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樽屋タカシ展ＲｅＪａｐａｎ! ―起点の風景―Art lab TOKYO

２０１２年５月２８日（月）〜６月９日（土）　日休

１５〜２０時（最終日〜１８時）

　丁寧に金箔を重ねた中に現代社会に遊びに来た妖怪画が愛らしい作風だった前回の作風とは全く違う印象を受ける。

　日本伝統色の真珠粉で丁寧な下地を作っていく。その上でスケッチや構想を重ねて作品を作っていくそう。このパールは角度によって印象が異なり、アクリル絵の具やエアブラシとの絶妙な関係もまた絵画の面白さ。

　その伝統色のイメージから描かれるモチーヅや構図が生まれるという。

　飛行機をモチーフにしたのは、そこにものづくりのカタチ、飛翔する姿が、日本復興のシンボルと捉えたことからとの事。

　精密なデッサンなど繰り返して、その機体を丁寧に描く。

樽屋氏は大阪でも大掛かりな天井図をはじめ空間全体を描くようなスケールの大きい仕事をこなしつつ、今回のように緻密な下地を作ってから、そこに日本復興を「飛行機」に託して描いていく作品は、今までの作風と違うようにも感じる。

　しかし、その緻密さは伝統色を真珠粉で表現した上に描かれるもの。

銀座和光の時計台の上空を横切るのは日の丸を冠した日本航空JALの機体

建設途中の東京スカイツリーをまさに横切らんとするのは、全日空ANA787機体。それぞれ建物と機材の質感も構図も良く見るほど面白い。スカイツリーの鉄骨など非常に精緻に描かれて三角から円形へと変化していくさままで見事に描き出す。こんな魅力的な建築中のスカイツリーを描いた画家を他には知らない。

　いずれも日本のつくる力、飛翔する姿を託したものか、頼もしい。

大阪で活躍するPEACHの機体もまた下地と共に魅力的である。

　

　今回は５点妖怪・付喪神シリーズがあって、昭和の懐かしい車種と日本ならではの日常の一品を手にした妖怪・付喪神が登場する。樽屋氏の父の愛車シリーズだそう。日本伝統色ながらなぜか新しく絶妙な色彩なのは、愛車と妖怪の登場ゆえか。ナンバープレートまで凝っている。

　日本の伝統色「黒橡 くろつるばみ」「錆御納戸 さびおなんど」「銀鼠 ぎんねず」「梅染　うめぞめ」「伽羅色 きゃらいろ」「焦香 こがれこう」「山葵色 わさびいろ」「桑染 くわぞめ」「薄雲鼠 うすくもねず」

伝統の色事典をめくりながら、そこからインスピレーションを得て描かれた絵を見直してみたい。また伝統の色事典には特製INDEXがついて、色彩の世界に誘う。

会場には付喪神に捧げる神棚があり、飛行機と管制塔、機材について語りえる知識はないが、飛行機好きにはたまらない展覧会。飛行機をこの構図でトリミングして表現するのかと驚いてしまう。琳派のDNAはこういう感じにあるのだろうか。

樽屋タカシ氏は現代の絵師として活躍して欲しい。妖怪も惹きつけ、会場にもきっと妖怪が潜んでいるはず。

今回画廊の許可を得て写真撮影させて頂いた。樽屋氏の解説も伺え感謝。

「セザンヌ−パリとプロヴァンス」展

2012年3月28日(水)〜 6月11日(月)

10:00〜18:00まで（金曜日は20:00まで）

国立新美術館企画展示室1E（東京・六本木）

特別協力にオルセー美術館、パリ市立プティ・パレ美術館があり多くの出品がある。

今回の内覧会では、特別に主催者の許可を得て撮影した会場内の画像。

六本木、国立新美術館で開催中の「セザンヌ−パリとプロヴァンス」展（6月11日まで）国内外から結集したセザンヌ作品だけで構成される「セザンヌ展」。

「セザンヌ−パリとプロヴァンス」展

キュレーターの林綾野さんをお迎えして、実際に描いたフランスの場所をくまなく旅した視点から「セザンヌ−パリとプロヴァンス」展の見どころをお話くださる。

セザンヌの住んだ場所はほぼ全部行って来たそう。綾野さんにとって、距離が縮まらない画家であり、作品の説明も釈然としなかった。しかし、今回のフランスの旅で住んだ場所、描いた場所を巡ってわかった。

『セザンヌの食卓　いろとりどりの林檎たち』林綾野

林檎とサントヴィクトワール山にこだわったセザンヌの心裡を、現地取材と作品から解き明かす美術エッセイ。林檎と南仏のレシピ収録！

初期の作品に卵や玉ねぎがあるが、おいしそう！に描く事よりあくまでモノとして描く造形美として捉えているかも。下手くそだけど初期の作品は一生懸命描いてまだ模索している作品。

