の独創的かつ普遍的で、「驚異的現実」(アメリカ大陸には驚異的なものと現実的なものが混在し、共存しているという理念)の創造者として評価された。同年11月には、キューバの芸術機関である「カサ・デ・アメリカス」により国際会議「アレホ・カルペンティエルの世紀」が開催された。


 カルペンティエルは、1904年12月26日ハバナフランス人の建築家の父とキューバ人の母の間に生まれた。1912年勉学のためフランスに渡り、9年後キューバに帰国、ハバナ大学で建築学を学んだ。しかし、その後ジャーナリズムに身を投じ、時事問題、文化問題に健筆を振るった。1943年から59年までキューバでの弾圧を避けてベネズエラに亡命。代表的な作品で日本語に翻訳されているものは下記の通りである。


 1978年にはスペイン語圏最高の文学賞であるセルバンテス文学賞を受賞し、1980年4月24日パリで死去した。彼は、「魔術的リアリズム」を駆使し、アルゼンチンホルヘ・ルイス・ボルヘスメキシコのフアン・ルルホと並んで20世紀のラテンアメリカ文学の刷新に貢献したもっとも著名な作家と見なされている。

http://estudio-cuba.cocolog-nifty.com/blog/2009/02/1904-1980-3e0d.html

Franz Roh - Wikipedia, the free encyclopedia

Franz Roh (February 21, 1890 – December 30, 1965), was a German historian, photographer, and art critic. He is perhaps best known for his 1925 book Nach Expressionismus: Magischer Realismus: Probleme der neuesten europäischen Malerei ("After expressionism: Magical Realism: Problems of the newest European painting") he coined the term magic realism.

Roh was born in Apolda (in present-day Thuringia), Germany. He studied at universities in Leipzig, Berlin, and Basel. In 1920, he received his Ph. D. in Munich for a work on Dutch paintings of the 17th century. As a photographer and critic, he absolutely hated photographs that were to be like a painting, charcoal, or drawings. During the Nazi regime, he was isolated and briefly put in jail for his book Foto-Auge (Photo-Eye); he used his jail time he used to write the book Der Verkannte Künstler: Geschichte und Theorie des kulturellen Mißverstehens ("The unrecognized artist: history and theory of cultural misunderstanding"). After the war, in 1946, he married art historian Juliane Bartsch. He died in Munich.

Roh and magic realism

Roh is perhaps best remembered as the critic who coined the term magic realism―a translation of his Magischer Realismus―which he first used in 1925 in "Magic Realism: Post-Expressionism," an essay about the visual arts. But, though the lineage is direct, his magic realism has a very different meaning from the one used to describe the work of writers such as Gabriel Garcia Marquez and Isabel Allende that dominates our current understanding of the term. Roh, celebrating the post-expressionist return of the visual arts to figural representation, utilized the phenomenology of Edmund Husserl and Martin Heidegger to emphasize that "the autonomy of the objective world around us was once more to be enjoyed; the wonder of matter that could crystallize into objects was to be seen anew."[1] Roh was, then, emphasizing the "magic" of the normal world as it presents itself to us (i.e., how, when we really look at everyday objects, they can appear strange and fantastic) and not the world of magic (in which objects are literally transformed into something fantastic) that the literary school emphasizes. Roh himself, writing in the 1950s and perhaps already seeing the confusion his term had caused in this regard, emphasized that his use of the word magic was, "of course not in the religious-psychological sense of ethnology."[2]

Roh's magic realism, though not often written about in recent years, is nonetheless an important contribution to a phenomenological or existential theory of aesthetics. This link is emphasized by the fact that it was the Spanish phenomenologist José Ortega y Gasset's disciple Fernando Vela who translated Roh's essay into Spanish, thereby setting the stage for its appropriation by the literary movement.

http://en.wikipedia.org/wiki/Franz_Roh


◇ Franz Roh: Photography & Collage from the 1930's | Ubu Gallery

http://www.ubugallery.com/franz-roh-photography-collage-from-the-1930s/#.U0_TR-afYlh


◇ 作家略歴 - 本の構成者 エル・リシツキー

フランツ・ロー

Roh, Franz

ドイツ 1890-1965

写真家評論家、美術史家

『Cicerone』、『Kunstblatt』等芸術関係の雑誌の出版に携わる

1925年ナジの勧めによって魔術的レアリスムマジック・リアリズム)を提起する。

1929年チヒョルトタイポグラフィを担当して共同編集で出版した『写真の眼』を刊行し、その中でフォトグラムやフォトモンタージュ等の当時の新しい写真の表現法を擁護し発展させた。それをもとに同年シュトゥットガルトドイツ工作連盟主催の「映画と写真」展を開催。モホイ=ナジ、リシツキー、ハートフィールド等が参加した。1930年モホイ=ナジの写真集『六十枚の写真』を編集した。フォトグラムに関する著述も残している。

1946年ミュンヘンの大学で教授職に就く。1951年AICA(美術評論家連盟)の代表に就任。

精神の機械化という視点から写真が重要で効果的な武器である主張した。

http://www.musabi.ac.jp/library/muse/tenrankai/kikaku/2002/lissitzky/eachbio/eachbio06_r.html#Roh, Franz


◇Lissitzky, El ; Roh, Franz + Tschichold, Jan [ed.](エル・リシツキー他) / foto-auge | 古本買取 - SO BOOKS

20年代前衛美術の到来とともに表れてきた、フォトグラムモンタージュなどの新しい写真の表現を紹介した、フランツ・ローとヤン・チヒョルトによる編集による『写真の眼』。本書はその1929年初版オリジナルの後年の復刻版。収録作家は、エル・リシツキーの他、アジェ、マン・レイゲオルゲ・グロッス、ラスロ・モホリ=ナギ、マックス・エルンスト、ヘルベルト・バイヤー、モーリス・タバール、レンガー・パッチェ、ハートフィールド、ピート・ツワルトなど、他無名作家をも含め多数。ヤン・チヒョルトによるブック・デザイン(タイポグラフィー)。フランツ・ローによるテキスト『Mechanismus und ausdruck』。表紙写真はエル・リシツキーのセルフ・ポートレイトモンタージュ。表紙や小口に黄シミ。刊行年からすると状態は並上。

独仏英併記 / 29x21cm / 写真図版点数76点 / モノクロ

http://www.book-oga.com/yimages/foto_auge.html


◇ 本の詳細『foto-auge oeil et photo photo-eye』(フランツ・ロー ヤン・チヒョルト) - 古本・古書の買取・販売 小宮山書店

http://www.book-komiyama.co.jp/booklist_detail.php?item_id=45418


◇ あたらしい写真表現 - Words from Flying Books

フランツ・ローとヤン・チヒョルト編集による、『Foto-Auge― Oeil et Photo―Photo-Eye』。

http://www.flying-books.com/blog/?p=3723%22


◇ 『光画』 - 現代美術用語辞典ver.2.0

誌面では、東西のさまざまな写真家たちによるスナップショットフォトグラム、フォトモンタージュなどを用いた新興写真の作品を多く紹介したほか、伊奈、柳宗悦、中井正一、原弘、長谷川如是閑らの論考や、モホイ=ナジ、フランツ・ロー、ベレニス・アボットなどによる論考の日本語訳も積極的に掲載。

http://artscape.jp/artword/index.php/%E3%80%8E%E5%85%89%E7%94%BB%E3%80%8F


◇ 光画 - Webcat Plus

メカニズムと表現--寫眞の本質と價値 / フランツ・ロー

・「メカニズムと表現」といふテーマに對するテーゼとアンチテーゼ / フランツ・ロー

http://webcatplus.nii.ac.jp/webcatplus/details/book/24479918.html

ノイエ・フォトグラフィー | 丸亀市猪熊弦一郎現代美術館 | 展覧会・イベントの検索 | 美術館・博物館・イベント・展覧会 - インターネットミュージアム

ノイエ・フォトグラフィー

1920-30年代のドイツ写真

2008年4月6日(日)〜2008年6月22日(日)

http://www.museum.or.jp/modules/im_event/?controller=event_dtl&input%5Bid%5D=48680

カール・グロスベルクとフランツ・ラジヴィル

◇ "Carl Grossberg" - Google 検索

http://j.mp/1eW5mSb


◇ Category:Carl Grossberg – Wikimedia Commons

http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Carl_Grossberg


◇ "Franz Radziwill" - Google 検索

http://j.mp/1eW4NI4


◇ Franz Radziwill Haus

http://www.radziwill.de/radziwill/home.html

Eds. Zoya Kocur, Simon Leung『Theory in Contemporary Art since 1985』

http://www.amazon.co.jp/Theory-Contemporary-Art-since-1985/dp/1444338579

齋木克裕「フェリックス・ゴンザレス=トレス作品を鑑賞形態の変容として見る問題点、ミニマル・アート×パーソナルな物語として見る問題点」 - Togetterまとめ

http://togetter.com/li/316289

Turner Prize - Wikipedia, the free encyclopedia

1986

The controversial art duo Gilbert & George were awarded after a previous nomination in 1984. Other nominees included Art & Language (collaborative group composed of Michael Baldwin and Mel Ramsden), sculpture/printing artist Victor Burgin, painter Derek Jarman, painter Stephen McKenna and sculptor Bill Woodrow.

http://en.wikipedia.org/wiki/Turner_Prize

トランセンデンタリズム とは - コトバンク

トランセンデンタリズム【Transcendentalism】

アメリカ思想家R.W.エマソンとその周囲の文人,宗教家たちのロマン主義思想をいう。超越主義,超絶主義と訳す。エマソンの《自然》(1836)出版後,彼の周囲に集まったユニテリアン派の牧師たち(ヘッジFrederic H.Hedge,T.パーカーリプリーGeorge Ripley,W.E.チャニングら),随筆家H.D.ソロー,教育家A.B.オールコット,批評家S.M.フラー,詩人チャニングWilliam E.Channing,ベリーJones Veryなどがその代表者である。

http://kotobank.jp/word/%E3%83%88%E3%83%A9%E3%83%B3%E3%82%BB%E3%83%B3%E3%83%87%E3%83%B3%E3%82%BF%E3%83%AA%E3%82%BA%E3%83%A0