坂があり次元的な場。ずっと構図にこだわったがセザンヌです。モザイクを敷き詰めて行くように描いている。近くで筆の感じを観て。

ジャス・ド・ブッファンの大広間と連作「四季」

セザンヌが生涯に何度も訪れた場所レスタック。基本的にパリとプロヴァンスを往復（20回以上も）。しかしそれ以外は個人的な旅行は全くせずに、特定の場所にこもって描くタイプの画家がセザンヌ。

「首吊りの家」もだが、坂になっている場所を好んで描きました。暗いタッチの作品は影を暗い色で描くが、この作品では、明るいタッチで影を描く。

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太陽の輝きや風の揺らぎよりも、あくまでも構造に重きを置いて描いた人。

「セザンヌといえば、サント＝ビクトワール山。日本の富士山のように堂々とした山の印象をセザンヌの作品から受けるが、現地で初めて見た時は、ただの白い岩山でがっかり。

しかし、しばらく滞在していると時間帯や角度によって見え方が違うことに気が付く。朝もや、昼下がり、夕方はピンク色、毎回違う姿のサント＝ビクトワール山が見えると嬉しくなる。一週間でもかなり違って見えた。」

「生涯この山を観ていたセザンヌにとっては単に対象を超えてしまった山。セザンヌの良さを伝えるのが難しいが、これだけ人を惹きつけるのは、人の心にある原風景を紡いでいるからかも。時間ごとに移り変わるそれぞれのシーンを描いたモネに対して、セザンヌは全ての時間帯や想いを一枚に封じ込めた。この場所ではミストラルの風を感じられる。

生涯マティスが大事にしていたセザンヌの沐浴図

マティスの作品に通じる　あの場面。

人物画ヴォラール画商　115回もポーズを取らせて描いたそう。色にこだわり、こだわりぬいた人。

「りんごとオレンジ」1899年　オルセー美術館

「ひとつのリンゴで世界を変えてみせる」

今までの展覧会でもたびたびセザンヌを近代絵画の父として画家が敬愛する。

何か良いのか、私は好きな理由は、描きたいものを全部画面に入れているところ。

「見たままに描く」だけでは見えていない三次元の限界を二次元で実現しているところ

形と色が一体化して響き合っている作品。同じ丸が橙色だとオレンジ、赤色だとリンゴ、それらが集まることで絵の関係性が出来ている。

セザンヌは、リンゴの見えない向こう側を意識して描いていた。平面的に描くのではなく、見えない部分も常に念頭に置いて描いていた。

セザンヌのこうした部分に、ピカソやマティスが素早く反応したのもこの一枚を観れば一目瞭然。

レ・ローヴのアトリエの再現もみどころ。展示されている物はプロヴァンスから実際にこの展覧会のために運んできたもの。

「訪れた際にアトリエの端っこに傘が沢山、小さな椅子、大きなパラソルが置いてあった。いかに外で写生することを重要視してきたかが分かった。」

　

最後は嵐にあい体調を崩し亡くなってしまった。生涯を絵に捧げた人。これだけ絵を描くことにこだわった人はいまい。

「庭師ヴァリエ」1906年頃　テート

身近な一人を描いた作品。色はセザンヌにとって大切なこと。セザンヌ作品は印刷物にするとみな色が微妙に違い本物の色を出すのが困難だった。是非会場で本物を観てほしい。

グッズもとてもセンスが良くてプレゼントに良いのがたくさん♪

リンゴがデザインされたシャツもステキ。

本物のセザンヌに会えたら、こんな変容するデザインもお持ち帰りしたい。

桜・さくら・ＳＡＫＵＲＡ　2012＠山種美術館

　弐代目・青い日記帳Ｔａｋさんが企画してくださる山種美術館鑑賞会。

特別に、館長が解説してくださった。

今回特別な配慮で館内を撮影させて頂いた。

三番町に美術館があった頃は、毎年春になると「桜、美術館で花見」を企画して千鳥が淵の桜と共に定番の鑑賞になっていたはず。日本人が桜好きなのは、日本画の画題でも同じなのだろうか。

桜そのものを鑑賞する良さには適わないが、日本画の桜は「色」そして「大きさ」をこの美術館の中で体感して欲しいとのお話。胡粉と岩絵の具。

　入ってすぐには奥村土牛『醍醐』(4))が迎える。山種美術館でも有名な切手　80円切手は春の大事な手紙に使っていた。さて、この「醍醐」の美しい淡紅は、”綿臙脂（わたえんじ）”という大変高価な画材を用いるそうだ。

　コチニール（ライラックカイガラムシ）の体液を綿に染み込ませたもの。ちょうどその晩テレビ「美の巨人」の中で、その製法を紹介していた。綿を切り取り水で浸す。そして砂糖水で溶かしたものを熱で水分を飛ばしてやっと絵の具になる。胡粉に混ぜると綺麗な色が出来る。油を嫌うので扱いが大変だということ。胡粉に何度も重ねることで、はんなりとして上品な薄紅色になっていく。今回は綿臙脂の実物を見せていただけた。東京芸大教授・ 宮廻正明教授から頂いたそう。今では使う人は、なかなかいないそうだ。

　日本各地の桜、桜を愛でる、桜を描く　というテーマで屏風、掛軸、写生図などさまざまな形態の桜を紹介する。

　東山魁夷『春静』(11)は高価な岩絵の具緑青を焼いて、その緑の濃淡を表現しているという。奥村土牛『吉野』(12)、セザンヌを意識した色面構成、というお話と歴史画として描いたというエピソードに、今までとはまた違う見方が出来た作品。

小林古径『清姫のうち入相桜』(15)、そして速水御舟『道成寺入相桜』（16-18）と丹精な美しさ。

富田渓仙『嵐山の春』(3)は屏風を修復後初公開とのこと。

会場奥手は、奥田元宋『奥入瀬(春)』(21)は大画面で清流からすがすがしい空気が感じられる。

桜を愛でるという章では、松岡映丘『春光春衣』(25)、吉川霊華『春光』(26)が王朝美を描く。橋本雅邦『児島高徳』の太平記にちなんだ画題など見れば見るほど興味深い。

加藤登美子『桜の下の満開の下』(32)ニューヨーク在住の知られざる作品。

　桜咲く風景として玉堂の作品。館長の父、山崎種二氏と玉堂は懇意にしてよく奥多摩に通ったという話をされた。

　今回一番気になる作家は、稗田一穂『朧春』(46)　まだご存命の作家。桜の表情の繊細な事。是非他の作品も観たいと思った。

　日本画家の作品は宮中に収められるが、それと同じものを描いてもらったというのが、

橋本明治『朝陽桜』(22)、上村松篁『日本の花』(48) 宮中で配される作品の写真を添えて紹介している。普段なかなか入れない、宮中の作品をこうやって美術館に収めて頂けるのも山崎種二氏のお人柄ゆえの収集ではないだろうか。

　第二ギャラリーでは川端龍子をはじめ桜の幹を中央に据えて描いた作品が並ぶ。また。渡辺省亭『桜に雀』(58)木に雀が三羽とまって語り合う様、鳥の瞳が可愛らしい。当時は内国勧業博覧会でも人気がある画家で、再評価されるのでは、とのお話。

　小林古径と速水御舟の桜花が似ている点を鑑賞者が指摘すると、館長が御舟夫人から伺ったエピソードで、いつもは無口だった小林古径だが、御舟と一緒だと何時間でも語らっていたという。御舟と古径は画塾の先輩後輩の中で、とても仲良かったが、後年は古径は線描きを、御舟は色面を意識し、画風では違う道を目指していったとも。

　家族で夜、テレビ東京「美の巨人」600回（4月14日放送）を見て、この絵が欲しい、と溜息をこぼす。明日から、きっと山種美術館の花見は混雑するに違いないが、絵とは心静かに鑑賞できたらどれだけ贅沢だろうか

　この企画に合わせてミュージアムグッズも桜色に染まっている。

　菓匠菊家の日本画に題材を得て創作した和菓子も美味。

　さすが山種美術館らしい。家庭画報2012年5月号の連載記事は「胡粉」で、まさに『朝陽春』と共に紹介されていた。着物姿も多く、優美な雰囲気を心待ちにした鑑賞者が集うのも特徴ではないだろうか。

「かけらの記憶、泉」手塚 真梨子　展＠あかね画廊

2012/4/9（月）〜2012/4/15（日）

11:00〜18:30（最終日は17時まで）

東京都中央区銀座4-3-14筑波ビル

はじまりの季節に出逢うのは

過去と今

つながって、心強い気持ちになりました

夜中に音がよく響く

静かに、のびていく感じ

一緒に

記憶がひろがって

日々のかけらをあつめたら

（言葉より）

　2010年グループ展「絵本とファインアートのあいだに」（銀座　ギャラリー枝香庵）

最終日に駆け込んで見せてもらい、小さな作品を頂いてから、少しずつ画風に変化が見られる作家さん。

　とても愛らしい方なのですが、初個展の作品には驚きました。画廊全体がお話の装置になっていて、舟が出る場面から会場右手に物語が始まるのです。それぞれぐるりと回って、お話を伺ったところ、一冊の絵本を手にされて、物語を語ってくれました。