【あったら要注意】玄関にある記号(マーキング)一覧【騙しやすいカモの住人】 - NAVER まとめ

http://matome.naver.jp/odai/2131079664111259501

【男ってシンプルw】画像でわかる男と女の違い【10選】 - BuZZNews(バズニュース) 世界の話題をあなたに!

http://buzznews.asia/?p=4413

2014-04-16 それがそれでそれがそれで?

それがそれでそれがそれで?


f:id:n-291:20140416024833j:image

Afterward from The Democratic Forest - William Eggleston in Conversation with Mark Holborn - WILLIAM EGGLESTON

I am afraid that there are more people than I can imagine who can go no further than appreciating a picture that is a rectangle with an object in the middle of it, which they can identify. They don't care what is around the object as long as nothing interferes with the object itself, right in the centre. Even after the lessons of Winogrand and Friedlander, they don't get it. They respect their work because they are told by respectable institutions that they are important artists, but what they really want to see is a picture with a figure or an object in the middle of it. They want something obvious. The blindness is apparent when someone lets slip the word 'snapshot'. Ignorance can always be covered by 'snapshot'. The word has never had any meaning. I am at war with the obvious.


-- From a conversation with Mark Holborn, Greenwood, Mississippi, February 1988

http://www.egglestontrust.com/df_afterword.html


WILLIAM EGGLESTON

http://www.egglestontrust.com/

SHORT: Gabriel Orozco: "Mirror Crit" - Art21

Artist Gabriel Orozco conducts what he calls a “Mirror Crit,” during which he presents a student’s artwork as if it is his own. Orozco conceived of the Mirror Crit after doing one-on-one critiques with college art students, where they typically explain or defend their work. Orozco sought an alternative to help students better understand what their images communicate. He discusses each photograph without having previous knowledge of the student’s background or intentions, allowing the images to, in a sense, speak for themselves. The Mirror Crit session in this film features the work of Maximiliano Siñani, and took place as part of Gabriel Orozco’s Spanish Lessons project at Marian Goodman Gallery (New York) in late 2013.


CREDITS: Producer: Ian Forster. Consulting Producer: Wesley Miller & Nick Ravich. Interview: Ian Forster. Camera: Rafael Salazar & Ava Wiland. Sound: Ava Wiland. Editor: Rafael Salazar. Artwork Courtesy: Maximiliano Siñani. Special Thanks: Marian Goodman Gallery. Theme Music: Peter Foley.


Exclusive is supported, in part, by the New York City Department of Cultural Affairs in partnership with the City Council; 21c Museum Hotel, and by individual contributors.

http://www.art21.org/videos/short-gabriel-orozco-mirror-crit

Exhibition Catalogue: 955,000 - Vancouver Art in the Sixties

http://vancouverartinthesixties.com/archive/688

ジュディス・バトラー戦争の枠組 ─生はいつ嘆きうるものであるのか』(訳:清水晶子 筑摩書房

序章 あやうい生、悲嘆をもたらす生

第1章 生存可能性、被傷性、情動

第2章 拷問と写真の倫理―ソンタグとともに思考する

第3章 性の政治、拷問、そして世俗的時間

第4章 規範的なものの名における非‐思考

第5章 非暴力の要求

http://www.chikumashobo.co.jp/product/9784480847195/

http://www.amazon.co.jp/dp/4480847197

写真史/写真論の展開 前川修(藝術学関連学会連合第1回公開シンポジウム「藝術の変貌/藝術学の展開」2006年6月17日、於日本大学

 デヴィッド・キャンパニー『芸術と写真』から話を始めてみます。この本は1960年から90年までの「芸術における写真」を俯瞰した図版集成です。そこには、二つの興味深い論点を見いだすことができます。第一に、60年代から現在までの芸術実践に、写真的な方法や原理がすっかり入り込んでいるという指摘があります。第二に、「芸術と写真」の意味が、従来のそれ(「芸術写真」)とは逆のものになっているという論点があります。後者を「写真のなかの芸術」と呼ぶなら、前者はむしろ、「芸術のなかの写真」です。

 この二種類の写真の1960年代以後の展開を、芸術の変貌に即して概観してみます。まず「芸術における写真」について。1960年代芸術において手がかりとされたのは、マスメディアやポピュラー・カルチャーにおける写真の役割でした。日常に浸透し、匿名的、事実的、反復的、事後的な写真のあり方が、芸術社会との中継地点として批判的に検討され、使用されます。

「写真における芸術」に目を向ける前に、芸術外の写真についても言及しておきます。注目すべきことは、60年代から70年代にかけてのフォトジャーナリズムの展開です。フォトエッセイという、事件を像とテクストによってヒューマスティックに語る手法の有名な事例が見られるのもこの時期のことです。しかし、すでに70年代初頭、フォトジャーナリズムは危機を迎えていました。TVの報道にともない、写真は唯一の媒介者としての地位から二次的な地位に推移する。この事態は、「芸術における写真」の写真へのアプローチにも変更を迫ります。

それでは、「芸術における写真」の逆である「写真における芸術」は、どのような展開を被っていたのか。その典型が、美術館での写真展やカタログ制作などの活動です。MoMA写真部門のジョン・シャーカフスキーは、60年代から90年代まで多くの展覧会を企画しています。その基礎には、フォーマリスティックな写真の美学があり、同時代の写真家も、19世紀の職業写真家もすべて、モダニズムの枠組みにしたがい美的評価がなされる。こうした彼の活動が、美術館を含めた写真市場の基準を準備していく。

 ここで興味深い問題は二つあります。ひとつは、シャーカフスキーとそれ以前のMoMAの写真展示との断絶の問題、もうひとつは、「写真における芸術」と「芸術における写真」との乖離の問題です。シャーカフスキーの前任者エドワードスタイケンは、彼とは反対に、自身の展示の模範をフォトジャーナリズムとし、誌面同様のダイナミックな視線の誘導を意図した展覧会を企画します(そのイデオロギーは、さまざまな非難をなされている)。つまり美術館における写真は、フォトジャーナリズムの全盛期を後追いして構成されていたが、やがてシャーカフスキーの時代に至ると、社会とのダイナミックな社会との関係を欠落させ、芸術作品化していく。

 後者の問題について。写真家作家として讃える「写真における芸術」の、「芸術における写真」に対する姿勢は著しく冷淡なものでした。つまり、写真を源としながら、二種類の芸術が独自の展開を遂げ、受容者から展示構成にいたるまで相互に無関係な状態にとどまる。

 こうした展開にはいくつもの時差や時間を見てとることができます。

 60年代から70年代にかけての写真と芸術の布置のさらなる重要な契機が、写真論の登場です。バルトソンタグの写真論は、芸術写真ではなく、60年代の写真における芸術が前提にしていた、社会における写真を批評の対象にしています。彼らは、ある種の社会的記号として写真を理解し、写真と制度、写真の神話性、スペクタクル性に照準を合わせます。

 彼らの写真論をさらに展開したものとして、多くの写真批評家ソロモンゴドー、クリストファー・フィリップスダグラス・クリンプロザリンド・クラウス)やアーチスト写真家(バーギン、ロスラー、セクーラ)の理論的活動があります。「写真はそれ自身、断片的で不完全な発話」であり、「その意味はつねにレイアウトキャプションテクスト、呈示される場所と方法によって方向づけられる」(セクーラ)、この「方向付け」の機能を分析することが70年代以降の写真論や写真実践の核になります。さらにこの動向を受けながら、70年代から80年代にかけて、ポストモダン芸術において写真を用いたさまざまな試みが行われます。それは、「引用パスティシュ、アプロプリエーション、反復、シリアリティ、間テクスト性、作者の死、アレゴリー、断片」(クリンプクレイグ・オーウェンスの言葉)などの特徴の前面化でした。この時期の「芸術における写真」の、60年代のそれとの大きな相違は、後者では真正で客観的社会的記録としての表象の問題が批判的されていたとすれば、70年代半ばには、消費文化の中にすでにある無意識的なイメージと化した写真の検討、その批判的流用へと実践が移行しているということです。ある種の自然性や外部性無意識性のメディアである写真の媒介作用、言説的性格が前景化される。

 しかし、こうした経緯を見ると奇妙なことなのですが、この分裂しつづけた写真芸術芸術写真の双方が、今ではどちらも美術の言説の中に摩擦なく共存しています。ここに欠落していったものは何なのか、それを「アーカイヴ」と「ヴァナキュラー写真」というキーワードを掲げる二つの写真論から考察し、シンポジウムテーマに対しての私の見方を提起しておきたいと思います。

 ひとつが、アラン・セクーラのアーカイヴ論です。詳細は省きますが、「芸術における写真」、「写真における芸術」、「社会における写真」は、言うなれば三つのアーカイヴであり、その間で滞留し、流動する写真とは、複数のアーカイヴのあいだの実は不安定な力学を顕在化させる媒体となる可能性がある。この可能性が現在切り詰められている。

 もうひとつが、ジェフリー・バッチェンのヴァナキュラー写真論です。彼は、写真を単数形ではなく複数形の写真として扱うよう提案しています。彼が扱うのは芸術写真の観点から扱われることのなかったヴァナキュラー写真です。そこには、内と外、私的公的、メディア間の境界、諸感覚の間の境を踏み越えるような別種の写真の契機が強く現われる。これを手がかりに彼は、写真史そのものを複数化させる論を展開しています。写真のさらなる複数化とその相互の接続、これが彼の論点です。