　あまり多く見てはいないけど、画廊全体を使って全部の作品が繋がって、物語になっているという個展は初めて出会いました。そういう贅沢な製作も素晴らしいです。

舟が旅をして、さまざまな場所に行きます。森に入ったり、階段を下りたり、歩いたり、門をくぐったり。とりわけ心引かれたのは、大きなガラスびんがあって、さまざまな「かけらの記憶」が入っていて、それが様々なお話に変わっていく箇所などとりわけ惹かれました。

　また、水色の靴が印象的でしたが、手塚真梨子さん自身が実際にその水色の靴を履いていて、すっかり物語の住人でもあり、この物語の語り手でもあるのです。

　小さな門、そして大きな「水門」が現れます（100号サイズ）それは今、まさに舟が水門を開けて進もうという場面。水がとても美しく、赤と白、青のその印象がとりわけすがすがしい気持ちにさせます。その右上には月。

　やがて宝箱を見つけます。そして、赤と青の人が現れます。その間で手塚真梨子さんを撮影させていただきました。

　非常に潜在能力を感じる、希望に満ちた作品で物語が作られています。

素材も様々で、そのリズミカルな空間は実際にこの会場でしかないものです。

　これからも変化して成長し続けていくのではないか、素晴らしいストーリーテラーになる予感がする作家さんです。

　絵本はすべて手作りで、一冊一冊、番号が違う名前が入っています。私は　35番でした。その数字との出会いも御縁です。

杉本博司　ハダカから被服へ　＠原美術館

2012年3月31日ー7月1日　

品川・原美術館

モノクローム

本日は原美術館日和。

ウィットに富む杉本調、深艶なモノクローム。平成の洒落本「秘すれば花」幾重にも「被すれば華」業界へのアイロニー。

ジオラマや蝋人形シリーズ。1994年に撮影したジオラマで人類の進化と被服の関係を解説する。いちじくの葉の変容を追っていく。衣装とは本来は人間の第二の皮膚のように纏うために作られたはずなのに、ここではマネキンや人形がまとってアート作品として見るという不思議な関係。　その本質が引き立つのは、色彩と糸が纏わりつく洪水のような虚飾の世界観をモノクロームのフィルターに掛けたためだろうか。

装うことの意味を問いかける。人間が裸になる時は、入浴の時と子孫繁栄の時だけ。人は子孫繁栄の時を得るために、衣装を纏うというアイロニカルな文脈。

ギャラリー１では杉本氏のコレクション。ジャック・ゴーティエ・ダゴディの女性背筋図が軸装されている。「愛の翼」

ギャラリー２では、2007年に京都服飾文化研究財団の服をマネキンに着せたモノクローム写真。デザイナーのそれぞれ特徴的なデザインを紹介していながら、その業界の舞台裏までも言及する。

ギャラリー４では、2011年8月公演「杉本文楽曽根崎心中」舞台のお初の衣装。アボリジニの意匠をデザインしたエルメスのスカーフを用いた文楽人形の着物。「新にして深、淵にして艶」　その時代世代を超えた組み合わせの妙がとても良い。2011年9月公演「神秘域（かみひそみいき）」の雷紋（いかずきもん）能衣装。

階段、ギャラリー３、５と日本人デザイナーの代表的な衣装デザイン。

大判のゼラチンシルバープリントを見ていると、モノクロームの画面が非常に豊かな色彩を秘めている。その糸から布地の質感と空気、縫製まで非常に鮮明な美しさで迫ってくる。それが杉本博司の写真なのだろうか。

　自身非常にウィットに富んだ解説文で、「ブランド」が牛の尻に押す烙印だった由来から「今では女の尻を熱くする」ときたか。三宅一生のプリーツ・プリーズは若い人はその肌を引き立て、老いては一体化するという考えも成程。川久保怜のドレスを竹筒ドレスと名づけて「銘」まで付ける辺りはさすが….

　「負の定曲率曲線　双曲型の回転面」のアルミニウムのフォルムが非常に美しい。「数学とは脳がまとった衣装である。」そういう解釈もまた美しい。庭の「かえりな垣」のセンスもまた面白いもの。

　杉本博司の扱う世界観はこの原美術館邸宅のほんの一部でしかなく、その深いことは言うまでもない。

BRUTUS　

歴史の歴史