 以上のように、写真を媒体にして、芸術の展開について話をしてきました。写真は自らも、そして芸術をも複数化しながら時差をおきつつ展開されてきた。それは単数形の写真を、それどころか、単数形芸術をも複数化している。よく考えれば、写真史/写真論の展開の「展開」という語は写真用語では「現像」と訳します。写真を媒体にした芸術の変貌、それはこうした瞬時の露光から時差を置いた複数の現像の力学の中で議論することができます。展開という語に潜んでいる均質な時間的秩序、芸術的諸制度における写真の均質な囲い込み、この双方を写真というメディアは崩してくれる可能性をもっている、そう言うことができるのではないでしょうか。

(以上061124縮約版)

http://homepage1.nifty.com/osamumaekawa/development%20of%20photography%20theory.htm

Whole Earth Catalog Stay Hungry Stay Foolish

http://www.wholeearth.com/


◇ 全地球カタログ - Wikipedia

『全地球カタログ(ぜんちきゅうかたろぐ)』(Whole Earth Catalog)とは、アメリカ合衆国で発刊された、ヒッピー向けの雑誌[1]。WECと略される[2]。

1968年にスチュアート・ブランドによって創刊された。ヒッピーコミューンを支えるための情報や商品が掲載されていた。創刊号の表紙を飾ったのは1966年ブランドが起こした運動が功を奏してNASAから発表された、宇宙に浮かぶ地球の写真である[3]。

1974年に、『Stay hungry,stay foolish(ずっと無謀で[4])』という言葉を裏表紙に飾って廃刊した。この言葉を、スティーブ・ジョブズスタンフォード大学の講演で学生たちに贈る言葉として紹介した[5]。

サイバネティクス :創刊号にノーバート・ウィーナーの同名書のレビューが掲載された[6]。

・DIY :紹介されるツールの傾向のひとつ[7]

http://ja.wikipedia.org/wiki/%E5%85%A8%E5%9C%B0%E7%90%83%E3%82%AB%E3%82%BF%E3%83%AD%E3%82%B0


◇ Asahi News Paper Reviews 2011/7-9 -

スチュアート・ブランド地球の論点』(英治出版

 七〇年代米西海岸文化を支えた「全地球カタログ」。大企業と政府による消費と管理の枠組みに対抗し、個人の創意と自由に基づくエコライフスタイルを提案した雑誌だ。同誌の標語「ずっと無謀で」はアップル社ジョブズ座右の銘にもなった。

 その伝説的な編集発行人が、本書の著者スチュアート・ブランドだ。その後も電子コミュニティ初期の論客として、ネット社会の議論形成に貢献した。いまの環境保護論者の多くは彼の影響下にある。

 本書はそのブランド地球温暖化を懸念し、対策を提案した本だ。その答は、都市化促進、気候工学、遺伝子工学、そして……原子力推進だ。

 ファンたちは仰天した。いずれもかつてのブランド全否定した技術ばかり。だが本書は「転向」の根拠を反駁しがたい詳細さで説明する。

 さらに統計学者ロンボルグが地球温暖化否定論者として(誤って)批判されるが、実は彼の支持する温暖化対策はブランドとまったく同じ。立場に依らない結論の一貫性は、利権や党派的な歪みの不在を図らずも示している。

 温暖化もっと気長な取り組みを主張する声もある。その場合も本書の技術は、他の面で人類の将来に大きな意味を持つ。今の日本では、多くの読者は本書に反発するだろう。目下の原発事故で著者の見解も変わるかもしれない。だが脱原発を訴える人こそ本書を読んでほしい。本書でも指摘の通り、原発といっても様々だ。重要なのは長期的な可能性を理解した上での選択なのだから。

 「全地球」を看板に個人の自由とミクロな技術の意義を訴えてきたブランドが、本当の全地球問題で巨大システムと大規模科学に救いを求めるとは皮肉。だが結論に同意せずとも、その選択を直視した著者の誠実さは尊重すべきだろう。また敢えてこの時期に本書を出した版元の蛮勇にも脱帽。 (2011/07/24 掲載, 朝日新聞サイト)

コメント:Stay Hungry, stay foolish の訳を「ずっと無謀で」にしてみた。それにしても英治出版は、これ以外にも「パワーハングリー」を出したり、エネルギー収支考えたら原発もやっぱ検討しないとダメよ、という主張の本をそろえているようでおもしろい。あと、同社の「笑顔の国、ツバル」は、温暖化危機をあおるために扇情的な描き方をされるツバルの実情を描いた本で、恫喝エコロジストなら反温暖化本だと解釈するんじゃないかな。ところがそれを書いたのが……枝廣淳子??!! あのゴアのインチキ本 (失礼。でもそうなんだもん) の訳者? びっくり。と同時にお見それしました。)

http://cruel.org/asahireview2/asahi2review02.html#wholeearth

かわなかのぶひろ映像作家)さんと読む『メカス映画日記』 - 思い出す本 忘れない本 | BOOK.asahi.com朝日新聞社の書評サイト

 ジョナス・メカスの名を初めて知ったのは、1960年代の初め浅草六区にあった小さなカレースタンドをまかされていた時分だった。映画をやりたくて松竹系の会社を受けたら、配属されたのが撮影所ならぬカレースタンドだったというわけだ。

 休憩時間になると六区突き当たり浅草東映の隣にあった書店奥の古書コーナーに日参していた。ある日、整理されないまま積み上げてある本の間からタイプ刷りの小冊子「世界映画資料」を掘り出した。「世界映画新しい波」という特集タイトルに惹(ひ)かれたのだが、その巻頭「自由な映画を目ざして」という文章を寄せていたのがジョナス・メカスだった。

 〈「おれは本気なんだぜ!」と私はニューヨークの友人に大文字を使って書いてやった??「若い映画作家なんてアメリカにいるもんか! 我々の為(ため)に誰かがやってくれるだと。??自分でやらなきゃ駄目さ」(三木宮彦訳)〉

 日本で活字になったメカスの最初の文章だったろう。火を吹くような勢いで書かれたこの文章が、撮影所にもぐり込むことに悶々(もんもん)としていたぼくの心に、天啓のように突き刺さった。

 活字との出会い不思議なものだ。他人にとってはなんでもない言葉でも、後の人生を左右するほどに強く共鳴することがある。いまも忘れられない瞬間だった。

 自分でやればいいのだ!と、ただちに入手した中古の8ミリで撮りはじめ、やがてメカスと同じように個人で手がける映画シネマテーク活動を日本でも創(はじ)めるようになり、いくつかの集合・離散を繰り返しながら実験映画総本山を自負できる「場」を築き上げることとなった。

 『メカス映画日記』はそうした活動のバックボーンとなった書物である。初出はニューヨークの「ヴィレッジ・ヴォイス」紙に58年以来書き継がれてきたコラムムービージャーナル」で、スターストーリー金科玉条とするハリウッド映画に対抗して、ぼくが初めて出会ったときの激しさそのまま、映画の本質を説き、個人で制作された映画を育み、守り抜いてきた軌跡が綴(つづ)られている。

 いわば個人で制作する映画芸術の、実践に裏打ちされたバイブルである。74年に上梓(じょうし)され93年に改訂版を刊行、映画関係のみならず息長く読み継がれている。昨今、デジタルビデオの普及によって個人で映画制作が容易になり、しかし、その大半は商業映画の方法の踏襲である若い世代の映画制作にとって「自由な映画を目ざして」いまこそ服膺(ふくよう)されるべき一冊といえるだろう。

http://book.asahi.com/reviews/column/2014032300019.html

先見日記 Insight Diaries 2006 Jun 26 いとうせいこう - NTTデータ

 特に後者が僕には興味深かった。園芸を農業と差別化し、フーリエ引用しながらそれを「魅力的労働」と定義づける表題原稿執筆者ピーター・ランボーン・ウィルソンは、現在唯一可能な「アヴァンギャルドavant garde」は「前衛的庭園avant garden」だとする。

 自給自足によって資本の循環に対抗し、ハーブを育てることで医療から自由になり、占拠(スクワット)した土地をガーデニングで変容させ、いまや園芸はひとつ社会的な行為となるのだ。

 まるでロマンティックなサイバーパンクSFのようだけれど、筆者はそれをきわめて実践的な社会運動の宣言として書く。そして、『VOL』ではその論旨を“園芸戦線”としてネットワーク化する形で、高祖岩三郎の「庭=運動(アヴァン・ガーデニング)以後」やビル・ワインバーグ「VIVA ロイサイダ・リブレ」といった“NYロウワー・イーストサイド不法占拠スクワット)&ガーデニング運動”を支持する戦闘的なエッセイを連打する。しまいにはスクワット組織「太陽の家」のリーダーラファエル・ブエノへのインタビューも敢行される勢いだ。

 シケた批評しか見かけないこの御時世、『VOL』は意外なところから社会を撃ってくる。しかも、アヴァン・ガーデニングという言葉で、もうひとつのNY論を構成しているあたり、一筋縄ではいかない。

http://www.nttdata.com/jp/ja/diary/diary2006/06/20060626.html

2014-04-15 kudassa i

研究ノート (1) 撹乱する女たち ――ロザリンド・クラウス独身者たち』について 井上 康彦 - 表象文化論学会ニューズレター〈REPRE〉

去年、半年間をかけて、ロザリンド・クラウスの『独身者たち』(原題 BACHELORS, 1999)を訳した。まだ編集者と交渉中で、出版がいつになるかは未定という段階だが、ここではこの本の紹介をする。


ロザリンド・クラウスは、ポストモダニズム美術批評家である。『オリジナリティと反復』(1985)からパーペチュアル・インヴェントリー』(2010)に到るまで、すべてはここからはじまり、ここに帰着する。彼女美術批評方法は、つねに「モダニズム」との距離から導出されている、という意味だ。

こうして、クラウス批評活動の軸となってきた「アンフォルム」の機能ジェンダーの文脈に特化して、女性作家に焦点を当てたのが、本書『独身者たち』である1979年から1999年にかけて、散発的に書かれたエッセイをまとめたものなので、必ずしも一貫した体系をなしているとは言えないが、本書から敢えてひとつテーマを読み取ろうとすれば、「アンフォルム」の概念女性作家作品に特化して適用した「ポストモダニズムジェンダー美術批評」ということになるだろう。


以下は、本書の目次と各章の概要である


クロード・カーアンとドラ・マール――イントロダクションとして(1999)

ルイーズ・ブルジョワ――《小娘》としての作家ポートレイト(1989)

アグネスマーティン――/雲/(1993)

エヴァ・ヘス――コンティンジェント(1979)

シンディ・シャーマン――無題(1993)

フランチェスカウッドマン――課題集(1986)

シェリー・レヴィーン――独身者たち(1989)

ルイーズ・ローラー――記念品の記憶(1996)

http://repre.org/repre/vol18/note/01/

Regarding Susan Sontag – A Documentary Film

http://sontagfilm.org/

SUSAN SONTAG APRIL 21-22, 2003 - Kelly Writers House

http://writing.upenn.edu/wh/people/fellows/sontag.html


◇ Susan Sontag: "On Classical Pornography" - YouTube

Literary icon Susan Sontag gives a lecture on pornography at 92nd Street Y on November 2, 1964. Titled "On Classical Pornography," Sontag discusses the differences between how elicit materials are perceived around the world at a time in America when pornography was referred to as "smut." She delves into the themes of pornography, examining the characters and how they reflect society's interpretations of gender.

http://youtu.be/atS9kpDxR-0


◇ Miami BookFair International 1992 Susan Sontag - YouTube

Miami BookFair International 1992 Susan Sontag


Miami Book Fair International presented and produced by The Center for Literature and Theatre @ Miami Dade College


presents:

Miami BookFair International - 1992 Susan Sontag


www.miamibookfair.com

©copyright 2013


(can be played on iphone | iPad | Apple TV | computer | YouTube


This video and audio is copyrighted/owned by the Lynn and Louis Wolfson II Florida Moving Image Archives and Miami BookFair International


Subscribe to the Miami BookFair International and the Lynn and Louis Wolfson II Florida Moving Image Archives' YouTube channel and tune in to the fascination and fun of Miami and Florida's past, captured on film and video and preserved by the Wolfson Archives at Miami Dade College.


MDC01618

http://youtu.be/fBm81naWbKY


◇ Duett för kannibaler AKA Duet for Cannibals (1969) - YouTube

http://youtu.be/LzPSKxOMvAk


◇ Unguided Tour AKA Letter from Venice (1983) - YouTube

http://youtu.be/6jFfnL9Y5xA


◇ Susan Sontag Lecture - YouTube

http://youtu.be/PPeEFZN7pmg


◇ Susan Sontag: Public Intellectual, Polymath, Provocatrice - YouTube

Roundtable discussion with Joan Acocella, Robert Boyers, Roger Copeland, Philip Lopate, and James Miller.

http://youtu.be/zXJe3EcPo1g


◇ Nobuhiro Fukui(@n291)/2014年02月27日 - Twilog

Andy Warhol S Sontag 001 - YouTubehttp://youtu.be/9dPLv7kLLeA

芸術家結果的には、奴隷であるか横柄であるかのいずれかの立場を取ることを強いられ、本来的に限定的な二つの道のいずれかを選ばざるをえなくなる。観客がすでに知っていることを観客に与えて観客に媚を売るか、あるいは観客の気持を鎮めるか、さもなければ、観客に攻撃を仕掛け、彼らの望まぬ

ものを与えるか”(スーザン・ソンタグ『ラディカルな意志スタイル』所収、「沈黙美学」より)

"The history of art is a sequence of successful transgressions." by Susan Sontag ※こちらも的確。しかし、もちろんこの言葉1960年代的なものではあるということを念頭に置いて考えるべきなのでしょう。

I Guess Everything Reminds You of Something (Ernest Hemingway) / Why is there something rather than nothing? http://youtu.be/V82uGzgoajI

"An event known through photographs certainly becomes more real than it would have been if one had never seen the photographs...

But after repeated exposure to images it also becomes less real." by Susan Sontag (from In Plato’s Cave)

"Citizens of modernity, consumers of violence as spectacle, adepts of proximity without risk, are schooled to be cynical about the

possibility of sincerity. Some people will do anything to keep themselves from being moved. How much easier, from one's chair, far from

danger, to claim the position of superiority. In fact, deriding the efforts of those who have borne witness in war zones as "war tourism" is

such a recurrent judgment that it has spilled over into the discussion of war photography as a profession." by Susan Sontag (2003)

1つめの引用は『写真論』より。2つめは『他者の苦痛へのまなざし』より、ギー・ドゥボールジャン・ボードリヤールらの言説にみられるフランス特性、「サラエヴォ遠足にきたアンドレ・グリュックスマンをはじめとする数人の著名なフランス人の状況分析」に対するスーザン・ソンタグの批判。

“その殺害者たちは卑怯者ではなかった  スーザン・ソンタグhttp://j.mp/1jBKwLM “一緒にバカになることはやめましょう”http://j.mp/1jBKBz5

"Let's by all means grieve together. But let's not be stupid together." by Susan Sontag | The New Yorker, 24 Sep 2001 http://j.mp/1jBKK5r

【Godot Sarajevo on Vimeo】“In the summer of '93 Susan Sontag visited...city of Sarajevo for the second time.http://j.mp/1jBLasC

Jean-Luc Godard: Je Vous Salue, Sarajevo (1993)】http://youtu.be/ItEHvYi8KZI ※たたえられよ、サラエヴォ - Wikipedia http://j.mp/1jBLIi7

【For Ever Mozart on Vimeohttp://j.mp/1jBLYO5 【For Ever Mozart - Trailer - Jean Luc Godard】http://youtu.be/uokF4Qtv21o ※1996年日本公開は2002年

http://twilog.org/n291/date-140227/allasc

2014-04-13 ParsePerSeParse

ParsePerSeParse


f:id:n-291:20140413024654j:image

Urban Renewal: Ghost Traps, Collage, Condos, and Squats - Vancouver Art in the Sixties

Although the innovations of the late 1970s and early 1980s are everywhere prescient in the sixties, it is hardly a linear, determined path from point A to B. For example, Iain Baxter pioneered the back-lit Cibachrome in Vancouver. He owned the first Vancouver franchise for the Cibachrome process and began making light boxes in 1967–68. Among his topics were the urban “ruins” of Vancouver’s suburbs and the vernacular of their sprawl. One cannot, in any meaningful way, connect these light boxes with Jeff Wall’s later adoption of the form around 1978. It would also be reckless to connect the loop presentations of Glenn Lewis, circa 1969, of urban intersections with the later emphasis on loops in the work of Rodney Graham.

http://vancouverartinthesixties.com/essays/urban-renewal


◇ Museum of Contemporary Art (MCA) Announces IAIN BAXTER&. Works 1958-2011 - Museum Publicity News Announcements and Press Release Information That Means Business

IAIN BAXTER& N.E. Thing Co. Still Life with 6 Trucks, Highway 1, Saskatchewan, 1968. Cibachrome transparency and lightbox. 13 5/8 x 19 3/4 x 5 1/8 in. (34.7 x 50.2 x 13.1 cm). Gift of IAIN BAXTER& and Ingrid Baxter, 1995. Collection of the Morris and Helen Belkin Art Gallery, The University of British Columbia. Photo: Michael Barrick, Morris and Helen Belkin Art Gallery

Read more http://museumpublicity.com/2011/10/30/museum-of-contemporary-art-mca-announces-iain-baxter-works-1958-2011/

http://museumpublicity.com/2011/10/30/museum-of-contemporary-art-mca-announces-iain-baxter-works-1958-2011/


◇ Pictures - Iain Baxter exhibit at the MCA - Chicago art exhibits - Examiner.com

http://www.examiner.com/slideshow/iain-baxter-exhibit-at-the-mca#slide=1


◇ Pier 94 – lights, action and some ho hum at the Armory contemporary - theartblog

Iain Baxter's lightbox dates from the 1960s.The gallerist said he was a lightbox originator, and was a prof. at the University of British Columbia when Jeff Wall was there.

http://www.theartblog.org/2011/03/pier-94-lights-action-and-some-ho-hum-at-the-armory-contemporary/


◇ IAINBAXTER&raisonnE

http://archives.library.yorku.ca/iain_baxterand_raisonne/


◇ IAIN BAXTER&: Works 1958-2011 | AGO Art Gallery of Ontario

http://www.ago.net/theandman


◇ IAIN BAXTER&: Works 1958–2011 | MCA Chicago

http://www2.mcachicago.org/exhibition/iain-baxter-works-1958-2011/


◇ IAIN BAXTER&: Conceptual Artist AND... - YouTube

In 1969, the brand-new Museum of Contemporary Art Chicago mounted a landmark exhibition―Art by Telephone―that took its title literally. Artists phoned in their works of art, which were then created on-site to their specifications. IAIN BAXTER& was one of the participating artists then, and he returns to Chicago this fall for his retrospective at the MCA. In a conversation with art historian Hannah Feldman, BAXTER& recalls not only Art by Telephone but also additional milestones in conceptualism.

The annual Richard Gray Visual Art Series recognizes a significant gift from founding CHF board member and distinguished art dealer Richard Gray. This program is presented in partnership with the Museum of Contemporary Art Chicago.

http://youtu.be/laWClngIpbg